MARTIN PRINZHORN

Kaucyila Brooke: Grenzen

Die Künstlerin Kaucyila Brooke verwendet das Medium Fotografie in ihrer Arbeit auf eine sehr vielfältige Art und Weise. Auf einer formalen Ebene spannt sich ein Bogen von knalligen, kontrastreichen Collagen bis hin zu ruhigen Abbildungen einer abgebrannten kalifornischen Landschaft oder zu schwarzweißen Close-Ups von Körperteilen. Auch inhaltlich ist ihr Werk nicht so einfach einzuordnen: Den mit Text und Bedeutung beladenen Montagen von „Tit for Twat“ stehen eine ganze Reihe von Arbeiten gegenüber, in denen Auslassungen oder Leerräume repräsentiert sind und es somit um Thematiken geht, die über das Bild hinaus rekonstruiert werden müssen und so eine Art von Wahrnehmung evozieren, die wir üblicherweise nicht mit dem Medium verbinden. Das künstlerische Verfahren ist nicht an eine bestimmte Thematik gekoppelt und es entsteht ein Mix aus Techniken und Inhalten wie Sexualität, Körper, Raum, Display, politische Kunst, Konzeptkunst, Tafelbild, Collage oder Dokumentation, der für die Künstlerin eine sehr flexible und dynamische Sprache zulässt. Gerade in einer Zeit, in der das Lagerdenken wieder auftaucht und damit die Unterscheidung von inhaltlich-konzeptuellen Ansätzen und solchen, die sich beinahe ausschließlich auf formalästhetische Kriterien berufen, ist die Diversität in der Arbeit von Brooke als ein klares Statement gegen derartige Grenzziehungen zu lesen. In ihrer Arbeit ist immer eine antireduktionistische Attitüde sichtbar, die dem Wunsch zu entsprechen scheint, Widersprüchlichkeiten auf allen Ebenen transportieren zu können und sich vor allem nicht festlegen zu müssen, eine Ebene als Ausgangspunkt zu definieren.

Textbeitrag in Camera Austria International 86/2004, S. 7–16.

ANNE BERTRAND

Melik Ohanian: Zwischenbilder (Genau hier leben wir)

Nicolas Bourriaud hat dem Künstler kürzlich einen langen Artikel gewidmet, in dem er zu Recht feststellt, sein Werk könne „als Reaktion des Individuums auf eine Gruppe gesehen werden, als zeitgenössische Replik auf diese fernen Geschichten, gleich der „Replik“ des Erdbebens, das den ursprünglichen Stoß wiederholt, ohne mit ihm zu verschmelzen und ohne es in derselben Größe zu reproduzieren. „Die Arbeiten“ sind Stoßwellen. Die Individuen oder Gruppen, die Ohanians Arbeiten bevölkern, sind durch die „Repliken“ definiert, die sie an ihre eigene Geschichte richten. Für Ohanian existiert das Sein nur in Gegenwart eines Anderen, der ihm Körper und Leben verleiht.“ Die „Selected Recordings“ sind nur selten von Menschen bevölkert. Auf einigen davon sind zwar eine oder mehrere Figuren zu sehen, aber bisher hat uns erst eines („SR 028“) mit der massiven Präsenz des Kopfes und der Brust eines Mannes konfrontiert, dessen Ausdruck unlesbar ist. Döst er, ist er verwundet, oder einfach nur in Gedanken versunken? Er wirkt paradox abwesend.
Jean-Christophe Royoux unterscheidet zwei „Typen von Aussagen“ im Werk Ohanians: „einen härteren, stärker mit der sozialen Wirklichkeit verbundenen Ansatz und einen eher meditativen, kontemplativen Ansatz, der sich bei alternativen, unbewohnten, galaktischen Welten aufhält, Referenzräumen, die das Maß aller Dinge bilden und in denen die elementare Vielfalt der Welt koexistieren kann – die Erde, das Meer, die Planeten, der Himmel.“ In gewisser Weise ist der eine das Gegenstück des anderen. Und doch könnte man sagen, dass das, was sie verbindet, manchmal komplexer ist, dass gewisse Landschaften auch etwas Politisches zum Ausdruck bringen, manche urbanen Gegenden zum Beispiel, die verlassen oder nur vorübergehend flüchtig bewohnt sind. Der Künstler „hat sich entschlossen, nicht zu erzählen“, und so sei es. Aber in dieser Serie hat er sich – zumindest bisher – auch entschlossen, kein Bild von denen zu machen, denen er begegnet ist, und die Bewohner der Welten, die er ins Bild setzt, zu verbergen und zu schützen. Die „Selected Recordings“ haben also eine ganz besondere Ökonomie: Als Repliken des Künstlers auf das Universum, das er durchmessen hat, verlangen diese stummen Bilder auch eine Reaktion derer, die sie betrachten. Und sie wollen als das genommen werden, was sie sind – Mittler, dank deren wir, wenn wir wollen, sagen können: „Genau hier leben wir.“

Textbeitrag in Camera Austria International 86/2004, S. 17–28.

