Aktuelles
The Kids Want Communism
February 25, 2016–January 21, 2017
The Kids Want Communism is a joint project of numerous individuals and organizations, which will host its exhibitions, screenings, discussions, seminars and publications in a variety of locations; among them tranzit, Prague, Free/Slow University Warsaw, State of Concept, Athens, Skuc gallery, Ljubljana, Visual Culture Research Center, Kyiv and MoBY-Museums of Bat Yam. During the year of 2016, MoBY-Museums of Bat Yam will dedicate its program to this yearly theme.
Opening: February 25, 8–11pm; free and open to the public
MoBY-Museums of Bat Yam
6 Struma Street
Bat Yam, Israel
Featuring: Artikisler, BANKI (Young Communist League of Israel), Keti Chukhrov, Ekaterina Degot, Galit Eilat, Max Epstein, Iliana Fokianaki, Tal Gafny, Jonathan Gold, Alioscha Gozansky, Marina Grzinic, Nir Harel, Raanan Harlap, Micah Hesse, Vit Havranek, Yota Ioannidou, Nikita Kadan, Ohad Meromi, Julia Moritz, New Barbizon (Anna Lukashevsky, Zoya Cherkassky, Olga Kundida, Asia Lukin and Natalia Zourabova), Olaf Nicolai, Ingo Niermann, Tamar Nissim, Oleksiy Radynski, Gilad Reich, Eran Sebbag, Joshua Simon, Kuba Szreder, Kostis Velonis, Vladimir Vidmar, Vangelis Vlahos, Nicole Wermers, Noa Yafe
Spectres are haunting Earth – the spectres of anti-communism. From Wahhabism to neoliberalism, overproduction to debt, the disastrous ‘war on terror’ to the genocide of the welfare state, and from game theory to the internet – these are all anti-communist projects that came back to haunt us. In this apocalyptic climate, where CO2, ISIS and HFT (High Frequency Trading) stand for the self-annihilation of this civilization on a cultural, economic, political and biological level, we propose The Kids Want Communism. This ongoing clandestine and public series of events marks ninety-nine years to the October Revolution.
“Communism” might sound like an irrelevant term for many people today, but more than any other word in our political vocabulary, communism is the radical negation of the current regime which celebrates exploitation and inequality. It is a cosmos that was devoured by the black hole that is 1989-1991. This cosmos includes many communisms; an epic reestablishment of property-free communities, communal indigenous societies, real-existing socialism with its achievements and crimes, the long history of anti-Fascist resistance, egalitarian mysticism, the dialectic abolition of capitalism through its internal dynamics, the uncharted, un-exploitable pockets of resistance that cannot be appropriated by capitalism, the already present humane solidarity and camaraderie shared by people everywhere and the political proposal of the emotion called ‘love’. It is a hypothesis of universal emancipation, an actuality to be revived.
The Kids Want Communism operates as a constellation of moments and movements, inviting histories and practices, gestures and ideas. It seems fitting to recall Chris Marker’s closing statement from “The Last Bolshevik,” his profile of Soviet film director Aleksandr Medvedkin, here. Marker comments about how the great Soviet filmmakers are regarded as dinosaurs today, and then adds: “but look what happened to the dinosaurs. Kids love them.”
The Kids Want Communism is organized by Iliana Fokianaki, Vladimir Vidmar, Oleksiy Radynski, Vit Havranek, Kuba Szreder and Joshua Simon.
The Lewis Baltz Research Fund / Inaugural recipients: Alessandro Laita and Chiaralice Rizzi
The Lewis Baltz Research Fund has been established to honor the vision and memory of the American artist Lewis Baltz. The fund involves the annual grant of a substantial fund to support the creation, completion and dissemination of a project in any artistic medium, encompassing, but not limited to, anything from academic research to book publication, performance or installation art, video or film production to experimental digital work. The intention is to support projects reflecting the intellectual rigor of Lewis Baltz’s conceptual practice which also succeeded in propounding a significant connection to social and political issues. The recipient will be selected by the Lewis Baltz Research Fund Committee, composed of Mark McCain, art fiend, Theresa Luisotti and Thomas Zander, gallerists, Slavica Perkovic, artist, Michael Mack, publisher and Diane Dufour, director of LE BAL. Operated by LE BAL, The Lewis Baltz Research Fund has been created by the generous support of the Artworkers Retirement Society.
The first Lewis Baltz Research Fund has been awarded to two young Italian artists, Alessandro Laita and Chiaralice Rizzi for their book project Live in the house and it will not fall down. The book is built out of an archive of images collected over four decades by the Venetian artist Bruno Rizzi, who died in 2004. In 2010, Alessandro Laita and Chiaralice Rizzi found the collection and began to work on a project to explore its poetic potential. Live in the house and it will not fall down is a gallery of fragments, a collection of memories, the story of one and more people, of a house, of a city. The two artists ‘intervene in the delicate geology that underlies such piles of papers sedimented over the years, undo the precise historical map created by the thin veils of dust covering the objects and interrupt the flow of that low-intensity energy which is generated by localized memory.’ (Antonello Frongia)
Chiaralice Rizzi (1982) and Alessandro Laita (1979) studied Visual Arts at the Istituto Universitario di Architettura in Venice. Between 2010 and 2015, they worked as teaching assistants to Lewis Baltz and Adrian Paci. Their artistic practice develops around the thematic of landscape, memory and representation. Lewis Baltz participated in editing their project Live in the house and it will not fall down.
About the Lewis Baltz Research Fund
Lewis Baltz hated mausoleums, fatuous celebrations, and meaningless, if spectacular, gestures. But he was very supportive of young, talented artists. He was also highly sensitive to the fact that the creation of any real art form is sustained by the sharp and thorough vision of the world we live in —“Using facts, to create fictions, that reveal truths,” as he used to say. Helping young artists to keep alive and to challenge Lewis’s vision and concerns is what we are aiming to achieve with this fund.
About Lewis Baltz
Lewis Baltz was born in Newport, California. At the end of the 60s he began to use photography to describe a world that was increasingly mass produced and impersonal. His images of American industrial parks and urban sprawl became landmarks of postwar art, mixing documentary with the strategies of conceptualism. Moving to Europe at the end of the 80s, Baltz responded to the new globalized world of electronic data, corporate architecture and precarious labor, expanding his approach to include video, image/text and installations. Lewis Baltz held various teaching positions and professorships and his works have been featured in numerous international solo and group exhibitions, including New Topographics at George Eastman House 1975, the 1977 Biennial Exhibition, Whitney Musuem of American Art, in New York, the PS1 Museum, in New York in 1991, the Art Institute of Chicago in 2010, the National Gallery of Art in Washington DC in 2011, the Kunstmuseum Bonn and the Kestnergesellschaft Hannover in Germany in 2012, the Albertina in Vienna in 2013 and at LE BAL in Paris in 2014. Two exhibitions will be dedicated to the artist, at the MAPFRE in Spain in 2016, and the Grand-Hornu in 2017 in Belgium.
