Aktuelles

Adam Art Gallery, Wellington, New Zealand, 2. 10. – 22. 12. 2016

BAD VISUAL SYSTEMS is a major new exhibition by Berlin-based, New Zealand-born artist Ruth Buchanan. It occupies the entire Adam Art Gallery and also features works by two fellow artists, Judith Hopf and Marianne Wex both of whom live in Germany. The title of the exhibition draws on the idea first articulated by feminist theorist, Donna Haraway that “self-identity is a bad visual system”. Buchanan is drawn to this notion as it succinctly articulates her sense that there are powerful forces vested in architecture, art, language, society and the manifold organisational and structural systems that take place within them, that affect how the human subject behaves and interferes with how they know themselves. She has self-consciously chosen to work with two other women artists of different generations, to position her thinking within a feminist history and discourse.

For this exhibition Buchanan has blurred the roles of artist, curator, and designer, playing all three to create a fully immersive installation with objects, materials, display systems, screens, images, and words. These occupy the space ambivalently, playing off the architecture and doubling as the familiar furniture of exhibition making. The show engages the viewer actively with built-in response mechanisms including an audience-activated soundtrack that serves as audio-guide; videos that spring to life with human contact, and room dividers that rearrange familiar spaces and disrupt existing way-finding.

Buchanan’s process is research intensive. She has spent time in the building learning its physical characteristics and also its history. She has also actively participated in the revival of interest in Let’s Take Back Our Space, the photographic project by Marianne Wex—excerpts of which are included in this exhibition—that has been called “one of the great unsung works of 1970s’ feminist history and cultural analysis”, in its compilation of thousands of images of men’s and women’s differing body language designed to analyse the unconscious ways in which the patriarchy literally occupies more space. And her selection of films and sculptures by Judith Hopf is the result of a deep engagement with that artist’s deadpan practice. This exhibition is a profoundly thoughtful and physically impressive occupation of the Adam Art Gallery.

Adam Art Gallery gratefully acknowledges the support of Creative New Zealand Toi Aotearoa, Institut für Auslandsbeziehungen Institute for Foreign Cultural Affairs (ifa), Jan Warburton Trust, Resene Paints Ltd, and Victoria University of Wellington.

Artist biographies

RUTH BUCHANAN was born in 1980 in New Plymouth and later grew up in Wellington, where her family is now based. She completed a BFA at the Elam School of Fine Arts at The University of Auckland in 2002 and an MA in Fine Art from the Piet Zwart Institute in Rotterdam in 2007. BAD VISUAL SYSTEMSis the latest in a string of solo exhibitions and major commissions she has undertaken in Europe, New Zealand, Asia and Australia. In each, she creates situations she describes as “meetings with meaning”, where the systems utilised in the production of culture—display formats, collection protocols, museum structures—are interrogated, and exhibition and graphic design is re-appropriated as a means to manage the viewer’s experience. These include the 11th Gwangju Biennale, Gwangju (2016); The actual and its document, Govett Brewster Gallery/ Len Lye Centre, New Plymouth (2016), 24 Hour Body, Hopkinson Mossman at Frieze Art Fair, London (2015), Or, a camera Or, a building Or, a screen, Kunstverein Harburger Bahnhof, Hamburg (2015), Or, a building, Badischer Kunstverein, Karlsruhe (2015), Several Attentions—Lying Freely Part III, The Showroom, London (2009). Buchanan lives and works in Berlin and is represented by Hopkinson Mossman, Auckland.

JUDITH HOPF was born in Berlin in 1969. Her irreverent attitude to art making belies her serious purpose: to address how society, through its institutions and systems, operates to enforce normative behaviour. For this exhibition, Hopf is represented by three film works that typify her practice. Also included are her untitled concrete ‘serpents’, which have teeth made from tiny paper triangles made from her work emails that derive from her thinking about the precarity of labour under present conditions. Hopf teaches at the Städelschule in Frankfurt am Main, currently one of the most influential art academies in Europe. She has undertaken several solo projects throughout Europe and the USA in recent years including: More, Neue Galerie, Kassel (2015), Untitled (1-4), PRAXES Center for Contemporary Art, Berlin (2014), On Time, Maumaus Escola de Artes Visuais, Lisbon (2014), A Line May Lie, Kunsthalle Lingen Kunstverein, Lingen, curated by Meike Behm, and an exhibition at Secession, Vienna (2006). Selected group exhibitions include: Your Lazy Eye, LiMac – Museo de Arte Contemporaneo de Lima, Madrid (2015), the Liverpool Biennial, Liverpool (2014), and dOCUMENTA 13, Kassel (2012). This is the first time she has exhibited in New Zealand. Hopf lives in Berlin. Her works are presented courtesy of Kaufmann Repetto, New York and Milan.

