Präsentation: EIKON #100 zur Vienna Art Week 2017

Das 100. Heft von EIKON versteht sich als umfassende Sonderausgabe zum europaweit ausgeschriebenen EIKON Award (45+). Unter dem Ehrenschutz von VALIE EXPORT stehend, richtete er sich an Fotografie- und Medienkünstlerinnen, die 45 Jahre oder älter sind. Nicht selten sind es Frauen, die zu den VorreiterInnen von Fotografie und Medienkunst zählen und die innovativen Potenziale neuer Medien und Technologien künstlerisch erschließen. Die Sonderausgabe legt Bedingungen aktueller weiblicher Kunstproduktion frei und präsentiert ausgewählte Positionen beteiligter Künstlerinnen. Die Präsentation findet gleichzeitig mit der Preisverleihung des EIKON Award (45+)  im Rahmen der Vienna Art Week 2017 statt.

Präsentation EIKON #100, Preisverleihung EIKON Award (45+)
Wann: 17. November 2017, 18:00 Uhr
Wo: KUNST HAUS WIEN, Untere Weißgerberstraße 13, 1030 Wien

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Ausstellung: Eva Kot’átková. Stomach of the World

21er Haus, Wien, 15. 11. 2017 – 11. 02. 2018

Eva Koťátková (geb. 1982 in Prag) sieht die Entfaltung des Selbst als Gratwanderung zwischen inneren und äußeren Zwängen. Ihre Ausstellung im Untergeschoss des 21er Haus umkreist als raumfüllende Installation mit einer Vielzahl von Objekten ihren Film »Stomach of the World« (2017) als Dreh- und Angelpunkt dieses Gedankens. Der Film dauert 46 Minuten und ist in der Ausstellung im Loop zu sehen. In dem surrealen und gleichsam humorvollen Film wird die Welt aus der Perspektive von Kindern erfahren, die verschiedene Übungen ausführen. Die Akteurinnen und Akteure imaginieren die Welt als eine Art Körper, der Objekte und Subjekte in sich aufnimmt und transformiert. Wie schon in früheren Arbeiten beschäftigt sich Eva Koťátková auch in ihrer aktuellen Ausstellung mit der Konstruktion gesellschaftlicher Normen, Konventionen und Kontrollmechanismen.

Kuratiert von Severin Dünser

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Ausstellung: Portrait II

Kunstverein Oldenburg, Oldenburg, 04. 11. 2017 – 07. 01. 2018

Von allen Gattungen der bildenden Kunst spiegelt das Portrait am unmittelbarsten die Natur des Menschen und die Bedingung des Menschseins. Nach der Portrait-Ausstellung im Jahr 2015 mit Fotografien aus der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts konzentriert sich die aktuelle Ausstellung auf jüngere Künstler. Die Bandbreite der künstlerischen Strategien ist dabei groß. Von einfühlsamen Bildnissen in privater Umgebung, dokumentarisch anmutenden Serien von Bewohnern eines Lebensraums, eines sozialen oder beruflichen Milieus, bis hin zu Thematisierung der Möglichkeiten und Bedingungen des Portraits reichen die vielfältigen Herangehensweisen der präsentierten Künstlerinnen und Künstler.

Gezeigt werden Arbeiten von:
Laura Bielau
Albrecht Fuchs
Georg Gatsas
Jitka Hanzlová
Zoltán Jókay
Annette Kelm
Ted Partin
Janina Wick
Dagmar Keller & Martin Wittwer
Tobias Zielony

Die Ausstellung wird kuratiert von Laurenz Berges und Gertrude Wagenfeld-Pleister.

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Exhibition: Shirana Shahbazi. Group Show for Oslo

Fotogalleriet, Oslo, 03. 11. – 17. 12. 2017

Fotogalleriet is pleased to announce its forthcoming solo exhibition with Zurich-based artist Shirana Shahbazi. Shahbazi’s exhibition is the last main exhibition of Fotogalleriet’s anniversary year programme, which aims to reflect on its own existence by mapping a constellation of photographic usages and presentation formats. With the opening of Shahbazi’s exhibition, a dialogue is again established with the “Nordic Anthology” exhibitions and “Camera Movement” film- and video programme. “Nordic Anthology” #13 is curated by Itonje Søimer Guttormsen to re-contextualise the work of feminist filmmaker Vibeke Løkkeberg. Lene “Kopfkino” (curated by Karoline Ugelstad) is shown as part of “Camera Movement”. Shirana Shahbazi’s exhibition at Fotogalleriet immerses the visitor in a complex and intriguing universe of photographic images of varying motifs, techniques and formats. Set up in a salon-style presentation, Shirana Shahbazi has selected nearly fifty art works in collaboration with Fotogalleriet from her own oeuvre, incorporating works from the 1990s until today, thus spanning over a period of twenty years. The result is a montage of photographic images that gives the viewer the possibility not only to deeply engage with Shahbazi’s overall work, but also reflect on what a photograph can be, what it can represent and which qualities it can acquire. Shahbazi’s work thus does not present a fixed idea of photography, but rather gives an idea of the photographic: geometric compositions go in dialogue with portraits, landscapes, still life motifs, as well as monochromatic works. Some photographs have documentary qualities, while others clearly reference art historical subject matter and create a reciprocal relationship to other artistic media such as painting and sculpture. At the same time, the physical exhibition space determines how the works relate to each other and provide hitherto invisible constellations. As a result, the photographs can be seen both as individual works and in connection with one another. A significant characteristic of Shahbazi’s work is that none of the photographs are found images or dependent on arbitrariness. Each photograph is carefully conceived and composed, which becomes especially visible in works that are repetitively entitled “Komposition”, “Monstera”, “Stilleben” or “Schmetterling”. While one appears to be immediately seduced by the imagery, different socio-cultural connotations slowly emerge and conjure associations that initially are not visible. “Schmetterling” is not just a butterfly, it is a representation of a butterfly that evokes the sealed, collectible object of the lepidopterist. “Frucht” is not only playing with the art historical genre of the still life, it also comments on the glossiness and perfection desired in our contemporary media culture. And “Monstera” appears as an exotic, aestheticized plant that ironically enough is also called “The Swiss cheese plant”. If we then look at photographs of petrol stations, a newly wed bride, a mountainous landscape, a white cat crouching on a sofa or some palm trees we start to understand what is at stake: our physical and mental relationship to cultural constructs and the world around us. But regardless whether the objects represented are singled out in a distinct photographic image, or if they materialize through the quasi-documentary work, Shahbazi makes us question what is in front of our eyes and at the same time indicates that there are divergent realities at play. Shirana Shahbazi (b. 1974) lives and works in Zurich. She studied photography at the University of Applied Sciences and Arts in Dortmund and Hochschule für Gestaltung und Kunst, Zurich. Her most recent solo exhibitions took place at Galerie Peter Kilchmann, Zurich (2017), PARKETT Editions, Zurich (2017), KINDL Center for Contemporary Art, Berlin (2017), On Stellar Rays, New York (2016), Kunsthalle Bern, Bern (2014), Cardi Black Box, Milano (2013), Galerie Rudolfinum, Prague (2012), Foto Kunst Stadtforum, Innsbruck, Austria (2012), New Museum, New York (2011), Fotomuseum Winterthur, Winterthur (2011), Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam (2010), The Hammer Museum, Los Angeles (2008), The Curve, Barbican Art Gallery, London (2007) and Raum für Fotografie, Sprengel Museum, Hanover (2006). Notably, her recent solo exhibition entitled “Group Show” at Camera Austria, Graz in 2016 relates to the exhibition at Fotogalleriet, having been the first iteration of grouping a large number of photographic works from Shahbazi’s oeuvre within one exhibition space. Shahbazi has also participated extensively in group exhibitions, amongst them “Communities”, Migros Museum für Gegenwartskunst, Zurich (2017), “The Other and Me”, Sharjah Art Museum, Sharjah (2014), “Lens Drawings”, Galerie Marian Goodman, Paris (2013), “New Photography ”, Museum of Modern Art, New York (2013), “Wunder”, Deichtorhallen Hamburg, Hamburg (2011), “Shifting Identities”, Kunsthaus Zürich, Zurich (2008), 4th Berlin Biennial for Contemporary Art, Berlin (2006), “Traveling”, Hayward Gallery, London (2005) and Sharjah Biennial 7, Sharjah (2005). Shahbazi’s works are represented in collections of major institutions internationally including The Museum of Modern Art, New York, Tate Modern, London and Migros Museum for Contemporary Art, Zurich.
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Ausstellung: Cyrill Lachauer. What Do You Want Here