Future Vocabularies / Instituting Otherwise / Unstated (or, Living Without Approval)
New World Summit: Stateless Democracy
Utrecht University, Academiegebouw (Aula)
29.–31.01.2016
Reading Anarchism
Nicoline van Harskamp with invited readers
17.02., 24.02., and 16.03.2016, 17.00–19.00 hrs
Here We Are Academy: Learning from the Forum
We Are Here with Campus in Camps
05.–09.04.2016, 12.00–18.00 hrs
Instituting for the Contemporary
Public editorial meetings
11.04., 18.04., 25.04.2016
Universal Anthem
Performance by Société Réaliste
Centraal Museum, Utrecht
01.05.2016
International Photography Prize 2016
Exhibition of the winner of the International Photography Prize 2016.
6 March – 8 May, 2016
The International Photography Prize will be awarded every two years to a living photographer of renowned fame, whose artistic research has made a significant contribution to the development of the culture of contemporary imagery and its multiple declinations.
In this first edition, dedicated to “Identity”, the jury was made up of Christine Frisinghelli (founder of Camera Austria), Shinji Kohmoto (founder of the Parasophia Festival in Kyoto), Simon Njami (co-founder of Revue Noir), Thyago Nogueira (head of the Photography department at the Instituto Moreira Salles, Brazil) and Filippo Maggia (director of the Fondazione Fotografia in Modena).
The six finalists of the International Photography Prize 2016 are:
Claudia Andujar (1931, Neuchâtel, Switzerland), a Swiss artist, Brazilian by adoption, who has dedicated her entire life to documenting and providing visibility to the Yanomami community, a population that lives in the heart of Amazonia. Sidestepping a merely anthropological approach, the artist has managed to grasp the richness and profound spirituality in the lives of these people, making her work available for the promotion of this important cause for the recognition and defence of their community.
Rineke Dijkstra (1959, Sittard, the Netherlands), for her fundamental contribution to the debate on identity, a theme which the Dutch artist has studied through various generations, from the world of childhood to that of adults, from the private and intimate dimension of the home to the discotheque, and from still imagery to video. Over more than 15 years, her work has achieved classic status in portrait photography and today constitutes a fundamental point of reference for anyone approaching this genre.
Jim Goldberg (1953, New Haven, USA), for his pioneering approach with which he has declined documentary photography and for the major contribution made to the construction of a social history of photography. Goldberg has always placed the relationship between the photographer and his subject centre stage, limiting the authorship of the artist and involving the subject directly in the production of the works with texts, comments and selfies, shifting from personal friendships and his family to social situations, dealing with both marginalised groups and hot social issues.
Santu Mofokeng (1956, Johannesburg, South Africa), for his tireless commitment to portraying the reality of his country, recounting everyday life from the era of Apartheid right up to the present day. Dealing with a range of different themes and drawing on various approaches to photography itself, he has maintained the issue of black identity and integration between various communities as a key focus point of all his work, thereby creating an extremely coherent corpus of works, a fine example of the capacity of images to serve as visual narratives.
Yasumasa Morimura (1951, Osaka, Japan), a leading figure in international art who ever since the 1990s has placed the theme of identity at the heart of his research, revisiting the key faces and icons of the 20th century, from the history of art through to Pop culture. The transformism with which he interprets and restages the cult images of the last century in his self-portraits says a lot about our relationship with history and the link between East and West.
Zanele Muholi (1972, Durban, South Africa), a young South African activist and artist who has made her work a spearhead for the establishment and defence of the rights of the black homosexual community, both in her own country and beyond. For Muholi photography and the issue of identity have an extremely political value: over the years she has put together an archive of portraits designed to map and maintain the visual history of her community, serving as a testimony for future generations.
The winner will be announced on the opening of the exhibition on Sunday 6th March 2016, at the Foro Boario in Modena.
“The International Photography Prize does not set out so much to celebrate artists,” explains Filippo Maggia, director of the Fondazione Fotografia Modena and head of the jury for the Prize, “as to insist on the importance of the language of contemporary imagery and therefore on the research which, every two years, best corresponds to the theme in question.” In this first edition, the name of the winner has been very hotly debated: “On one hand, we have artists who are very well known on an international level, widely appreciated and well established – Rineke Dijkstra and Yasumasa Morimura, for example – while on the other, we have artists who have spent their whole lives supporting major causes, like Claudia Andujar, with her 40 years of work among the Yanomami in Amazonia, or Zanele Muholi and her commitment to defending gender rights in South Africa; lastly, artists who had every right to emerge in other fields, and who by contaminating photography with practices from other disciplines – like Jim Goldberg – or having always remained independent from the arts system – like Santu Mofokeng – stand here as outsiders. This was the starting point for our discussion”. Maggia continues: “We all felt a great responsibility to identify a winner who not only reflected the given theme but who might also give a strong indication of what this Prize aims to become over the years: not just another prize like many others, but an example of quality. We have never really shared the notion of the ‘career achievement award’.”
http://www.fondazionefotografia.org/
Foro Boario Modena, Via Bono da Nonantola, 2
Wednesday – Friday 3 pm – 7 pm, Saturday – Sunday 11 am – 7 pm, admission € 5,00 / free on Wednesday
Utopian Pulse – Flares in the Darkroom
16 January 2016 – 22 January 2017
MOCAK – Museum of Contemporary Art, Krakow, façade of Building B
“Utopian Pulse – Flares in the Darkroom” is a project by Ines Doujak and Oliver Ressler that has been executed in various formats since 2014. Banners made by 12 artists will be presented on MOCAK’s elevation, showcasing utopian projections that serve the purposes of secession from and resistance to the world of now. Most of these banners were originally produced for the façade of the Secession in Vienna.
Some works relate to the uprisings, occupations and social movements that have emerged in recent years, in a quest for a better world. Others are poetic references to the feeling that ‘something is missing’. They aim to liberate utopia from its totalitarian connotations and give it a fresh direction. The urge to create utopian visions manifests itself at times when people are searching for alternatives. Although the works are displayed consecutively, they interact, demonstrating different takes on the utopian drive of recent years.