MARIANNE WEX was born in Hamburg in 1937, where she studied at the Hochschule für bildende Kunste. Though a student of painting, she turned to photographing men and women on the streets of the city. She sorted these into categories of body language until she had a vast typology that revealed the differences between men and women’s occupation of space through pose and gesture. To these she added found images from art history, advertising, politics and pornography to show the prevailing ways in which gendered bodies hold themselves. She presented these as a series of panels, first in 1977 in the Artists International 1877-1977 at Neue Gesellschaft für Bildende Kunst in Berlin and then in several exhibitions, including Bonner Kunstverein, Bonn (1979) and London’s Institute of Contemporary Art (ICA) in 1982. She also published her complete archive in book form in 1979 as Let’s Take Back Our Space: ‘Female’ and ‘Male’ Body Language as a Result of Patriarchal Structures. Since making this work, Wex withdrew from the art world to become a self-healer. Between 1983 and 1986 she lived in Wellington. She gives seminars on self-healing to small groups of women all around Europe, often drawing on what she felt she had learnt during the 1970s about the effects of comportment on women’s physical and mental health. In 2009 her project was rediscovered by Mike Sperlinger and presented at the Focal Point Gallery in Southend-on-Sea. Since then, Let’s Take Back Our Space has been presented in various venues, including Badischer Kunstverein, Karlsruhe (2012, on screens designed by Ruth Buchanan and Andreas Muller), Yale Union Center for Contemporary Art, Portland (2012), Presentation House Gallery, Vancouver, (2013), La Galerie, Centre d’art contemporain, Noisy-Le-Sec (2013), Gasworks, London (2014), Autocenter, Space for Contemporary Art, Berlin (2014), Frauengesundheitszentrum Sirona e.V., Wiesbaden (2015), and now in Wellington. Wex now lives in Hoehr-Grenzhausen, Germany. All works by Marianne Wex are courtesy of the artist.

Ausstellung, verschiedene Orte: 20.10.2016 – 20.11.2016. Symposium: Auditorium Sprengel Museum, 21. Oktober, 11–17.30 Uhr

Eröffnung: 20.10.2016, 19 Uhr, Städtische Galerie Kubus

More to Come ist ein Versprechen: Das war’s noch nicht, da kommt noch was. Was sich umgangssprachlich als Wille noch etwas zu bewegen deuten lässt, bekommt als gesellschaftspolitische Aussage eine unheilvolle Bedeutung. Der mediale Diskurs scheint nur noch Krisen, Kriege und Katastrophen zu kennen. Gesellschaftliches Leben wird als permanenter Konflikt gespiegelt, dabei geht es dabei um Fragen der kulturellen Vorherrschaft und um die Verteilung von Ressourcen. Dieser inhaltlichen Fixierung folgt auch eine formale Festlegung: Die Nachrichtenformate ähneln einander, ihre Inhalte multiplizieren sich in der täglichen Wiederholung. So bilden sich Weltbilder und Meinungen entlang bestimmter visueller Narrative.