Berlinische Galerie, Berlin, 03. 11. 2017 – 30. 04. 2018

Cyrill Lachauer ist Spurenleser. Seine Arbeiten sind Resultate langer Reisen, die ihn vom aktuell viel besprochenen Hinterland der USA bis zu seinen eigenen Wurzeln nach Oberbayern und Berlin führen. In seinen Fotografien, Filmen und Texten werden Leerstellen, Zitate und scheinbar beiläufige Details zu Spuren von verborgenen Geschichten, die sich in die Landschaften eingeschrieben haben und sie nachhaltig prägen.

Die Ausstellung »What Do You Want Here« zeigt erstmals einen Werkzyklus, der in den letzten zwei Jahren auf Reisen in den USA entstanden ist. Eine Schlüsselrolle darin übernimmt der Film »Dodging Raindrops – A Separate Reality«. Er beginnt in Los Angeles und folgt den vermeintlichen Feldforschungsreisen des umstrittenen Ethnologen Carlos Castaneda, der zum Begründer der New-Age-Bewegung wurde. Parallel zu dem Film sind Fotografien und Texte zu sehen. In ihnen verbinden sich Beobachtungen entlang des Mississippi mit fiktiven Situationen und historischen Bezügen zu einer vielstimmigen Erzählung, die eine erweiterte Wahrnehmung der bereisten Landschaften ermöglicht.

Cyrill Lachauer (geb. 1979 in Rosenheim) studierte Regie, Ethnologie und Kunst in München und Berlin. 2010 schloss er sein Studium an der Universität der Künste Berlin ab. 2011 gründete er mit drei Kollegen das Künstlerlabel Flipping the Coin. Er erhielt u.a. 2008 den 3sat-Förderpreis der Internationalen Kurzfilmtage Oberhausen, 2010 den IBB Preis für Photographie, 2014 das Stipendium der Konrad-Adenauer-Stiftung und 2015 das Villa-Aurora-Stipendium Los Angeles.

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Neueröffnung: Sammlung Fotografie und neue Medien im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg

Depot/Studienraum/Ausstellungsfläche und Ausstellung „Jochen Lempert / Peter Piller. Fotografie neu ordnen: Vögel“

Eröffnung: 26. Oktober 2017, 19 Uhr

Ausstellungslaufzeit: 27. Oktober 2017 bis 4. Februar 2018

Am 26. Oktober 2017 präsentiert das Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg (MKG) die Neueröffnung seiner Sammlung Fotografie und neue Medien. Sie bildet einen ersten Abschluss der umfangreichen Umbaumaßnahmen, die die Hermann Reemtsma Stiftung mit 600.000 Euro im Rahmen der Initiative Kunst auf Lager ermöglicht hat. Das MKG beherbergt eine der bedeutendsten Sammlungen der Fotografie in Deutschland. Sie umfasst heute rund 75.000 Exponate von den Anfängen des Mediums bis in die Gegenwart. Mit dem neuen, rund 120 Quadratmeter großen Depot wird die bisherige Depotfläche wesentlich erweitert. So erhalten die kostbaren historischen Bestände endlich die notwendige Fläche und Ausstattung für eine angemessene Lagerung unter klimatisch optimalen Bedingungen. In einem dem Depot angegliederten Studienraum können Mitarbeiter und angemeldete Gäste zukünftig die Originale sichten und mit ihnen arbeiten. Auf einer neuen, zentral gelegenen Ausstellungsfläche von 140 Quadratmetern will das MKG die fotografische Sammlung in den Dialog mit zeitgenössischen Themen und Bildautoren bringen. Den Auftakt bilden die Fotografen Jochen Lempert und Peter Piller mit der Ausstellung Fotografie neu ordnen: Vögel, die mit der Neueröffnung am 26. Oktober 2017 beginnt. Inklusive der Förderung durch die Hermann Reemtsma Stiftung, konnte das MKG insgesamt über eine Million Euro für die Zukunftssicherung der Sammlung Fotografie und neue Medien einwerben. Die Mittel wurden von verschiedenen Förderern bereitgestellt für die Restaurierung und Rahmung der historischen Fotografien, die wissenschaftliche Erschließung der Sammlung, die Überblicksausstellung ReVision in 2016, für einen Sammlungskatalog sowie für die digitale Bereitstellung von bis jetzt 9.000 Werken auf MKG Sammlung online.