The 12 banners (measuring 3.4 × 9 m) will be exhibited on the façade of Building B and changed monthly. They have been created by the following artists:
Mariam Ghani
Daniela Ortiz
Undrawing the Line
Halil Altindere
Giuseppe Campuzano / Miguel A. López
Matthew Hyland / Ines Doujak
Christoph Schäfer
Oreet Ashery
Bert Theis
Nobodycorp. Internationale Unlimited
Oliver Ressler
Etcétera
Publication: Utopian Pulse – Flares in the Darkroom, Ines Doujak and Oliver Ressler (eds.). 288 p., London: Pluto Press, 2015
Ausstellungen Peter Piller und Anita Witek
22. Jänner – 22. Mai 2016
Mit Peter Piller und Anita Witek präsentiert das KUNST HAUS WIEN in zwei Einzelausstellungen künstlerische Positionen, die Fotografien als Werkstoff verstehen und als Material verarbeiten. Das Zurückgreifen auf vorhandenes Bildmaterial – Gebrauchsfotografie und Alltagsbilder, die sie vorwiegend aus Magazinen und Zeitungen entnehmen – eint Piller und Witek in ihrer künstlerischen Praxis. Allerdings sichten und befragen beide Künstler das Bildmaterial in jeweils verschiedener Weise und nach unterschiedlichen Kriterien. Durch die Übertragung der Bilder in neue Kontexte und Arrangements – durch Addition bei Piller und Dekonstruktion/Montage bei Witek – gelingt es beiden den omnipräsenten Bilderkosmos unserer Gegenwart in fulminanter Art und Weise zu analysieren.
Peter Piller, geboren 1968, lebt in Hamburg. Seit 2006 ist er Professor, Hochschule für Grafik und Buchkunst, Leipzig.
Anita Witek, geboren 1970, lebt in Wien.
Peter Piller – Belegkontrolle ist eine Ausstellung des KUNST HAUS WIEN in Kooperation mit Fotomuseum Winterthur, Städtische Galerie Nordhorn und Kunsthalle Nürnberg. Die begleitende Publikation “Albedo”, der erste Textband zu Peter Piller überhaupt, erschien im Verlag der Buchhandlung Walther König und ist im Shop erhältlich.
Die Ausstellung Anita Witek – About Life ist in enger Zusammenarbeit mit der Künstlerin für das KUNST HAUS WIEN entstanden.
Die Ausstellungen werden von Verena Kaspar-Eisert kuratiert.
Andrzej Steinbach ausgezeichnet mit Dokumentarfotografie Förderpreis der Wüstenrot Stiftung und Berenberg-Preis für junge
Mit Andrzej Steinbach ist zum dreizehnten Mal ein/e AbsolventIn der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig (HGB) Träger eines der Dokumentarfotografie Förderpreise der Wüstenrot Stiftung. Der Preis wird alle zwei Jahre an vier Absolventen deutscher Hochschulen und Akademien mit dem Studienschwerpunkt Fotografie in Zusammenarbeit mit dem Museum Folkwang verliehen. Er ist mit jeweils 10.000 Euro dotiert und soll ein erstes freies Projekt nach der Hochschulzeit ermöglichen.
Andrzej Steinbach, geboren 1983 in Czarnkow, Polen und aufgewachsen in Chemnitz, absolvierte 2013 sein Diplom an der HGB im Studiengang Fotografie, Fachklasse Prof. Heidi Specker. 2012 realisierte er im Rahmen eines Indien-Aufenthalts ein Projekt am National Institute of Design (NID) College in Ahmedabad mit dem Goethe-Institut Mumbai Max Mueller Bhavan. Seit 2013 ist Steinbach Mitglied des Künstlerkollektivs Galerie BRD. An der HGB begann er 2015 sein Meisterschüler-Studium bei Prof. Heidi Specker. Er lebt und arbeitet in Leipzig und Berlin.
Auszug aus der Pressemitteilung der Wüstenrot Stiftung über Andrzej Steinbach:
„Seine künstlerische Arbeit stellt grundsätzliche Fragen an unser Verständnis des Porträts und unsere Lese- und Gebrauchsweisen dieser Bildgattung. Welche Bedeutung liegt in diesen Bildern und was schreiben wir in die Darstellung eines Menschen ein? Eine entscheidende Rolle spielt dabei der ‚Zeichenhaushalt‘ seiner fotografischen Studien, die nicht zuletzt auch durch die fortschreitende Reduktion bis hin zur gänzlichen Vermummung ihre Kraft bezieht. In seinem Projektvorhaben ‚Konstellation‘ wird er die Infragestellung einer zu einfachen ‚dokumentarischen Leseweise‘ von Fotografie weiter vorantreiben, auch um Bilder zukünftig eine größere Fülle von Bedeutungen einzuräumen.“ Die Preisverleihung findet am 25.11.2015 um 19 Uhr im SANAA-Gebäude (auf dem Gelände des Welterbes Zollverein) in Essen statt.
Außerdem wurde Steinbachs bisheriges Schaffen mit dem Berenberg Preis für junge Kunst ausgezeichnet. Der mit 5000 Euro dotierte Förderpreis wurde anlässlich des fünfzehnten Jubiläums der Ausstellungsreihe „Index“ im Kunsthaus Hamburg vergeben und wird von der Berenberg Bank gestiftet.
Das Sprengel Museum Hannover zeigt derzeit eine Auswahl von 20 Bildern aus Steinbachs Serie „Figur I, Figur II“ (noch bis zum 10. Januar 2016).
Weitere Informationen unter:
www.hgb-leipzig.de/presse, www.andrzejsteinbach.de
www.wuestenrot-stiftung.de/dokumentarfotografie-foerderpreise-11-2015/
www.index-hamburg.de/kunstpreis.php
Porträt Andrzej Steinbach (©Andreas Enrico Grunert)
AICA PREIS FÜR DIE “AUSSTELLUNG DES JAHRES 2015”
Der deutsche Kunstkritikerverband AICA hat den Preis für die “Ausstellung
des Jahres 2015” an den Württembergischen Kunstverein Stuttgart für die
Ausstellung “Die Bestie ist der Souverän” vergeben.
AUSFÜHRLICHE BEGRÜNDUNG
Internationale AICA, deutsche Sektion:
Die Ausstellung „Die Bestie ist der Souverän“ untersucht auf
unorthodoxe, nonkonformistische und multiperspektivische Weise Formen von
Wirkungskräften hegemonialer Macht, und zwar anhand von vier hoch akuten
Themenfeldern.
