»The old myth that photographs tell the truth has succumbed to the new myth that they don’t.« Mit diesem Satz endete der Vortrag Allan Sekulas beim Grazer Symposion über Fotografie 1996 mit dem Titel »Agents and Agencies: Fotografie zwischen Diskurs und Dokument« (publiziert in: Camera Austria International, Nr. 59/60, 1997), das von dem Fotografen, Theoretiker, Fotohistoriker, Essayist und Filmemacher selbst kuratiert wurde. In seiner unnachahmlichen Art mäanderte Allan Sekula im Vortrag durch die Geschichte der fotografischen Repräsentation, vor allem, um sie als einen Moment von Politik zu kennzeichnen. Allan Sekula konnte zweifelsfrei eine Debattenführerschaft in diesem Feld eines erweiterten Verständnisses der dokumentarischen Praxis für sich behaupten, und hat nicht nur uns, sondern auch Christine Frisinghelli und Manfred Willmann als Gründer dieser Zeitschrift nachhaltig geprägt. Am 10. August 2013 ist Allan Sekula in Los Angeles verstorben.
Als Würdigung seiner seltenen Fähigkeit, die theoretische Debatte um Fotografie in einem gemeinsamen kritischen Projekt mit seiner künstlerischen Praxis zu verbinden, erhielt Allan Sekula 2001 den Camera Austria-Preis für zeitgenössische Fotografie der Stadt Graz. Wir haben das Cover der aktuellen Ausgabe aus diesem Grund Allan Sekula gewidmet. »Dear Bill Gates« ist sowohl Teil des gemeinsam publizierten Buches TITANIC’s wake wie auch der gleichnamigen Ausstellung, die im Jahr 2005 bei Camera Austria zu sehen war. Gemeinsam mit einem Nachruf von Christine ­Frisinghelli, die als langjährige Weggefährtin die kritische Hingabe an das Medium Fotografie mit Allan Sekula teilte, widmen wir dieses Heft jener Debatte um das Dokumentarische als politische Praxis, von der wir hoffen, sie mit unseren Projekten weiterführen zu können.
Camera Austria International Nr. 123 bearbeitet Konstruktionen von Geschichte und der (auch fragwürdigen bzw. befragungswürdigen) machtvollen Rolle fotografischer und filmischer Bilder in Prozessen der Herstellung neuer/alter normativer Ordnungen. Die Beiträge sind dabei getragen von visueller Opulenz (Broomberg/Chanarin) bis hin zur vollständigen Entleerung des Bildraums (Ractliffe) und markieren damit unterschiedliche Umgangsweisen mit den Repräsentationslogiken des reproduzierbaren und manipulierbaren Bildes. Wie entscheidend die (großen) Erzählungen und (individuellen) Geschichten für die Wahrnehmung von Bildern sein können und wie umgekehrt Bilder die Wahrnehmung und »Wahrheitsfindung« manipulieren, ist Thema dieser Ausgabe.