Die Ausstellung zeigt künstlerische Arbeiten, deren Erzählungen und Perspektiven verschränkter und komplexer sind. Verkürzte Meldungen werden zu Geschichten, und Geschichte wird als wandelbare, interpretierbare Größe verstanden. Alternative Bildwelten, neue Konstellationen und Texte zeigen, dass der visuelle Diskurs noch nicht am Ende ist. More to Come ist ein Versprechen …

Die Ausstellung wurde initiiert und kuratiert
von Ricus Aschemann und Maik Schlüter

Ausstellungsorte, KünstlerInnen und Öffnungszeiten:

Städtische Galerie Kubus
Theodor-Lessing-Platz 2
30001 Hannover
Dienstag bis Freitag 11–18 Uhr
Samstag und Sonntag 11–16 Uhr

Absalom & Bardsley (UK), Diana Artus (DE), Viktoria Binschtok (DE), James Bridle (UK), Eiko Grimberg (DE), Jörg Möller (DE), Marco Poloni (CH), Ulrich Polster (DE), Andreas Schulze (DE), Lucy Skaer (UK) 


Galerie vom Zufall und vom Glück
Theodor-Lessing-Platz 2
30159 Hannover
Dienstag bis Freitag 15–18 Uhr
Samstag und Sonntag 11–16 Uhr

Oliver Sieber & Katja Stuke (DE) – You and Me

Bankhaus Hallbaum
An der Börse 7
30159 Hannover
Montag bis Freitag 9 –15.30 Uhr

Karin Jobst – Between Places

SCOPE Galerie
Calenberger Str. 12
30159 Hannover
Freitag und Samstag, 12–17 Uhr

Andrew Phelps – cubic feet / sec.

C 28
Calenberger Str. 28
30169 Hannover
Freitag und Samstag, 12–17 Uhr

Absalom & Bardsley – Modern Life is Rubbish

Galerie Bohai
Schwarzer Bär 6
30449 Hannover
Freitag bis Sonntag, 13–18 Uhr

Sophie Barbasch – Fault Line
(kuratiert von Sonja Plade, Henner Rosenkranz und Arzu Sandal)
Eröffnung am Freitag, 21.10.2016 um 19 Uhr

Symposium
Freitag, 21. Oktober, 11–17.30 Uhr
Auditorium Sprengel Museum

Mit: Absalom & Bardsley, Diana Artus, Eiko Grimberg, Karin Jobst, Andrew Phelps, Oliver Sieber & Katja Stuke, Helge Schlaghecke, Janko Woltersmann u.a.

Zur Ausstellung erscheint ein Katalog:

More to Come

Hg. Ricus Aschemann und Maik Schlüter

80 Seiten, Farbabbildungen

Texte von Maik Schlüter und Sabine Weier

deutsch/english / Gestaltung: Studio Parat

20,5 x 27,5 cm, Softcover

ISBN: 978-3-95763-366-8.

Revolver Publishing Berlin

Badischer Kunstverein, Karlsruhe, 30. 9. – 27. 11. 2016

Strukturen zu schaffen, die mit dem Material des Films vermittelt werden können, hat auf beiden Seiten des Eisernen Vorhangs Künstler_innen und Filmemacher_innen schon seit dem Ende der 1950er-Jahre fasziniert. Mit Dóra Maurer / Kurt Kren. Relative Schwingungen zeigt der Badische Kunstverein einen zweiten Teil zum strukturellen Film, in dem das Werk der ungarischen Künstlerin Dóra Maurer anhand weiterer Film- und Fotoarbeiten vertieft und Arbeiten des österreichischen Filmemachers Kurt Kren (gest. 1998) gegenübergestellt wird.

Kurt Kren gilt neben Peter Kubelka als Pionier des avantgardistischen und strukturellen Films. Die Ausstellung zeigt eine repräsentative Auswahl seiner Filme, in denen Kren die materiellen Eigenschaften des Mediums konsequent erforscht und sich dabei an der Schnittstelle zwischen Formalismus, Aktionismus und Poetik bewegt.

Dóra Maurer arbeitet mit verschiedenen künstlerischen Medien wie Film, Fotografie, Druckgrafik, Zeichnung und Malerei. Seit den 1970er-Jahren entstehen konzeptuelle Fotografien und strukturelle Filme, in denen die Künstlerin verschiedene Prozesse der Bewegung, Wahrnehmung und Veränderung analysiert. Trotz einer gewissen Subtilität und Poetik basieren ihre Arbeiten auf streng kalkulierten Strukturen, die sich auf geometrisch-mathematische Systeme und Methodologien berufen.