Dabei richtet die Ausstellung ihr Untersuchungsfeld geografisch weit aus,
versieht es mit ungewöhnlichen künstlerischen Positionen und
Entdeckungen sowie dichten Werkgruppen aller Genres. Fragen zur Religion
und ihrem Missbrauch, zu den Flurschäden kapitalistischer Ökonomie, den
Verstrickungen biologischer Forschung und dem Erbe kolonialer
Machtverhältnisse werden intensiv und durchweg anspruchsvoll behandelt.
Konzeptuell verankert in Jacques Derridas allegorischem Figurenpaar des
„Tieres“ und des „Souveräns“ gelingt den Kuratoren ein
hochbrisanter Überbau, der die einzelnen Werke dennoch nicht zur
illustrierenden Folie missbraucht.
Der bei der Eröffnung (im Frühjahr dieses Jahres) entstandene Eklat in
Barcelona mit zahlreichen personellen Konsequenzen hat zudem weitreichende
Fragen aufgeworfen, die zukünftig den Blick auf den Einfluss von Politik
und Wirtschaft auf das Programm öffentlicher Kulturinstitutionen in
Europa einfordern. Wie und warum entstehen Zensur und inhärente
Selbstzensur? Welche Ausstellungen fehlen und werden daher und derzeit
nicht gemacht?
EINLADUNG: VERLEIHUNG DES MSGR. OTTO MAUER PREIS 2015
AN CATRIN BOLT
Das Kuratorium des Otto Mauer Fonds erlaubt sich, Sie zur Verleihung des Msgr. Otto Mauer Preises 2015 einzuladen.
Der Preis wird von s.E. Erzbischof Kardinal Dr. Christoph Schönborn OP am Donnerstag, den 3. Dezember 2015 um 19.30 Uhr in den Festräumen des Erzbischöfliches Palais, Wollzeile 2, 1010 Wien verliehen.
Der Vorsitzende der Jury, P. Dr. Gustav Schörghofer SJ, wird die Preisträgerin vorstellen.
Im Hinblick auf die beschränkte TeilnehmerInnenzahl bitten wir um verbindliche Zusage an: werner@kunstnet.at
Catrin Bolt
Fotoserie Guerilla-Skulpturen (Fluss), 2011
Foto: Catrin Bolt
© Bildrecht, Wien 2015
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EINLADUNG ZUR ERÖFFNUNG DER AUSSTELLUNG
Catrin Bolt: Kapital und Interessen, meine Schulden groß und
klein werden einst verrechnet sein
Freitag, 4. Dezember 2015, 19.30 Uhr
JesuitenFoyer, Bäckerstraße 18, 1010 Wien
Am Freitag, den 4. Dezember 2015 um 19.30 Uhr eröffnet P. Dr. Gustav Schörghofer SJ mit einleitenden Worten die Ausstellung „Kapital und Interessen, meine Schulden groß und klein werden einst verrechnet sein“ von Catrin Bolt im JesuitenFoyer, Bäckerstraße 18, 1010 Wien.
Die Ausstellung ist vom 6. Dezember 2015 bis 24. Jänner 2016 bei freiem Eintritt zu sehen.
Ausstellungsöffnungszeiten:
Montag und Dienstag 16–19 Uhr, Sonntag 12–13 Uhr und
nach telefonischer Vereinbarung: T +43 699 11 441 567
Zwischen 21. Dezember 2015 und 9. Jänner 2016 sowie an Feiertagen geschlossen.
Mehr Informationen: https://www.erzdioezese-wien.at/site/home/nachrichten/article/46556.html
Wir freuen uns auf Ihr Kommen!
U.A.w.g.
Mag. Christina Werner
Presse / Msgr. Otto Mauer Preis 2015
T + 43 1 524 96 46 – 22
F + 43 1 524 96 32
E werner@kunstnet.at
Pressedownload: www.otto-mauer-fonds.at
| Organisation | Otto Mauer Fonds MMag. Lisa Simmel, Geschäftsführerin Währinger Straße 2–4, 1090 Wien T 0043 1 51 552 DW 5103 E office@otto-mauer-fonds.at |
| Information | www.otto-mauer-fonds.at |
| Presse | Mag. Christina Werner w.hoch.2wei, Kulturelles Projektmanagement Breite Gasse 17/4, 1070 Wien T 0043 1 524 96 46 DW 22 F 0043 1 524 96 32 E werner@kunstnet.at |
| Pressedownload | |
| Informationen |
Roswitha Haftmann-Preis 2016 für Heimo Zobernig
Heimo Zobernig (*1958) erhält den mit CHF 150‘000.- höchstdotierten europäischen Kunstpreis der Roswitha Haftmann-Stiftung.
Foto Archiv HZ
Der Stiftungsrat der Roswitha Haftmann-Stiftung hat an seiner Sitzung Ende Oktober beschlossen, Heimo Zobernig für sein unbeirrtes, vielfältiges Schaffen und für sein stringentes Gesamtwerk mit dem Roswitha Haftmann-Preis auszuzeichnen. Der österreichische Künstler arbeitet in unterschiedlichen Medien wie Skulptur, Malerei, Video und Performance. Ausgehend von der geometrischen Abstraktion interpretiert er die Hauptthese der Minimal Art «You get what you see». Seine frühen, schwarzen Skulpturen wirken auf den ersten Blick wie schwere industriell gefertigte architektonische Elemente, bei genauem Hinsehen handelt es sich aber um handgearbeitete, lackierte Kartonskulpturen. Die reduzierte Formensprache setzt sich mit dem russischen Konstruktivismus, der niederländischen De Stijl-Bewegung, oder den Zürcher Konkreten auseinander. Er verwendet einfache Materialien wie Karton, Pressspan oder Styropor, die er zu dreidimensionalen, einfachen Objekten verarbeitet und in komplexen Rauminstallationen mit stark farbigen, abstrakten Gemälden in Beziehung bringt, in denen häufig Schriftzeichen und einzelne Wörter erscheinen. Die Gesamtaussage seiner Assemblagen ist jedoch nicht abstrakt. Zobernig begreift Kunst als ein Kommunikationssystem, das über sich hinausweist und in die Lebenswirklichkeit der Betrachter eindringt.Nach dem Studium 1977 bis 1980 an der Akademie der bildenden Künste Wien und 1980 bis 1983 an der Hochschule für angewandte Kunst Wien lehrte Zobernig an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg und der Städelschule in Frankfurt am Main. Seit 2000 hält er eine Professur für Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste Wien. Er gestaltete den österreichischen Pavillon auf der 56. Biennale von Venedig, die am 22. November ihre Tore schliesst.