Eric Baudelaire arbeitet mit dokumentarischem und archivalischem Material, mit Strategien, die zwischen Fotoreportage und Anthropologie anzusiedeln sind. Im Mittelpunkt steht die Macht der Bilder und die Konstruktion des Selbst durch Ideologien, Mythen und Geschichten. Die in Baudelaires Beitrag thematisierten Projekte »The Makes« sowie »The Anabasis of May and Fusako Shigenobu, Masao Adachi, and 27 Years Without Images« lehnen sich dabei an die antike Erzählung Xenophons, die Anabasis, an. Anabasis dient als Folie und Metapher für die repräsentationskritischen Fragen, die Eric Baudelaire anhand der Geschichten seiner Figuren – verknüpft mit Fragen von Widerstand, Gewalt und Terrorismus – bearbeitet. Kaelen Wilson-Goldie, in Beirut lebende Expertin für Kunst aus dem arabischen und dem Mittelmeerraum, arbeitet heraus, »wie Fragen der Autorschaft, der Kollaboration und der Orchestrierung von Ereignissen das ideologische Dickicht unserer Träume, Sehnsüchte und Ängste, aber auch Revolutionen, Klassenkonflikte und ausgewachsene Kriege durchziehen. Worum es in all diesen Kapiteln geht, ist das Wirken der Bilder […] im Hinblick auf die persönlichen wie kollektiven Geschichten, die über das Vermächtnis der radikalen Linken und die Vorherrschaft einer wieder erstarkten Rechten so oft erzählt wurden.«
Das neue Künstlerbuchprojekt von Adam Broomberg und Oliver Chanarin steht im Zentrum ihres Beitrags. In einem Neudruck des Buchs der Bücher, der Bibel, haben die Künstler den Text des Alten Testaments mit Bildern überschrieben, die sie dem Londoner »Archive of Modern Conflict« entnommen haben, die wohl umfangreichste Sammlung von Bildern von Gewalt, Katastrophen und der Absurdität des Krieges. Ihre Auswahl steht genauso stellvertretend für den Horror und Wahnsinn globaler (Kriegs-)Katastrophen wie für unsere abgestumpfte Wahrnehmung dieser tausendfach durch die Mainstream-Medien gespülten Bilder. Das Projekt stellt auch den Versuch einer Visualisierung einer der zentralen Thesen des israelischen Philosophen Adi Ophir dar, nach dem Gott sich in erster Linie über (verhängte) Katastrophen offenbare und die Machtstrukturen oder Rechtfertigungsstrategien, die innerhalb der Bibel wirken, mit denen der modernen Herrschaftssysteme korrelieren. »Ophir’s reading of the bible suggests a contract we are all silently and forcibly bound into with the modern state and our naïve acceptance of the harsh punishments the state meters out; prison, the death sentence, a war on drugs, on terror« (Oliver Chanarin).
Ausgangspunkt für den Beitrag mit dem britischen Künstler Phil Collins ist dessen erstmals im Rahmen der 6. Berlin Biennale für zeitgenössische Kunst gezeigte Arbeit »marxism today (prologue)« und die im gleichen Jahr entstandene Arbeit »use! value! exchange!« (2010). In ihnen geht Collins der Frage nach, was nach der Wiedervereinigung 1990 aus LehrerInnen der ehemaligen DDR geworden ist, die das Fach »Marxismus-Leninismus« unterrichtet hatten. Collins kombiniert Archivmaterial über Lehrmethoden mit persönlichen Erfahrungsberichten und arbeitet unter der Voraussetzung, dass jede Form des Unterrichtens, egal unter welchen systemischen Rahmenbedingungen, ideologisch aufgeladen ist. Er kombiniert diese Filmarbeiten mit Bildern aus seiner Arbeit »free fotolab (Berlin)« (2010), ein Bildarchiv, das durch die öffentlich beworbene Gratisentwicklung von Kleinbildfilmen im Austausch gegen die Bildrechte entstanden ist und weiter entsteht. Die kroatische Kritikerin und Kuratorin Nataša Ilić schreibt dazu in ihrem begleitenden Text: »Beide Arbeiten sind eine Reaktion auf die Beziehung zur Vergangenheit und das historische Narrativ, die beim 20-Jahr-Jubiläum der deutschen Wiedervereinigung zum Ausdruck kam. Die Auswahl anonymer Fotos […] reflektiert an keiner Stelle die Veränderungen und den massiven Strukturwandel, die in Berlin seit dem Mauerfall stattgefunden haben. Dennoch spukt die Geschichte der geteilten Stadt in den Bildern herum […].«
Jo Ractliffe hat in ihrer vielbeachteten Arbeit »As Terras do Fim do Mundo« die Spuren des Krieges der 1970er und 1980er Jahre an der Grenze zwischen Angola und Südafrika dokumentiert. Sie kehrte mit Ex-Soldaten an die Stätten der Kämpfe zurück, an denen buchstäblich nichts mehr zu sehen ist. Rory Bester, Leiter der Kunstgeschichte an der Witwatersrand-Universität in Johannesburg, schreibt in Gedichtform über die besondere Idee von »Landschaft als Pathologie«, die in der Arbeit Ractliffes sichtbar wird: »The land before / the land after / the photograph / and in between / tilling land into landscape«. In Ractliffes Fotografien treffen sich der Mythos von der Eroberung und Rückeroberung des Landes, seiner Urbarmachung und Verwüstung, von Unterdrückung und Freiheit. Die Landschaft selbst wird zu einer Metapher für das Fixieren von Ereignissen. Doch gibt es kaum etwas zu sehen von diesen Ereignissen, sie lassen sich nur schwer aus den Bildern rekonstruieren: »the land […] eventually becomes meaningful in the mind’s eye«. An dieser Grenze dessen, was die Bilder zeigen können, werden sie in die kulturelle und politische Produktion von Geschichte verstrickt.