Die Werke beider Künstler_innen konstruieren eigentümliche Wahrnehmungssituationen. Sie liefern keine narrativen Illusionen, sondern rücken das Formale des Films ins Zentrum der Aufmerksamkeit.

Kuratiert von Anja Casser und Lívia Nolasco-Rózsás

Dóra Maurer (*1937 in Budapest) lebt und arbeitet in Budapest. Maurer arbeitet mit den Medien Film, Fotografie, Malerei und Grafik. Ihre Arbeiten sind in zahlreichen Sammlungen vertreten und wurden weltweit gezeigt, u.a. im Ludwig Múzeum of Contemporary Art Budapest, The Art Institute of Chicago, MoMA New York,12. Istanbul Biennale, mumok – Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Tate Modern, London.

Kurt Kren (*1929 in Wien, †1998 in Wien) war ein österreichischer Avantgarde-Filmemacher, der sich am Wiener Aktionismus beteiligte. In den frühen 1950er-Jahren experimentierte er mit 8mm- und 16mm-Filmen, gefolgt von Filmdokumentation über Aktionen diverser Künstler. 1977 nahm Kren an der documenta 6 in Kassel teil. Er gilt als Mitbegründer des Vienna Institute of Direct Art und der Austria Filmmakers Cooperative.

COLONNADE PARK (54 min, 2011)

Oct 5, 7pm

ACFNY / Austrian Cultural Forum New York, 11 E 52nd St, New York, NY 10022

On occasion of Archtober 2016 – New York City’s Architecture and Design month – the ACFNY presents a special screening of Heidrun Holzfeind’s Colonnade Park. The film explores architect Mies van der Rohe’s high rise apartment buildings in Newark and the lives and stories of the people inhabiting it. The screening will be followed by a panel discussion with Austrian artist Heidrun Holzfeind, architecture historian Mariana Mogilevich and MoMA curator Barry Bergdoll.

The film portrays Mies van der Rohe’s Colonnade and Pavilion apartment buildings in Newark through conversations with its inhabitants. Built between 1954 and 1960, Mies’ three glass-and-steel towers and the Christopher Columbus Homes, a public housing project in between them, marked the beginning of urban renewal in Newark. Interviews with tenants about their experiences of living in the classic modernist buildings are juxtaposed with shots of their apartments and stunning views from their windows.

“An interesting thing about Heidrun Holzfeind’s work […] is the way it leads us to ask a different sort of question. That is, it manifests a notion of architecture not purely as image, not purely as volume, but as social space, as a molding and molded shell homologous to other social structures reactive with its users, its residents. Holzfeind’s work eludes the category of artifact because the unquantified social relations within and without replace the archeologist’s brush and magnifying glass. It is not buried and unearthed but always inhabited, always operative. It is not concerned with the question of modernism per se but rather with the inter-secting subjectivities produced in spite and because of modernism’s and modernization’s aggregations.” (Nico Vicario)

ABOUT THE PANELISTS

Heidrun Holzfeind is an artist and filmmaker who questions immanent architectural and social utopias of modernist residential buildings, exploring the borders between history and identity, individual histories and political narratives of the present. Her works have been exhibited and screened at numerous art institutions and film festivals, both nationally and internationally.

Mariana Mogilevich is a historian of architecture and urbanism whose research focuses on the design and politics of the public realm. She is Editor in Chief of Urban Omnibus and teaches at Pratt Institute’s School of Architecture.

Barry Bergdoll is curator in the Department of Architecture and Design at MoMA. In 2001 he co-curated the MoMA exhibition Mies in Berlin which was dedicated to an in-depth look at Mies’s early career. Bergdoll is also Meyer Schapiro Professor of art history in the Department of Art History and Archaeology at Columbia University.

September 17 – December 17
Artists Space Books & Talks
55 Walker Street
New York
NY 10013

Organized by the collective MTL+ at the invitation of Common Practice New York, Decolonize This Place will convert Artists Space Books & Talks into a shared resource for art, research and organizing.