STIFTUNG, PREIS UND VERGABE
Heimo Zobernig ist der sechzehnte Künstler, dem Europas höchstdotierter Kunstpreis zuteil wird. Die Preisverleihung findet am 12. Mai 2016 im Kunsthaus Zürich statt. Die Auszeichnung geht auf die Initiative der Galeristin Roswitha Haftmann (1924-1998) zurück. Seit 2001 vergibt ihre Stiftung den Preis an lebende Künstlerinnen und Künstler, deren Werk von überragender Bedeutung ist. Wer den Preis erhält, wird vom Stiftungsrat bestimmt. Ihm gehören die Direktoren des Kunstmuseums Bern, des Kunstmuseums Basel, des Museum Ludwig in Köln und des Kunsthaus Zürich an. Hinzu kommen Mitglieder, die vom Stiftungsrat berufen werden.
Weitere Informationen unter www.roswithahaftmann-stiftung.com.
Roswitha Haftmann Stiftung, c/o Kunsthaus Zürich
Winkelwiese 4, Postfach, CH 8024 Zürich, Tel. +41 (0)44 253 84 84,
Fax +41 (0)44 253 84 33, christa.meienberg@kunsthaus.ch
www.roswithahaftmann-stiftung.com
Presseanfragen:
Björn Quellenberg
bjoern.quellenberg@kunsthaus.ch
Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2016
Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2016
16 April – 26 June 2016
The shortlisted artists are nominated for the following projects:
Laura El-Tantawy (b. 1980, UK/Egypt) for her self-published photobook In the Shadow of the Pyramids (2015). In images that span from 2005 to 2014, this project depicts the atmosphere and rising tensions in Cairo in the events leading to and during the January revolution in Tahrir Square (2011-13). El-Tantawy grew up between Egypt, Saudi Arabia, and the US, with In the Shadow of the Pyramids she explores parallel narratives of her own family’s history with the search for identity of a troubled nation. She combines old family photographs and her own lyrical witness accounts with close up portraits of protestors and streets scenes that vividly express the violence and euphoria of the crowds.
Erik Kessels (b. 1966, The Netherlands) for his exhibition Unfinished Father at Fotografia Europea, Reggio Emilia, Italy (15 May – 31 July 2015). In Unfinished FatherKessels reflects upon the fragmented realities of loss, memory and a life come undone as a result of his father’s debilitating stroke. Kessels uses his father’s unfinished restoration project of an old Fiat 500 as a representation of his current condition. He brings pieces of the unassembled body of the Topolino car into the exhibition space and presents it alongside photographs of car parts and images that were taken by his father.
Trevor Paglen (b. 1974, USA) for his exhibition The Octopus at Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, Germany (20 June – 30 August 2015). Paglen’s project aims to represent complex topics like mass surveillance, data collection, classified satellite and drone activities and the systems of power connected to them. Paglen’s installation comprise images of restricted military and government areas, skylines showing the flight tracks of passing drones, sculptural elements and research assembled in collaboration with scientist, amateur astronomers and human rights activists. Through his work Paglen demonstrates that secrets cannot be hidden from view, but that their traces and structures are visible evidence in the landscape.
Tobias Zielony (b. 1973, Germany) for The Citizen, exhibited as part of the German Pavilion presentation at the 56th Biennale of Arts, Venice, Italy (9 May – 22 November 2015). Mostly taken in Berlin and Hamburg Zielony’s photographs portray the lives and circumstances of African refugee activists living in Europe. Fleeing violence and oppression in their home countries many arrive to the West in search of freedom and security only to find themselves living as outsiders in refugee-camps without legal representation or work permits. Presented alongside the images are first person accounts, interviews and narratives published by Zielony in African newspapers and magazines and reporting on the immigrants’ experiences and journeys.
The members of the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2016 jury are: David Drake, Director Ffotogallery, Cardiff; Alfredo Jaar, Artist; Wim van Sinderen, Senior Curator at The Hague Museum of Photography; Anne-Marie Beckmann, Curator, Art Collection Deutsche Börse Photography Foundation and Brett Rogers, Director, The Photographers’ Gallery as the non-voting chair.
This year marks Deutsche Börse’s twelfth year as supporter of the Prize and coincides with the establishment of the Deutsche Börse Photography Foundation, a non-profit organisaition for cultural activity focused on the collecting, exhibiting and promoting of contemporary photography.
The Foundation cements Deutsche Börse’s long-term commitment to photography, cultural enterprises and public engagement and is responsible for its extensive and ever-growing collection of contemporary photography comprising more than 1,600 works by over 100 international artists
It will continue to work with The Photographers’ Gallery to deliver the newly titled Deutsche Börse Photography Foundation Prize.
Brett Rogers, Director of The Photographers’ Gallery, and non-voting Chair of the Jury said: The work of this year’s four nominees address some of the most urgent political and social issues of our time – from Laura El Tantawy’s moving account of the Arab Spring to Tobias Zielony’s repositioning of the European refugee crisis and Trevor Paglen’s exploration of the growing impact of military surveillance on our lives. Eric Kessel’s Unfinished Father provides a more personal narrative which examines the fragmentation of family roles and relationships in the face of a loved one’s debilitating illness. All these subjects are of great consequence and relevance today – and one which photography, as a multifarious and accessible medium, is uniquely suited to explore.
Anne-Marie Beckmann, Director Deutsche Börse Photography Foundation said: We are delighted that the newly established Deutsche Börse Photography Foundation will continue Deutsche Börse’s long-term commitment to the Prize. This year’s shortlist once again celebrates photography’s unique position as a medium of diverse artistic expression and social engagement. This is highlighted through the nominees’ compelling use of photography in installation-led presentations and reflections on some of today’s most pressing issues.
For further information please download the press release and image sheet alternatively please contact Inbal Mizrahi on inbal.mizrahi@tpg.org.uk or call +44 (0)20 7087 9333.