Im Hinblick auf unsere vermehrte Teilnahme nicht nur an Kunstmessen (in diesem Herbst u.a. Frieze, London, und ParisPhoto), sondern auch an Künstlerbuchmessen wie der New York Art Book Fair, der Miss Read (Berlin) sowie den Kasseler Fotobuchtagen haben wir AA Bronson, Künstler, Begründer von Printed Matter (New York) sowie Initiator der NYABF gebeten, für unsere Rubrik der Neuerscheinungen eine Auswahl an aus seiner Sicht exzeptionellen Künstlerbüchern zu treffen. Mit seinen Empfehlungen können Sie über die Künstlerbuchmessen des Herbstes mäandern und interessante Entdeckungen machen; Entdeckungen, die dank der guten Kooperationen auch mit vielen Klein- und Selbstverlagen – bei denen wir uns an dieser Stelle bedanken möchten – auch Eingang in unsere Grazer Bibliothek gefunden haben.
Auch die Rubrik Forum stimmt ein auf unsere Teilnahme an der New York Art Book Fair. Der in New York lebende österreichische Künstler Martin Beck stellt in dieser Ausgabe sechs KünstlerInnen vor, von denen vier ebenfalls in dieser Metropole leben und arbeiten. Die Rubrik schließt dabei an die von KünstlerInnen wie Peter Piller und Sharon Lockhart kuratierten Forum-Sektionen an, mit denen wir versuchen, verschiedene Fährten durch und Perspektiven auf jüngere KünstlerInnen vorzulegen.
Parallel zur Fertigstellung dieser Ausgabe wird der Camera Austria-Preis für zeitgenössische Fotografie der Stadt Graz vergeben. Die Jury – bestehend aus Sandra Križić Roban, Herausgeberin Život umjetnosti, Zagreb, Florian Ebner, Leiter der fotografischen Sammlung am Museum Folkwang, Essen und Martin Beck, Künstler, Wien und New York – hat mit Joachim Koester den Preis einem Künstler zuerkannt, der nicht nur – wie es die Satzung des Preises vorsieht – einen wesentlichen Beitrag in unserer Zeitschrift publiziert hat, sondern der 2006 und 2009 auch an zwei Ausstellungsprojekten von Camera Austria teilnahm, die sich beide um das Verhältnis von Konzept und Sichtbarkeit, von Wissen, Geschichte und Bild drehten. Ein Thema, für welches die Arbeiten Joachim Koesters als exemplarisch bezeichnet werden können. Mit Catherine David konnte eine der wichtigsten zeitgenössischen KuratorInnen für die Laudatio in Graz gewonnen werden.
Mit 112 Seiten hat diese Ausgabe unserer Zeitschrift einen erweiterten Umfang. Wir hoffen, Ihnen damit ausreichend Lesestoff bis zum Erscheinen der nächsten Ausgabe vorzulegen.

Maren Lübbke-Tidow, Reinhard Braun
und das Camera Austria-Team
September 2013