At the core of its process is a weekly program of public events, with collaborators from across the five boroughs anchoring assemblies, trainings, skillshares, readings, screenings, meals, and healing sessions. Confirmed participants include

Aida Youth Center—Palestine
AKA Exit
Al-Awda NY
Black Poets Speak Out
Bronx Not For Sale
Chinatown Arts Brigade
Common Practice New York
Direct Action Front for Palestine
El Salón
Global Ultra Luxury Faction (G.U.L.F.)
Hyperallergic
Insurgent Poets Society
Jive Poetic
Mahina Movement
NYC Stands for Standing Rock Organizing Committee
Queens Anti-Gentrification Network
Take Back The Bronx
Tidal: Occupy Theory, Occupy Strategy
Wing On Wo & Co.
Woman Writers Of Color

with further collaborators added through the duration of the project.

The program of outward- and inward-facing events will center five lines of political inquiry, namely: Indigenous Struggle, Black Liberation, Free Palestine, Global Wage Workers, and De-Gentrification. Different communities will be in dialogue through the space, establishing ties between groups that tend to converge around single issues. Moving beyond politics that rely upon loose definitions of commonality, Decolonize This Place seeks instead to mobilize complex differences to decenter whiteness and repatriate land.

Decolonize This Place will prioritize the presence and work of people of color and will be inclusive of queer, immigrant, and disabled participants—challenging the white supremacy that continues to characterize the economies and institutions of art.

The project will be grounded in the in-house production of posters, banners, t-shirts and other artworks, with a print station providing the means to make zines and publications. Artworks produced will be displayed in the gallery and strategically used in actions across New York, collapsing a feedback loop between exhibition and demonstration. Through this, 55 Walker Street will be coded as a site of continuous social and aesthetic production that feeds directly into movements across the city. A kitchen and greenhouse will root the project in a politics based on abundance, in an attempt to depart from an economic schema that emphasizes scarcity.

Through its three-month duration, Decolonize This Place will question how the alternative arts organization, pressured to justify ever-escalating real estate values, can re-interpret its traditional function as holdout within an art world increasingly quarried for ultra-luxury assets. At a time when so many neighborhoods see art crudely utilized to drive gentrification, what further models of community engagement can nonprofit institutions devise?

A launch and orientation party will open Decolonize This Place on Saturday, September 17th, from 6-9pm, with DJ sets and performances by traxsessions (Devin Kenny, Jesse Hlebo and guests). A website with further information, documentation and a calendar of daily activities will be launched on this date at www.decolonizethisplace.org.

The first event of Decolonize This Place will be a 50th anniversary screening of Battle of Algiers (1966) on Sunday, September 18th, noon-9pm. Titled Casbah, it will feature the film on loop between noon-6pm with an original soundtrack by Razor Step. This will precede a potluck dinner and a conversation between Sohail Daulatzai and MTL at 6pm, centered around discussion of Daulatzai’s newly released book Fifty Years of „The Battle of Algiers“: Past as Prologue (University Of Minnesota Press, September 2016).

MTL+ is comprised of Nitasha Dhillon, Amin Husain, Yates McKee and Andrew Ross, with production support from Kyle Goen and Amy Wang

Common Practice New York is an advocacy group that fosters research and discussions about the role of small-scale arts organizations in New York City. The members of Common Practice New York are Anthology Film Archives, Artists Space, Bidoun, Blank Forms, Danspace Project, Electronic Arts Intermix (EAI), ISSUE Project Room, The Kitchen, Light Industry, Participant Inc, Primary Information, Printed Matter, Recess, SculptureCenter, Storefront for Art and Architecture, Triple Canopy, and White Columns

Filmreihe im mumok

Museumsplatz 1, A-1070 Wien

Im ersten Absatz seines wunderbar wahnsinnigen Meisterwerks Auf Schwimmen-zwei-Vögel schreibt Flann O’Brien: „Ein Anfang und ein Ende pro Buch waren etwas, das mir nicht behagte. Ein gutes Buch kann drei völlig verschiedene Anfänge haben, die nur im vorausschauenden Wissen ihres Verfassers zusammenhängen, und mindestens hundertmal so viele Schlüsse.“ Dieser Logik folgend, wird die von Yuki Higashino kuratierte Filmreihe Stranded at Schwimmen-zwei-Vögel an vier Abenden vier Themen präsentieren, wobei jeder Abend unabhängig von den anderen sein wird. Alle sind eigenständig und in sich abgeschlossen. Allerdings wird ihre Verschiedenheit nicht lange bestehen bleiben, da sie sich notwendigerweise denselben Raum teilen. Sie werden also miteinander interagieren und sich ineinander auflösen. Tiere in der Architektur und Politik in Reimen.