Florian Albrecht-Schoeck und Rebecca Wilton: »Transit: Orte«
Florian Albrecht-Schoeck und Rebecca Wilton fotografieren Orte, die eher marginalen Zwecken dienen oder Veränderungen ausgesetzt sind. Es sind Transit-Orte, die zu »Nicht-Orten« geworden sind: Feuerwehreinfahrten und provisorische Parkplätze, aufgegebene Bahnhöfe, verlassene Kaufhäuser und vom Abriss bedrohte Dörfer. Welche Relevanz, Bedeutung und Rolle geben wir diesen Orten? Seit 2007 zeigen das Hessische Landesmuseum Darmstadt und die Schader-Stiftung Ausstellungen, in denen Gesellschaftswissenschaften und Kunst in einen Dialog treten.
Laufzeit: 16. Oktober 2015 bis 28. Februar 2016
Ort: Galerie der Schader-Stiftung, Goethestr. 1, 64285 Darmstadt
LaToya Ruby Frazier Receives $625,000 MacArthur Genius Grant
LaToya Ruby Frazier is a photographer and video artist who uses visual autobiographies to capture social inequality and historical change in the postindustrial age. Informed by documentary practices from the turn of the last century, Frazier explores identities of place, race, and family in work that is a hybrid of self-portraiture and social narrative. The crumbling landscape of Braddock, Pennsylvania, a once-thriving steel town, forms the backdrop of her images, which make manifest both the environmental and infrastructural decay caused by postindustrial decline and the lives of those who continue—largely by necessity—to live amongst it.
The Notion of Family, a series of unflinching black-and-white photographs, shows her mother, grandmother, and the artist herself in a Braddock unmoored by disinvestment and demographic decline. Frazier’s stark portraits underscore the connection between self and physical space and make visible the consequences of neglect and abandonment—unemployment, environmental health crises, and lack of access to services—for Braddock’s historically marginalized working-class African American community. In a photolithograph and silkscreen print series from 2011, entitled Campaign for Braddock Hospital (“Save Our Community Hospital”), Frazier sets up an ironic juxtaposition between upbeat consumer capitalism and the challenges of working people. Images of Braddock from a 2010 Levi Strauss campaign bearing the slogan “Ready to Work” are set in counterpoint to quotes from Braddock residents about the closure of the town’s only hospital—and its principal employer—that same year.
In more recent photographic work, Frazier documents Braddock from the skies in full-color aerial shots that record the extensive transformations of a community after years of economic collapse. Frazier’s uncompromising and moving work illustrates how contemporary photography can open conversations about American history, class structures, and social responsibility.
LaToya Ruby Frazier received a B.F.A. (2004) from Edinboro University of Pennsylvania and an M.F.A. (2007) from Syracuse University. She held artist residencies at the Lower Manhattan Culture Council (2009–2010) and the Whitney Museum of American Art Independent Study Program (2010–2011) and was the Guna S. Mundheim Fellow at the American Academy in Berlin (2013–2014) before assuming her current position as assistant professor in the Department of Photography at the School of the Art Institute of Chicago. Frazier’s work has appeared in numerous exhibitions, including solo shows at the Brooklyn Museum, the Institute of Contemporary Art, Boston, the Seattle Art Museum, and the Contemporary Arts Museum, Houston. The Notion of Family, Frazier’s first book, was published in 2014.
Otto Breicha-Preis fur Fotokunst 2015 – Leo Kandl
Leo Kandl, Menschen und Orte – Fotografien aus 40 Jahren
Otto Breicha-Preis für Fotokunst 2015
Rupertinum 31. Oktober 2015 – 28. Februar 2016
Das Museum der Moderne Salzburg widmet Leo Kandl, dem diesjährigen Träger des Otto Breicha-Preises für Fotokunst, eine umfassende Werkschau.
Leo Kandl (geb. 1944 in Mistelbach, lebt in Wien) schreibt seit über vierzig Jahren Bildgeschichte. Als stiller und feinsinniger Beobachter sucht er die unterschiedlichsten Orte der Welt auf, um von dort Bilder mitzubringen, die von seinen Begegnungen künden. In Straßen, Bars und Cafés, an Bahnhöfen und in Gaststätten porträtiert Kandl mit seiner Kamera die Gesellschaft und wird so zum Dokumentaristen seiner Umwelt. Er agiert dabei niemals als Voyeur, sondern stets mit einer hohen Sensibilität für die sozialen Beziehungen innerhalb der Milieus, in denen er sich bewegt. „Kandls fotografische Einblicke in eine Welt am Rande einer Großstadtgesellschaft und ihrer gestylten Lebensbilder gehören heute zu den Klassikern der österreichischen Fotogeschichte“, unterstreicht Sabine Breitwieser, Direktorin am Museum der Moderne Salzburg. Mit etwa hundert Exponaten, bestehend aus Sammlungsbeständen des Museums und neuen Arbeiten, hat Margit Zuckriegl, Vorsitzende der Jury und Kuratorin der Ausstellung, einen Überblick über Kandls Schaffen seit den 1980er Jahren zusammengestellt. Mit dem diesjährigen Otto-Breicha-Preis für Fotokunst und der Ausstellung Leo Kandl. Menschen und Orte – Fotografien aus 40 Jahren erfolgt eine umfassende Würdigung des Werkes von Leo Kandl durch das Museum der Moderne Salzburg.
Die Fotografien der Serie Weinhaus aus den 1980er Jahren erzählen von Menschen am Rande der Gesellschaft und formulieren ein berührendes Zeugnis eines Lebens im Halbdunkel der Weinstuben, Bahnhofsbuffets und Kaschemmen am Wiener Gürtel. In den 1990er Jahren befasste sich Kandl mit der Kultur individueller Kleidung als materialisierte Spur menschlicher Existenz. Seine „Sakko-Fotos“ belegen gleichzeitig Anwesenheit und Abwesenheit des Trägers. Passanten und Zufallsbegegnungen sind wiederkehrende Momente im Werk von Leo Kandl. Waren es zunächst anonyme Porträts, die er auf der Straße einfing, so führte er in späteren Jahren mittels Annoncen und Kontaktanzeigen bewusst Treffen herbei. Um 2000 begann er die Serie Free Portaits, die auf umfassenden Vorbereitungen und Verabredungen mit ihm zuvor unbekannten freiwilligen „Modellen“ basiert. Seit einem Studienaufenthalt 2003 im Iran interessiert sich Kandl für Stadtlandschaften und Peripherien. Es sind die Anonymität der Orte und die „Atmosphäre des Übersehenen“, welche ihn auch zu seinen Bildrecherchen in Moldawien und der Ukraine anregten. Darüber hinaus widmet er sich auch seiner Heimatstadt Wien. Unspektakuläre Straßenzüge, Wohnungsbauten aus den 1970er Jahren, ein Kiosk, eine Trafik – Kandl sieht in ihnen geometrische Bildkompositionen, unwillkürliche Architekturen des Zufalls.