Prof. Dr. Sabine Schulze, Direktorin des MKG: „Dank seiner progressiven Sammlungstätigkeit und einer großen Offenheit gegenüber zeitgenössischer Kunst seit seiner Gründung beherbergt das MKG heute einzigartige Zeugnisse aus der Geschichte der Fotografie. Ich bin dankbar für die großzügige Unterstützung der Hermann Reemtsma Stiftung, mit der wir diese kostbaren Bestände für folgende Generationen erhalten. Besonders freue ich mich über den neuen Studienraum, der die Zugänglichkeit der Sammlung und damit die wissenschaftliche Erschließung wesentlich verbessert. Die neue hinzu gewonnene Dauerausstellungfläche sichert der großartigen Sammlung Fotografie und neue Medien große Präsenz im Rundgang durch das MKG.“

Dr. Sebastian Giesen, Geschäftsführer der Hermann Reemtsma Stiftung: „Die beiden Museumsväter Justus Brinckmann (MKG) und Alfred Lichtwark (Kunsthalle) hatten eine gemeinsame Vorliebe: die Fotografie. Das MKG spiegelt mit seiner Sammlung die Leidenschaft dieser beiden Foto-Pioniere wider. Der Grundstock aus der Zeit um 1900 wurde über Jahrzehnte zu einer führenden Foto-Sammlung ausgebaut. Dank der nun nachhaltigen Unterbringung, der tiefgreifenden Erschließung, der wissenschaftlichen Bearbeitung und vor allem der verbesserten Zugänglichkeit wird uns erstmals das ganze Ausmaß dieses Schatzes vor Augen geführt. Ein tolles Projekt für das Bündnis Kunst auf Lager. Wunderbar und Danke MKG!

Als erstes Museum in Deutschland begann das MKG gegen Ende des 19. Jahrhunderts Fotografie als eigenständiges Medium zu sammeln und ab 1911 in Ausstellungen zu präsentieren. Damit nahm das MKG eine Vorreiterrolle ein. Seitdem hat sich die Sammlung in Qualität und Umfang zu einem einzigartigen Bestand entwickelt, darunter eine einzigartige Kollektion von Daguerreotypien und die Sammlung Ernst Juhl mit originalgerahmten Gummidrucken aus der Zeit des Piktorialismus (um 1900). Ab den 1950er Jahren erwarb das MKG zentrale Werke der klassischen Moderne, darunter Arbeiten von Erich Andres, Herbert Bayer, Willi Beutler, Alfred Ehrhardt, Hugo Erfurth, Andreas Feininger, Heinz Hajek-Halke, Walter Hege, Fritz Henle, Lotte Jacobi, Peter Keetmann, Erna Lenvai-Dircksen, Helmar Lerski, Madame d’Ora, Albert Renger-Patzsch, August Sander, Franz Schensky, Otto Steinert, Alfred Tritschler, Edward Weston und Paul Wolff u.a.

In der bundesweiten Initiative Kunst auf Lager. Bündnis zur Erschließung und Sicherung von Museumsdepots haben sich Anfang 2014 vierzehn Partnern (vor allem Stiftungen) zusammengefunden, um Museen bei dem Erhalt und der Aufarbeitung ihrer wertvollen Kulturgüter zu unterstützen. In einem einzigartigen Pilotprojekt im Rahmen dieses Verbundes engagieren sich die Hermann Reemtsma Stiftung, die Kulturstiftung der Länder, die Wüstenrot Stiftung und die ZEIT-Stiftung Ebelin und Gerd Bucerius gemeinsam, um die gefährdete fotografische Sammlung des MKG nachhaltig konservatorisch zu sichern. Neben der Einrichtung von Depot, Studienraum und Ausstellungsfläche umfassen die Maßnahmen auch die Restaurierung ausgewählter historischen Kernbestände und die etappenweise wissenschaftliche Erschließung des umfangreichen Bestandes mit dem Ziel seiner besseren öffentlichen Zugänglichkeit. Weitere Informationen zum Bündnis unter www.kunst-auf-lager.de.

Die Hermann Reemtsma Stiftung hat die Einrichtung des Depots, eines Studienraumes und eines Ausstellungs-raums finanziert. Die Objekte befinden sich noch an verschiedenen Orten im Gebäude in größtenteils nicht klimatisierten Aufbewahrungsorten in überfüllten Regalen und Schubladen. Um die Exponate fachgerecht und unter konservatorisch optimalen Bedingungen bewahren zu können, wurde der neue Depotraum baulich instand gesetzt, eingerichtet und klimatisiert. Die Umlagerung der Objekte kann nun beginnen. Zukünftig können die Fotografien konstant bei 18 Grad und 40 Prozent Luftfeuchtigkeit gelagert werden. Der Studienraum ermöglicht Mitarbeitern des MKG, Besuchern und Fachleuten, die Objekte im Original zu Forschungszwecken auch unabhängig von Ausstellungen einzusehen. Die bauliche Herrichtung einer zentralen Fläche im 2. Obergeschoss bietet die Chance, die Sammlung Fotografie und neue Medien in wechselnden Präsentationen immer wieder unter gegenwärtigen Fragestellungen zu präsentieren.
Flankiert wurden die Baumaßnahmen von zwei Restaurierungsprojekten: Die Kulturstiftung der Länder ermöglichte die Restaurierung von 280 Daguerreotypien aus den 1840er und 1850er Jahren aus dem Bestand des MKG. Diese ersten fotografischen Bildträger waren von der „Glaskrankheit“ befallen: Die Zersetzungserscheinung haben zu Ausblühungen von Kupfercarbonat und Eintrübungen der Glasplatten geführt. So verloren die Objekte nicht nur an Brillanz, die Krankheit drohte, sich auch vom Glas auf die eingefassten Fotografien zu übertragen. Nach der Reinigung der Platten und dem Austausch der Gläser zieht der in Qualität und Umfang einzigartige Bestand nun in neue Aufbewahrungsräume um.

Der Förderschwerpunkt der Wüstenrot Stiftung lag auf der Restaurierung einer bedeutenden Kollektion von 35 originalgerahmten Gummidrucken der Kunstfotografie um 1900 aus der Sammlung Juhl, die seit 1916/17 im Besitz des MKG sind. Die Restaurierung umfasste die historischen Rahmen sowie, in einzelnen Fällen, die Konservierung der sich ablösenden Farbschichten. Ebenfalls wurden die holzhaltigen Rückplatten, deren Ausdünstungen die Gummidrucke gefährden, ausgetauscht.