MATTHIAS HERRMANN

Ein Gespräch mit Monica Bonvicini / Sam Durant

Matthias Hermann: Ihr verwendet beide höchst elaborierte Titel in eurer Arbeit. Eine Zeitlang war es absolut uncool, überhaupt Titel zu verwenden, alle Arbeiten waren ohne Titel. Mir scheint, mit einem Titel macht man sich viel verletzbarer.

Sam Durant: (lacht) Oh ja.

Monica Bonvicini: Man ist immer, wenn man etwas zeigt, verletzbar, weil in dem, was man macht, so viel von einem selbst steckt. Es ist schwer, einen klaren Trennstrich zwischen der Arbeit und der dahinter stehenden Person zu ziehen. Vor vielen Jahren liebte ich pathetische Titel, die ich mit sehr viel Ironie verstanden haben wollte, aber die Ironie kam beim Publikum nicht an, was für mich vollkommen okay ist. Einmal hatte ich einen deutschen Titel, der für mich nichts als ein Witz war. Er enthielt das Wort „Wahrheit“, was dazu führte, dass man mich allen Ernstes nach dieser Wahrheit fragte, dabei finde ich, dass man Wörter wie „Wahrheit“ oder „Liebe“ gar nicht unironisch verwenden kann. Man macht sich zwar als Künstler verletzbar, gleichzeitig macht man aber auch das Publikum verletzbar, indem man sein Verständnis in Frage stellt.

Matthias Hermann: Warum habt ihr das Wort Angst als Ausgangspunkt für die Videoarbeit gewählt? Handelt es sich dabei um die deutsche Angst oder die englische Angst?

Monica Bonvicini: Im amerikanischen Englisch ist Angst ein durch und durch institutionalisiertes Wort; es heißt natürlich etwas anderes als fear, hat aber doch eine sehr ähnliche Bedeutung. Es ist auch mit dem Deutschen verbunden, mit Heidegger und Wittgenstein, dieser Art deutschen Denkens? Das Video handelt vom Kunstmachen, vom Schaffen oder Erstellen eines Werks.

Sam Durant: In Amerika ist angst eine Art Klischee, es hat diese Obertöne einer existenziellen Krise. Viele dieser Assoziationen verweisen direkt auf Wien, auf Freud usw. Gibt es denn ein besseres Wort als so ein Klischee, das auf all diese Dinge verweist, die eine vollkommen falsche Interpretation des Wortes sind? Es ist fast ein Slangwort mit seiner eigenen Bedeutung, aber wenn man es auseinander nimmt, es wirklich analysiert, ist es sehr interessant. Auch hier gibt es einen ironischen Aspekt, ich würde aber nicht sagen, dass der Betrachter ein ironisches Verständnis haben muss. Ich halte es für witzig, für mich ist das Video wirklich witzig.

Matthias Hermann: Ihr zerstört Angst und baut daraus Fear?

Sam Durant: Genau. Aus den Trümmern der Angst.

Textbeitrag in Camera Austria International 86/2004, S 29–39.

KAUCYILA BROOKE

Chicken in the Ruff, Begehbare Schränke, Nevadapuff

Ich hätte nicht gedacht, dass ich jemals wieder mit jemand einen Campingurlaub machen würde, den ich so gut kenne wie dich. Ich bin wieder Single und ohne Aussicht auf einen Urlaub gemeinsam mit einer Freundin. Ich arbeite und gehe auf Geschäftsreisen, und für eine Weile ist das auch okay, aber jetzt ist es Zeit für eine längere Autotour. Meine Freundinnen sind ausgesprochen urbane Typen und haben keine Lust, auf dem Erdboden zu schlafen. Endlich hab ich eine Freundin überredet, mit mir campen zu gehen, aber zum Schluss sagt sie dann doch: „Ich geh gern wandern und bin auch gern im Freien, aber ich versteh einfach nicht, weshalb wir nicht in einem Motel schlafen sollen, wo wir am Morgen duschen können?“
Wir haben uns lange Zeit nicht gesehen. Du hast ein gebrochenes Herz und bist dabei, es wieder zusammenzuflicken. Wir entschließen uns zu einer Abenteuerreise durch Kalifornien, Nevada und Utah. Was mich verblüfft, ist, dass es nach zwanzig Jahren so leicht ist, wieder nebeneinander im Auto zu sitzen und in einem kleinen Zweimannzelt auf einer Luftmatratze nebeneinander zu liegen. An der Grenze zwischen Kalifornien und Nevada lassen wir unsere Blicke Meile um Meile über die eintönige, graubraune Landschaft schweifen, in der Straßenschilder und Telefonleitungen die einzige Abwechslung bilden. Fünf Tage lang haben wir nun die Erlebnisse der letzten zwanzig Jahren ausgetauscht, jetzt sind wir still.

Textbeitrag in Camera Austria International 86/2004, S. 48–52.