Anlässlich der Preisverleihung erscheint eine Broschüre mit Texten von Sabine Breitwieser und Margit Zuckriegl.
Kuratorin: Margit Zuckriegl, Museum der Moderne Salzburg
Otto Breicha-Preis für Fotokunst 2015 – Begründung der Jury:
Seit über dreißig Jahren wird der Otto Breicha-Preis für Fotokunst vom Museum der Moderne Salzburg mit Beteiligung der Familie Breicha ausgerichtet. Die Jury, bestehend aus Christa Breicha, Philipp Otto Breicha, Matthias Herrmann (Otto Breicha-Preisträger 2013), Walter Moser (Albertina Wien) und Margit Zuckriegl (Museum der Moderne Salzburg), hat Leo Kandl einstimmig als diesjährigen Preisträger nominiert. Die Jury begründet ihre Wahl wie folgt:
Leo Kandl (geb. 1944) studierte an der Akademie der bildenden Künste in Wien, bevor er sich ab den 1970er Jahren der Fotografie widmete. Er gehört der ersten Generation der Autoren-Fotografen in Österreich an. Diese Generation etablierte eine klare Fotosprache im Sinne der straight photography und war in den damals neu entstandenen Fotogalerien und Fotoinstitutionen sehr aktiv. Leo Kandls Fotoserie Weinhaus (1979/1980) gehört heute zum klassischen Bildinventar der österreichischen Fotogeschichte. Sie ist repräsentativ für die Verknüpfung einer stringenten Bildkonzeption mit gesellschaftsrelevanten Themen. Das „genaue Hinsehen“ und die persönliche Involviertheit des Fotografen in seinen Recherchen ermöglichten Kandl ab den späten 1990er Jahren einen neuen künstlerischen Ansatz: Die Werkgruppe der Free Portraits (ab 2000) entstand als seismografische Bestandsaufnahme einer globalen Gesellschaft im Wandel. Kandls Straßenporträts kommen durch seine Kontaktaufnahme mit völlig unbekannten Menschen zustande. Sein Interesse für deren Situation und Selbstinszenierung brachte einen fotografischen Atlas von beachtlichem Umfang und großer Diversität hervor. Kandl reiht sich damit in eine in Österreich besonders starke und eigenwillige Szene der klassischen Fotografie nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs ein. Er eröffnete zugleich seinen individuellen Weg, ein aktuelles Bildmedium von der Tradition in eine zeitgemäße Bildsprache zu überführen.
Josef Koudelka erhält Dr.-Erich-Salomon-Preis 2015 der DGPh
Der tschechische Photograph Josef Koudelka wird mit dem Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Photographie (DGPh) ausgezeichnet. Die Preisverleihung findet am 7. November 2015 im Museum Folkwang in Essen statt. Mit dem 1939 in Boskovice (heute Tschechien) geborenen Josef Koudelka ehrt die DGPh einen der weltweit profiliertesten und prägendsten Photographen der vergangenen Jahrzehnte.
Der seit 1971 alljährlich für „vorbildliche Anwendung der Photographie in der Publizistik“ vergebene Preis erinnert an Dr. Erich Salomon, den großen Photographen der Weimarer Republik, dem der moderne Bildjournalismus starke Anregungen verdankt.
Joseph Koudelka, innerhalb der Kollegenschaft wie der Kunstwelt gleichermaßen hoch geschätzt und geachtet, zählt ohne Zweifel zu den wenigen herausragenden Photographen, deren Bildgestaltung die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts entscheidend prägten. Während seiner Ausbildung zum Luftfahrtingenieur an der Universität Prag war Josef Koudelka in den 1960er Jahren zunächst als Reportagephotograph und anschließend als Theaterphotograph für ein Theatermagazin tätig. In seinen frühen Reportagen betrachtete er das Leben von Romafamilien in der ländlichen Tschechoslowakei, wobei ihm Bilder von zeitloser Gültigkeit gelangen. Seine schwarz-weiß Photos mit starken grafischen Kontrasten wurden in einer Perspektive der teilnahmsvollen Distanz geschaffen. Diese ermöglicht den Betrachtern, die häufig schicksalhaften Situationen emotional mitfühlend zu sehen oder sich auf die herausragende ästhetische Gestaltung zu konzentrieren. Die Verbindung dieser beiden Aspekte findet sich auch in Koudelkas photographischen Arbeiten der Folgejahre und ist die Grundlage für sein bedeutendes Oeuvre von schlichten, aber aussagekräftigen und wirkungsmächtigen Bildern. Seine Darstellungen beruhen stets auf seiner humanistischen Sichtweise, können jedoch durchaus humorvolle Aspekte aufweisen.
Als der Prager Frühling 1968 von den Truppen des Warschauer Paktes gewaltsam beendet wurde, lichtete Koudelka Szenen der Niederwerfung in grandioser Eindrücklichkeit ab. Diese Bildstrecke stellt den Konflikt zwischen verzweifelten Menschen, die ihre Bürgerrechte verteidigen wollen, und waffengestützten Staatsmächten bis heute gültig dar. Die Aufnahmen wurden zu Elliot Erwitt, dem seinerzeitigen Präsidenten der Photoagentur Magnum, geschmuggelt und zum Jahrestag der Invasion 1969 mit der Autorenschaft „P.P.“ (Photograph Prag) in der Sunday Times und dem Magazin Look veröffentlicht. Obwohl die Invasion ein Jahr zurücklag war die Reportage eine mediale Sensation, ihr Autor wurde „anonym“ mit der Robert Capa Gold Medal ausgezeichnet.
1970 blieb Koudelka bei einer Reportagereise nach Frankreich im Westen, erhielt Asyl als politischer Flüchtling und übersiedelte nach London, bevor er schließlich 1980 nach Paris zog, wo er – mittlerweile als französischer Staatsbürger – bis heute neben Prag lebt.
In den Jahrzehnten nach seiner Übersiedelung beschäftigte sich Josef Koudelka mit der fragilen Existenz von ethnischen oder gesellschaftlichen Gruppen in Europa, die von Auslöschung oder Vertreibung bedroht sind, reflektierte jedoch auch subtil seine eigene nomadische Lebensweise im Exil. „Exiles“ hießen auch Publikation und Ausstellung, die hieraus erwuchsen.