Zur wissenschaftlichen Erschließung der Sammlung finanziert die ZEIT-Stiftung Ebelin und Gerd Bucerius bis 2018 eine wissenschaftliche Mitarbeiterin. So konnte bis jetzt bereits über 9.000 wichtige Werke auf MKG Sammlung online veröffentlicht werden. Damit ist das MKG das erste Museum in Deutschland, das seine fotografische Sammlung online zugänglich macht. Da die fotografischen Arbeiten aufgrund ihrer Lichtempfindlichkeit zum größten Teil im Verborgenen lagern müssen, ist es umso wichtiger, die Bestände im Internet für Recherchen zugänglich zu machen.

Sammlungskatalog: Die Neueinrichtung der Sammlung Fotografie und neue Medien wird begleitet von einem umfangreichen Sammlungskatalog, erschienen im Steidl Verlag mit dem Titel ReVision. Fotografie im Museum für Kunst und Gewerbe Hamburg, hrsg. von Sabine Schulze und Esther Ruelfs / Design von Studio Mahr / 380 Seiten, 23 × 28 cm, 224 Abbildungen, deutsche und englische Ausgabe, 48 Euro. Den theoretischen Rahmen des großzügig illustrierten Bildbandes bilden Essays internationaler Fotohistorikerinnen und Kulturwissenschaftler, die in die jeweiligen Kapitel einführen. Mit Texten von Roger Buergel, Cathrin Hauswald, Luce Lebart, Corey Keller, Kathrin Peters, Michel Poivert, Esther Ruelfs, Sven Schumacher, Steffen Siegel, Bernd Stiegler und Madoka Yuki. Der Sammlungskatalog wurde ermöglicht von Annegret und Claus-G. Budelmann und der Martha Pulvermacher Stiftung.

Die Publikation bietet erstmals einen Überblick über die Sammlung des Museums für Kunst und Gewerbe Hamburg und erzählt damit zugleich auch die Geschichte der Fotografie. Sie blickt aus unterschiedlichen Perspektiven auf die vielfältige und gewachsene Sammlung. Sie stellt in elf Kapiteln anhand ausgewählter Gattungen wie Porträt-, Architektur- oder auch Reisefotografie vor. Sie untersucht zentrale Diskurse, etwa den Wunsch nach einer präzisen und objektiv dokumentierenden fotografischen Erfassung oder die im 19. Jahrhundert begründeten Rollen der Fotografie als Hilfsmittel der Wissenschaft und als Medium der Archivierung. Gleichzeitig widmet sich der Sammlungskatalog der wandelnden Materialität der Bilder, beispielsweise ihrer Rahmung. Einzelne Kapitel spiegeln Sammlungsschwerpunkte wider, so etwa den hochkarätigen Bestand internationaler piktorialistischer Fotografie oder die in den 1980er Jahren zusammengetragene Sammlung japanischer Aufnahmen.

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Ausstellung: Araki. Tokyo

Pinakothek der Moderne, München,  ‐ 

Der Japaner Nobuyoshi Araki (* 1940) zählt zu den wohl produktivsten, aber auch provokativsten Fotografen unserer Zeit. Sein Werk umspannt ein vielfältiges Spektrum an Themen, von hocherotischen Frauendarstellungen über artifizielle Stillleben, Pflanzenfotografien, reportagehaft anmutende Alltagsdarstellungen und Architekturaufnahmen bis hin zu fast tagebuchartigen Fotografien von sich und seiner früh verstorbenen Frau.

Die aus 28 Diptychen bestehende Arbeit »Tokyo« (1969–1973) bildet die Vorlage für eines der ersten Buchprojekte Arakis und steht am Beginn seiner langjährigen Auseinandersetzung mit dem Leben und dem Stadtraum von Tokio. Gegensätze wie anonym und vertraut, bekleidet und nackt, Innen- und Außenwelt fungieren als subtile Verweise auf die Trennung zwischen öffentlicher und privater Lebenswelt, zwischen Traum und Wirklichkeit.

2004 wurde die Originalvorlage des Buchs Tokyo (1973) mit Unterstützung von PIN. erworben. Die Ausstellung stellt die »Tokyo«-Serie vor, ergänzt durch weitere frühe, experimentelle Fotoserien und Künstlerbücher aus den 1960er- und 1970er-Jahren.

BEGLEITPROGRAMM ZUR AUSSTELLUNG

Begleitend zur Ausstellung »Araki.Tokyo« lädt die Pinakothek der Moderne zu einer Reihe von Veranstaltungen ein. Den Auftakt bildet ein Vortrag über die Umbrüche und konzeptuelle Neuausrichtung der japanischen Fotografie in den späten 1960er- und 1970er-Jahren von Lena Fritsch, Kuratorin für moderne und zeitgenössische Kunst am Ashmolean Museum (Universität Oxford). Matinéen mit den berührenden Filmen »Tôkyô monogatari« (Die Reise nach Tokio, 1953) und »Shônen« (Der Junge, 1969) der Großmeister des japanischen Kinos Yasujirô Ozu und Nagisa Ôshima richten den Blick auf den gesellschaftlichen Wandel der 1950er- und 1960er-Jahre in Japan. »Tôkyô monogatari« ist zugleich der Film, der Nobuyoshi Araki dazu inspirierte, die Stadt Tokio als eine Geschichte zu begreifen und in Hunderttausenden von Bildern über sie zu erzählen. Ein besonderer Abend findet im FUTURO statt, einem Kunststoffhaus des finnischen Architekten Matti Suuronen, das vor dem Eingang zur Pinakothek der Moderne steht: Hier werden unter dem Titel „Schatten der Zeit“ drei Experimentalfilme von Shûji Terayama zu sehen sein, einem der wichtigsten Künstler der japanischen Avantgarde.

07. Dezember 2017 | 18.30
VORTRAG
Lena Fritsch, London/Oxford | Provokativ und Sexy: Vortrag zu japanischen Fotografie der 1970er-Jahre
Ernst von Siemens-Auditorium | Eintritt frei
Ermöglicht mit freundlicher Unterstützung von EY

17. Dezember 2017 | 11.30
FILM
Tôkyô monogatari (Die Reise nach Tokio), 1953, Regie: Yasujirô Ozu, 136 Min., OmdU
Ernst von Siemens-Auditorium | Eintritt frei

11. Januar 2018 und 22. Februar 2018 | 18.30
FILMNACHT IM FUTURO
Schatten der Zeit. Experimentalfilme von Shûji Terayama
Begrenzte Teilnehmerzahl, Eintritt frei
Anmeldung unter programm@pinakothek.de
Dank an Die Neue Sammlung

04. Februar 2018 | 11.30
FILM
Shônen (Der Junge), 1969, Regie: Nagisa Ôshima, 97 Min., OmeU
Ernst von Siemens-Auditorium | Eintritt frei

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Ausstellung: Robert Frank

Albertina, Wien, 25. 10. 2017 – 21. 01. 2018

Robert Franks zwischen 1955 und 1957 aufgenommene Werkgruppe »The Americans« schrieb Fotogeschichte: Während eines Road Trips durch die USA aufgenommen, beleuchtet Frank in grimmigen schwarz-weiß Bildern den »American way of life« der Nachkriegszeit, den er als von Rassismus, Gewalt und Konsumkultur geprägt zeigt. Seine Fotos entsprechen damit nicht dem Selbstbild der USA, das gleichnamige Buch kann zunächst nur in Europa veröffentlicht werden. Mit »The Americans« gelingt Robert Frank eine der einflussreichsten Foto-Arbeiten der Nachkriegszeit, die die Street-Photography nachhaltig erneuerte.

Die Albertina zeigt ausgewählte Werkgruppen, die Robert Franks künstlerischen Werdegang nachzeichnen: Von seinen frühen, auf Reisen in Europa entstandenen Fotografien über »The Americans« bis hin zu seinen späten introspektiven Œuvre werden zentrale Aspekte seines Werks beleuchtet.

RAHMENPROGRAMM ZUR AUSSTELLUNG

Öffentliche Führungen
Samstag, 28. Oktober 2017, 15.30 – 16.30 Uhr
Samstag, 11. November 2017, 15.30 – 16.30 Uhr
Samstag, 18. November 2017, 15.30 – 16.30 Uhr

Kuratorenführung mit Walter Moser
13. Dezember 2017, 17.30 Uhr

Dialogführung mit Walter Moser, Kurator der Ausstellung, Michael Loebenstein, Direktor des Österreichischen Filmmuseums
17. Jänner 2018, 17.30 Uhr

Führungsbeitrag jeweils pro Person: EUR 4 (exkl. Eintritt) | Tickets an der Kassa erhältlich (am Tag der Führung) | Begrenzte TeilnehmerInnenanzahl | Keine Anmeldung möglich | first come, first served | Treffpunkt: Harriet Hartmann Court im Eingangsbereich des Museums | Gruppen ab 10 Personen werden gebeten, eine Gruppenführung zu vereinbaren.

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Ausstellung: Marianne Strobl. »Industrie-Photograph«, 1894-1914

Photoinstitut Bonartes, Wien, 20. 10. 2017 – 26. 01. 2018

Eröffnung: Donnerstag, 19. 10. 2017, 19 Uhr

Marianne Strobl stieg für ihre Auftraggeber in die Kanalisation, kroch in die Ötscherhöhlen und begleitete mit ihrer Kamera über Jahre die Errichtung des Gaswerks Wien-Leopoldau. Sie schuf vielteilige Porträts der Wäschefirma E. Braun und des Nobelhotels Meißl & Schadn. Ihre Beschlagenheit in der »Blitzlicht-Photographie« kam ihr zugute, um Neubauten wie eine mit historistischem Pomp ausstaffierte Semmeringvilla, ein Männerwohnheim oder eine Triester Nervenklinik zu dokumentieren. Strobls Spezialisierung auf Industriefotografie war eine sinnvolle Strategie, um auf dem extrem heftig umkämpften Wiener Markt um 1900 bestehen zu können. Diese selbstbewusste Fotografin, die sich nicht wie viele ihrer BerufskollegInnen im Atelier ›versteckte‹, gilt es wiederzuentdecken.

Kuratorin der Ausstellung: Ulrike Matzer

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Exhibition and Symposium: The Photographic I. Other Pictures

S.M.A.K., Gent, 07. 10. 2017 – 07. 01. 2018

Symposium: 23. 11. – 24. 11. 2017

The Photographic I – Other Pictures comprises work by artists and photographers including Lewis Baltz, Tina Barney, Mohamed Bourouissa, Moyra Davey, Marc De Blieck, Sara Deraedt, Patrick Faigenbaum, Peter Fraser, Alair Gomes, Jitka Hanzlová, Roni Horn, Stephanie Kiwitt, Aglaia Konrad, Jochen Lempert, Zoe Leonard, Jean-Luc Moulène, Zanele Muholi, Jean-Luc Mylayne, Trevor Paglen, Doug Rickard, Torbjørn Rødland, Michael Schmidt, Arne Schmitt, Allan Sekula, Ahlam Shibli, Malick Sidibé, Danayata Singh, Wolfgang Tillmans, Marc Trivier, and Tobias Zielony.

The Photographic I – Other Pictures is the first part of a diptych spread over two years. The exhibition comprises new and existing work by around 20 international artists and photographers ranging from the 1960s to the present.

The selection demonstrates a lively interest in the power of the still image as a means of examining the world. It concentrates on indefinable images with an open view, whose multi-layering requires slow reading.

John Szarkowski once formulated the familiar distinction between photos that act as a window on the world and photos intended to reflect their maker. Other Pictures demonstrates that photographic images can perform both functions at the same time: they focus on the world and they invariably approach their subject in a subjective and sensory manner.

Photographic images not only show the world we live in, but are among its essential building blocks. New ways of producing and distributing images, and technological innovation in the civil and military spheres, make the medium repeatedly evolve in new directions and also seep into current artistic practice. The way photographers and artists handle these recent possibilities and challenges is one of the focal points of this exhibition.

To accompany this presentation, Roma Publications Amsterdam are publishing an exhibition magazine.

Symposium on the 23th and 24th of November 2017

A symposium organised in association with the Thinking Tools research group (KASK Antwerp) is being held on Thursday 23 and Friday 24 November 2017. In a programme comprising lectures, talks by artists and portfolio viewings, national and international speakers present a picture of where photography currently stands in the field of contemporary art. More details will follow.