In den vergangenen Jahren benutzte Koudelka Panorama-Photographien, um seine Sicht auf die Versehrungen, die der Erde zugefügt wurden, abzubilden; Das können Industrielandschaften sein, archäologische Stätten oder auch der Grenzzaun zwischen Israel und Palästina.
Weitere Informationen zur DGPh unter www.dgph.de,
zu Josef Koudelka unter www.magnumphotos.com.
Informationen zum Dr. Erich-Salomon-Preis unter www.dgph.de/preise/salomon
Martin Kollar wins the Prix Elysée, with the support of Parmigiani Fleurie
The Musée de l’Elysée and Parmigiani Fleurier are thrilled to announce that Slovak artist Martin Kollar was selected by an international jury of experts for his project “Provisional Arrangement.” Martin Kollar receives CHF 80,000; half of this sum will go to the production of the project, and the other half to the publication of an accompanying book. He has to complete his work within one year. During this time, his progress will be followed by the Musée de l’Elysée. An exhibition of his project is planned at the museum in Lausanne in September 2016.
About the project: “Provisional Arrangement”
“I grew up during Communism with its key motto ‘With the Soviet Union for all Eternity.’ Back then, we would add, laughing: ‘but not an hour longer.’ This has been, until this day, one of the few experiences I’ve had with eternity.
Since then, my life has been filled with negotiating its many temporary situations and solutions. People of my generation have grown up; we are middle-aged now. Temporariness is slipping out of our hands; we are fighting against endless variations of disintegration and the void left behind the abandoned old dogmas. We find ourselves in a complex world without a sense of permanence and certainty. We surround ourselves with temporary friends, have temporary women, have a temporary tooth replacement, and prefer temporary residencies to permanent addresses. ‘Provisional Arrangement’ is a project concerned with situations containing an element of uncertainty and mystery. This project will be a photographic record capturing the disintegration of permanence into temporary and provisional.”
–Martin Kollar
The Jury of the first edition of the Prix Elysée
Federica Angelucci, Director, Stevenson, Cape Town / Johannesburg
Martin Barnes, Senior Curator of Photographs, Victoria and Albert Museum, London
Elena Foster, Founder and CEO, Ivorypress, London / Madrid
Ramón Reverté, Editor-in-chief and Creative Director, Editorial RM, Barcelona / Mexico City
Tatyana Franck, Director, Musée de l’Elysée, Lausanne
Jean-Marc Jacot, CEO, Parmigiani Fleurier, Fleurier
Marina Vatchnadze, Sandoz Family Foundation, Manager of the cultural patronage
“The projects of the eight nominees were all of exceptional quality and we are very happy to have contributed to the advancement of their careers. We will now assist Martin Kollar in the preparation of an exhibition and a book”
–Tatyana Franck, Director, Musée de l’Elysée, Lausanne
“In ‘Provisional Arrangement’ Martin Kollar reveals a deeply ironic yet delicate eye through images combining both a sense of rigor and surrealism. The series transcends the specific historical and geographical constraints to become a reflection on the human condition, its inherent transiency and its search for meaning.”
–Federica Angelucci, Director, Stevenson, Cape Town/Johannesburg
“The winner shows a magnificent potential for developing a coherent and serious work. He has done an interesting and a complex series, with an original and particular approach to the subjects chosen. He has already shaped in it his own voice, although assuming his mentors, their influences and certain important key parts of the history of contemporary photography. The Prix Elysee is the prize that any contemporary photographer would wish to win.”
–Elena Foster, Founder and CEO, Ivorypress, London/Madrid
About the Prix Elysée
Result of a partnership between the Musée de l’Elysée et Parmigiani Fleurier, the Prix Elysée offers financial help and curatorial guidance to artists with a passion for photography and books, so they can take a decisive step in their career. The second edition of the Prix Elysée will be launched in January 2016. For more information please visit www.prixelysee.ch.
Musée de l’Elysée
18, avenue de l’Elysée
1014 Lausanne- Switzerland
Birgit-Jürgenssen-Preis 2015 an Daniela Grabosch verliehen
Der mit 5.000 Euro dotierte Birgit-Jürgenssen-Preis wird heuer zum zwölften Mal im Gedenken an die ehemals an der Akademie lehrende Künstlerin Birgit Jürgenssen verliehen. Seit 2004 wird die Auszeichnung jährlich in einer Kooperation von Bundeskanzleramt, der Akademie der bildenden Künste Wien und Hubert Winter an eine Studentin oder einen Studenten der Kunstuniversität für Arbeiten im medialen Bereich, insbesondere der künstlerischen Fotografie sowie der Video- oder (digitalen) Medienkunst vergeben.
Die Jury, bestehend aus Carola Dertnig, Künstlerin und Professorin für performative Kunst; Vanessa Joan Müller, Dramaturgin der Kunsthalle Wien; Peter Noever, Designer und Ausstellungsmacher und Constanze Ruhm, Künstlerin und Professorin für Kunst und digitale Medien hat den Birgit-Jürgenssen-Preis 2015 einstimmig Daniela Grabosch zuerkannt. Juryvorsitz: Andrea B. Braidt, Vizerektorin der Akademie der bildenden Künste Wien für Kunst und Forschung.
Daniela Grabosch entrollt mit ihren Arbeiten zum Thema Wohnen ein ganzes Dispositiv – die Verbindungen zwischen den Elementen Privatsphäre, gesellschaftlicher Prägung und Überwachung all dessen, was man als eigene Entscheidung oder Gestaltungsleistung begreift. Ihre Analysen und Kreationen von Wohnungsplänen werden zu einem Display, einer Bühne, die das vermeintlich Private als immer schon Äußeres entdecken. Das gelingt, weil Grabosch nicht einfach etwas Bestehendes ausstellt, sondern ein regelrecht neues Wohnsystem ersinnt, das auch ein eigenes Wort-Sprach-System mit sich bringt – Wohneinheiten werden konstruiert, um dann doch nicht Obdach gebend einzuladen, sondern vielmehr Distanz und Verwirrung zu stiften. Nicht zuletzt hat diese Strategie von Grabosch, dem bestehenden, aber unsichtbaren Dispositiv ein neues gegenüber zu stellen – ein guter Trick, um des Jetzt, in dem man gerade lebt, gewahr zu werden, inklusive der Pläne, die andere für uns machen – die Jury überzeugt. (Jurybegründung: Carola Dertnig)
Daniela Grabosch, geboren 1986 in Köln, studiert derzeit an der Akademie der bildenden Künste Wien performative Kunst bei Carola Dertnig. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen performativer Kunst, Video, Skulptur und Installation.