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Zwei Ausstellungen geben Einblick in Alexander Kluges Œuvre

Pluriversum, Museum Folkwang, Essen, 15. 9. 2017 – 7. 1. 2018

Gärten der Kooperation, Württembergischer Kunstverein Stuttgart, 14. 10. 2017 – 14. 1. 2018

Alexander Kluge versteht sich selbst als Autor. Mit Filmen, Texten, Interviews und vielem mehr inspiriert er seine Leser, Zuhörer und Zuschauer. Anlässlich seines 85. Geburtstags präsentiert das Museum Folkwang eine umfassende Ausstellung, die den Kern seines multimedialen Werkes sichtbar macht. Integraler Bestandteil der Ausstellung ist ein umfangreiches Veranstaltungsprogramm, welches das Zusammendenken im Klugeschen Kosmos performativ erfahrbar macht. Das begleitende Programm ist – wie auch die Ausstellung – in enger Zusammenarbeit mit Alexander Kluge entstanden.

Die Ausstellung Alexander Kluge. Gärten der Kooperation basiert auf der gleichnamigen umfassenden Einzelausstellung des Schriftstellers, Filmemachers und Theoretikers Alexander Kluge, die 2016 im Kunstzentrum La Virreina Centre de la Imatge in Barcelona zu sehen war. In enger Zusammenarbeit mit dem Direktor von La Virreina, Valentín Roma, sowie Alexander Kluge selbst hat der Württembergische Kunstverein eine Neufassung und Erweiterung von sieben Einzelaspekten dieses Projektes entwickelt. Die beiden zentralen inhaltlichen Bezugspunkte der Ausstellung kreisen um die Metapher des Gartens und die Idee des Gemeinsamen – der Kooperation – in Kluges Werk und Arbeitsweisen; sowie um Formen der Emanzipation, die nicht nur Gegenstand seiner theoretischen und künstlerischen Untersuchungen von Geschichte, Gegenwart und Zukunft sind, sondern an denen er unermüdlich selbst beteiligt ist.

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Ausstellung: Willem de Rooij. Whiteout

KW Institute for Contemporary Art, Berlin

14. 9. – 17. 12. 2017

Der niederländische Künstler Willem de Rooij (*1969 in Beverwijk, NL) untersucht die Produktion, Kontextualisierung und Interpretation von Bildern. Seine Praxis umfasst Fotografie, Film, Video,  Skulptur, Tonaufnahmen und Texte. Appropriierte Materialien, wie etwa gefundene Bilder, Objekte, die er kunstgeschichtlichen oder ethnografischen Sammlungen entnimmt, oder Arbeiten anderer Künstlerinnen und Künstler spielen eine bedeutsame Rolle. De Rooijs eigene Arbeiten nehmen die Form von Installationen oder vorübergehenden Zusammenstellungen an, die physische und kontextuelle Eigenschaften des Raumes reflektieren, den sie besetzen. De Rooij ist seit 2006 Professor an der Städelschule in Frankfurt am Main. Im Jahr 2015 hat er zusammen mit Angela Bulloch und Simon Denny das BPA // Berlin Program for Artists gegründet und ist seit 2016 Visiting Advisor an der Rijksakademie in Amsterdam.

Diesen Herbst präsentieren die KW Institute for Contemporary Art Whiteout – eine Auswahl aus Willem de Rooijs Produktion der vergangenen zwanzig Jahre. Die Ausstellung verbindet jüngere Arbeiten mit zentralen Werken, die in seiner Zusammenarbeit mit Jeroen de Rijke (1970–2006) unter dem Namen de Rijke/de Rooij von 1994 bis 2006 entstanden sind.

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Ausstellung: Tobias Zielony. Haus der Jugend

Von der Heydt-Kunsthalle, Wuppertal, 10. 9. 2017 – 14. 1. 2018

Der Fotograf und Filmemacher Tobias Zielony (geb. 1973) war einer von fünf Künstlern, die 2015 im Deutschen Pavillon auf der Biennale in Venedig ausstellten. Mit seinen Fotoarbeiten, die zwischen Dokumentar- und Kunstfotografie anzusiedeln sind, gilt er als ein Nachfolger von Größen der Fotografie wie Larry Clark, Nan Goldin und Wolfgang Tillmans.

Zielony fotografiert an den Orten, die in der kollektiven Wahrnehmung unserer Gesellschaft lieber gemieden werden. Oft sind es Jugendliche und junge Erwachsene, die aus diesem Umfeld heraustreten und öffentlich sichtbar werden, die mit ihrem Ringen um Selbstbewusstsein und Identität die Konfrontation suchen. Diese Menschen begleitet Zielony und fotografiert sie, so etwa Jugendliche am Stadtrand von Bristol, in einer Plattenbausiedlung in Halle, in Chemnitz, in Marseille und Rom oder in dem unwirklichen Ort Trona vor Los Angeles. Funktionslos gewordene Orte bekommen in diesen Bildern als Bühne und Schauplatz einen neuen Charakter.

Die Ausstellung in der Von der Heydt-Kunsthalle legt den Fokus auf ganz aktuelle Arbeiten Zielonys. Erstmalig wird eine Serie von Aufnahmen zu sehen sein, die Zielony 2016/2017 in der Ukraine gemacht hat. Diese neuen Arbeiten mit dem Titel »Maskirovka« beschäftigen sich mit der Techno- und queeren Szene in Kiew im Nachklang der Revolution von 2013. Der Begriff »Maskirovka« steht für eine russische Tradition der verdeckten Kriegsführung und militärischen Täuschung. Masken spielen in der Ukraine der Gegenwart eine wichtige Rolle: Gasmasken auf dem Maidan, vermummte Spezialeinheiten auf der Krim, in der Technoszene und beim Spiel sexueller Identitäten. Die jüngsten politischen Entwicklungen sowie die Einmischung der Russen in die inneren Angelegenheiten der Ukraine können als traurige Travestie gesehen werden, bei der alles möglich ist, aber nichts wirklich zu sein scheint. Alle Ebenen des Lebens verschmelzen in einem Zustand, in dem es kein Richtig oder Falsch mehr gibt.

Neben den Fotografien zeigt Zielony auch eine Stop-Motion-Animation mit Bildern, die er in der Ukraine aufgenommen hat, und er arbeitet an Texten, die aus Interviews mit Protagonistinnen der Revolution stammen. Die Ausstellung in der Von der Heydt-Kunsthalle gibt außerdem erstmalig einen Einblick in Tobias Zielonys Archiv mit Fotografien von Jugendlichen aus den Jahren 1997 bis 2005. Einige davon sind in Wuppertal entstanden, andere in Berlin, Köln, Halle, Leipzig und anderen ostdeutschen Städten.

Die Bilder sind uns räumlich und zeitlich zu nah, um sie zu historisieren. Vielmehr beschreiben sie einen Zustand, in dem die dramatischen Ereignisse der zurückliegenden 20 Jahre als zukünftige Möglichkeiten aufscheinen, aber noch nichts entschieden ist. Man könnte von einem »vorbewussten« Zustand sprechen, der auch Zielonys künstlerische Entwicklung und seine konzeptuelle Auseinandersetzung mit den Begriffen von Jugend und Jugendkultur einschließt.

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Fotodoks – Festival für aktuelle Dokumentarfotografie

Lothringer13 Halle, München, 11. – 15. 10. 2017

Thema: ME:WE

Gastland: USA

Die Ausstellung ME:WE wird am 11. Oktober 2017 im städtischen Kunstraum Lothringer13 Halle eröffnet und ist der Auftakt für intensive Festivaltage mit Diskussionen, Vorträgen, Screenings und Workshops.

Teilnehmende FotografInnen:

Endia Beal (US)

Michael Danner (DE)

Tim Davis (US)

Thomas Dworzak (DE)

Annie Flanagan (US)

Gregory Halpern (US)

Paul Kranzler (AT)

Kristin Loschert (DE)

Mike Mandel and Chantal Zakari (US)

Harris Mizrahi (US)

Stefanie Moshammer (AT)

Andrea Ellen Reed (US)

Richard Renaldi (US)

Ruddy Roye (US)

Lisa Riordan Seville and Zara Katz (US)

Sofia Valiente (US)

Christina Werner (AT)

Mit dem Thema ME:WE beleuchtet FOTODOKS 2017 im Dialog mit dem Gastland USA das Spannungsverhältnis zwischen Individuellem und Kollektivem. Dokumentarfotografische Positionen zeigen, wie soziale Gemeinschaften durch äußere Einflüsse, wie Politik oder Konflikte geformt werden und Möglichkeiten einer hoffnungsvollen Verbindung schaffen. Der Blick wird darauf gelenkt, was Menschen verbindet oder trennt, auf Opposition, Vielfalt und Solidarität und auf die darin enthaltene Suche nach Motiven, die Zuschreibungen und Identitäten in einer komplexen Zeit definieren. Virtuelle Teilhabe wird kritisch betrachtet und Einflüsse von Nationalismus auf Gesellschaft und Medien gezeigt. Ebenso wird die persönliche Handlungsweise von FotografInnen thematisiert und welche Rolle ihnen im sozialen Miteinander zukommen kann. Die Themen der ausgewählten FotografInnen erzählen von der Suche nach Sicherheit und Liebe, beschreiben Ausnahmezustände, analysieren politisches Engagement und Positionen, beobachten Grenzen und Überschreitungen und nicht zuletzt nutzen sie das Medium Fotografie als Flucht nach Vorne – ME:WE beschreibt eine Bewegung, einen dynamischen Prozess. Fotodoks ist ein internationales und anspruchsvolles Festival, bei dem in lebendiger und persönlicher Atmosphäre über aktuelle Dokumentarfotografie reflektiert und diskutiert wird. Den Blick auf ein jeweils anderes Partnerland und Festivalthema gerichtet, versteht sich Fotodoks als unabhängiges Forum, das biennal in München stattfindet und das sich seit 2008 als größtes Festival für Dokumentarfotografie im deutschsprachigen Raum etabliert hat.

2017 präsentiert sich Fotodoks in einem Raum für zeitgenössische Kunst: in der Lothringer13 Halle & Rroom sind die umfangreiche Gruppenausstellung, die Veranstaltungen des Rahmenprogramms und ein Café mit Fotobüchern zum schmökern an einem Ort versammelt.

ABOUT US

Erstmals bei Fotodoks speiste sich der Pool an 150 diskutierten Projekten – und somit auch die von der Jury ausgewählten 19 FotografInnen – aus den Vorschlägen renommierter NominatorInnen, denen unser Dank für deren Kooperation gilt.

Mit Michaela Obermair aus Wien, Sabine Schwarzenböck aus München und Lene Harbo Pedersen aus Kopenhagen ist das Fotodoks-Headquarter 2017 auf schönste Weise erweitert und noch internationaler geworden. 

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Screening: Tatiana Lecomte. Hors-Champ

mumok, Wien, 11. Oktober 2017, 19:00

Tatiana Lecomte zeigt eine Auswahl von Filmen, die sie maßgeblich beeindruckt bzw. beeinflusst haben, und stellt diese ihrer Arbeit Ein mörderischer Lärm gegenüber. Ausgangspunkt von Lecomtes Film sind die Erlebnisse des Franzosen Jean-Jacques Boijentin (1920–2015) im KZ Gusen II in St. Georgen an der Gusen (östlich von Linz), einem Nebenlager des KZ Mauthausen. Die Häftlinge wurden dort beim Bau einer geheimen unterirdischen Fabrik zur Herstellung von Düsenjagdflugzeugen eingesetzt. Die Zustände im Lager waren unmenschlich, noch schlimmer die Arbeitsbedingungen unter Tage. Der titelgebende Begriff des Hors-champ bezieht sich hier auf den Raum, den wir im Film nicht tatsächlich sehen, aber imaginieren können; eine Fehlstelle, die wir durch Erfahrung und Wissen automatisch vervollständigen.

Hannes Böck, Fünf Skulpturen aus den ägyptischen Heiligtümern im Museo del Sannio, Benevento: n. 252 Hockender Pavian, Diorit; n. 253 Falke, Amphibolit; n. 255 Falke, Gabbro; n. 256 Hockender Pavian, Diorit; n. 280 Apis-Stier, Diorit, 2013, 9 min
Tatiana Lecomte, Ein mörderischer Lärm, 2015, 21 min
Morgan Fisher, Production Stills, 1970, 11 min
Rainer Wölzl, Die Linke, 2009, 3 min
Hans Schabus, Atelier, 2010, 8 min
James Benning & Bette Gordon, The United States of America, 1975, 27 min

Anschließend Gespräch mit Tatiana Lecomte und Maren Lübbke-Tidow

Tatiana Lecomte lebt in Wien. Ausstellungen (Auswahl): Nach einer wahren Begebenheit, Galerie Marenzi, Leibnitz (2017); Tselem ve-Tsilum, Museum Judenplatz, Jüdisches Museum Wien (2013); Šejla Kameric, Tatiana Lecomte, Camera Austria, Graz (2011).

Maren Lübbke-Tidow arbeitet zu Fotografie und visueller Kunst. Sie schreibt für diverse internationale Zeitschriften, Bücher, Kataloge sowie für Künstler_innen und kuratiert Ausstellungen in unterschiedlichen institutionellen Kontexten, unter anderem für Camera Austria (Graz).

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Tagung: War of Pictures 1945 – 1955. Pressefotografie und Bildkultur im befreiten/besetzten Österreich

4. – 6. Oktober 2017, Universität Wien

Tagung des Institutes für Publizistik- und Kommunikationswissenschaft in Kooperation mit dem
Institut für Zeitgeschichte der Universität Wien
Konzept und Organisation: Marion Krammer, Margarethe Szeless

 

Mittwoch, 4.10.:

18:00 -19:00 Vortrag
Gerhard Paul: War of Pictures. Eine Visual History des Krieges

 

Donnerstag, 5.10.:

09:15 -10:00
Oliver Rathkolb & Fritz Hausjell: Begrüßung
Marion Krammer & Margarethe Szeless: Einführung

10:00-11:00
Panel I – Fotojournalismus nach 1945
Moderation: Anton Holzer
Anette Vowinckel: Produktion, Distribution und Zirkulation von Pressebildern
Silke Betscher: Der Kalte Krieg in den deutschen Nachkriegsillustrierten

11:00- 11:30 Kaffeepause

11:30 -13:00
Panel I – Fotojournalismus nach 1945
Moderation: Anton Holzer
Margarethe Szeless/Marion Krammer: Der US-amerikanische Bilderdienst als Motor der österreichischen Pressefotografie
Nadya Bair: Magnum Photos’ European Networks, 1947-1955
Karin Berger: Die Wiener Illustrierte

13:00 – 14:15 Mittagspause

14:15 – 16:00

Panel II Die viel gezeigten und die nicht gezeigten Bilder
Moderation: Oliver Rathkolb
Marion Krammer: Bildikonen nach 1945 revisited
Ina Markova: Was nicht gezeigt wurde. Nationalsozialismus und Holocaust in der illustrierten Presse nach 1945
Margarethe Szeless: War of Pictures. Bildpropaganda im besetzten/befreiten Österreich.
Carmen Hartl: Mythos Trümmerfrauen

16:00– 16:30 Kaffeepause

16:30 – 17:30 Podiumsdiskussion – Das Geschäft mit dem historischen Bild

Wie wird mit historischen Bildern Geschäft gemacht? Welche Bildarchive und Bildagenturen gibt es am österreichischen Medienmarkt? Woher bekommen JournalistInnen ihre Bildquellen? Wie sieht die konkrete Arbeit von Bildagenturen und von JournalistInnen aus? Sind Bilder Illustration für Geschichten oder auch deren Ausgangspunkt?

(Teilnehmende angefragt)

Kleiner Empfang

 

Freitag, 6.10.:

09:30 – 11:00
Panel III – Pressefotografien als historische Quelle
Moderation: Monika Faber

Anton Holzer: Fotojournalismus Revisited. Neue Ansätze in der Foto- und Mediengeschichte
Hans Petschar: Das USIS Archiv und der Marshall Plan
Jens Jäger: Visual History. Fotografien als historische Quelle

11:00-11:30 Kaffeepause

11:30 – 13:00 Panel IV – Rasender Stillstand oder Stunde Null. Biografien und Karrieren österreichischer PressefotografInnen
Marion Krammer: Moderation+ Einleitung
Caroline Schenk: Franz Fremuth
Saskia Etschmaier: Albert Hilscher
Antonia Hauenschild: Ferdinand Schreiber
Alexandra Unsinn: Herbert Kofler

13:00 – 14:00 Mittagspause

14:00 – 15:00
Podiumsdiskussion – Das Berufsbild Pressefotograf/in heute
Wie hat sich das Berufsbild des/der Pressefotografen/in seit 1945 gewandelt? Welche Herausforderungen ergeben sich durch Internet und soziale Medien? Wie funktionierte die Inszenierung von Politik früher und wie funktioniert sie heute? Fritz Hausjell im Gespräch mit Franz Goess, Fotograf ab 1955 für „Paris Match“ Petra Bernhardt, Politikwissenschafterin mit Schwerpunkt Politische Ikonografie Kristian Bisutti, nach 1955 Fotograf für „Die Presse“ (angefragt) PressefotografIn

 

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Heftpräsentation: EIKON #99 mit Fokus »On Publishing Photography« in Kooperation mit Camera Austria International

Wann: 5.9.2017, 19:00 Uhr
Wo: EIKON Schaufenster, Q21 im MuseumsQuartier Wien / Schauräume, Museumsplatz 1, 1070 Wien

Als Auftakt in den Kunstherbst erscheint die dritte EIKON-Ausgabe des Jahres mit Hauptbeiträgen zu Jürgen Klauke, Jaakko Kahilaniemi, Elisabeth Czihak und Karin Fisslthaler sowie einem ausführlichen Interview mit Gerald Bast und Patrick Werkner anlässlich 150 Jahre Universität für angewandte Kunst Wien.

Im Fokus: On Publishing Photography befasst sich – auch in Ausblick auf die im November erscheinende 100. Heftausgabe von EIKON – mit der Frage, weshalb zeitgenössische Fotomagazine in Zeiten der Digitalisierung und Kommerzialisierung weiterhin an der Printproduktion festhalten und welche programmatischen Strategien sie verfolgen. Hierfür lud EIKON gemeinsam mit Camera Austria International ausgewählte internationale Fotografiemagazine ein, sich und ihre Ideen zu präsentieren und den LeserInnen auch einen Blick hinter die Kulissen zu erlauben.

Neben Besprechungen, z.B. der Einzelausstellung von Shirin Neshat in der Kunsthalle Tübingen und der Themenausstellung „How To Live Together“ in der Kunsthalle Wien, sowie Rezensionen zu neuen Publikationen, finden Sie wie gewohnt auch in dieser Ausgabe aktuelle Meldungen, Ausschreibungen und Ausstellungsempfehlungen.

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