Yuki Higashino lebt in Wien. Er hat vor kurzem in Le BBB centre d’art, Toulouse ausgestellt, weiters in der Schneiderei, Wien (2016) sowie bei Mount Analogue, Stockholm und Skånes konstförening, Malmö (2014, jeweils mit Elisabeth Kihlström). Im November 2016 wird er eine gemeinsame Ausstellung mit Elisabeth Kihlström in der Gallery G99, House of Arts, Brno, präsentieren.

Each Aspect of Life Is a Thing of Triad

Mittwoch, 5. Oktober 2016, 19 Uhr

Politik und Wirtschaft regieren unser Leben; beide Systeme und Strukturen werden in der Kunst beständig reflektiert, entweder direkt, wie in den religiösen Darstellungen von Mäzenen, oder indirekt, wie in der historischen Konzeptkunst mit seiner Übernahme einer White-Collar-Arbeitsästhetik. Künstler_innen können sich des jeweiligen Systems, innerhalb dessen sie arbeiten müssen, zu ihrem Vorteil bedienen und daraus eine eigene Produktionslogik entwickeln, die als intelligenter Gegenentwurf zu politischen und wirtschaftlichen Gegebenheiten funktioniert. Als Material mag Zeitgenössisches dienen, wie etwa in Martha Roslers sezierender Analyse einer Ausgabe der Vogue, oder Historisches, wie in der Auseinandersetzung mit dem Thatcherismus, die der Komiker Stewart Lee unternimmt. Am Ende stehen bestenfalls eine aufschlussreiche Weltsicht und eine Strategie, mit Welt und Leben zurechtzukommen, oder die simple Befriedigung, dem oft traurigen Zustand der Gesellschaft etwas abgerungen zu haben, nämlich Kunst. Die beiden an diesem Abend präsentierten Arbeiten von Michael Stevenson erinnern an Tapisserien: Fäden in unterschiedlichsten Farben werden in einem komplexen Prozess miteinander verknüpft und ergeben so ein Bild, in dem die verworrenen Verbindungen von Menschen, Orten und Ereignissen mit erstaunlicher Präzision verwoben sind.

Programm

Thirteen Black Cats, 1/56, 2015, 4 min

Stewart Lee, Jungle Canyon Rope Bridges Routine, aus: Carpet Remnant World, 2012, 15 min

Martha Rosler, Martha Rosler Reads “Vogue”, 1983, 26 min

Michael Stevenson, Introducción a la teoría de la probabilidad, 2008, 26 min

Michael Stevenson, On How Things Behave, 2010, 16 min

Vorgestellt von Yuki Higashino, Gast: Michael Stevenson

Michael Stevenson lebt in Berlin. Ausstellungen (Auswahl): VIEWING ROOM, Sculpture Center, New York (2015); Signs & Wonders, Kunsthal Charlottenborg, Kopenhagen (2015); Liverpool Biennial (2014); A Life of Crudity, Vulgarity, and Blindness, Portikus, Frankfurt/M. (2012).

They Call It Verse-Speaking

Mittwoch, 16. November 2016, 19 Uhr

Sprache ist musikalisch, und Musik ist eine Sprache. Dieses simple Diktum hat Dichter_innen und Komponist_innen von jeher inspiriert, aber ebenso bildende Künstler_innen, besonders seit der Faktor Zeit über Film, Performance und Text in die Kunst eingeführt wurde. Künstler_innen reizen die Grenzen von Worten aus, hinterfragen Sprechstrukturen, schreiben Lieder und erzählen Geschichten. Und gleichzeitig mit der Sprache als künstlerischer Spielwiese wurden die eigenen Körper ein wichtiges Ausdrucksmedium. Ob in Form von zartem Gesang oder gewagten Gedichten – Worte haben der Figur des /der Künstlers / Künstlerin beachtliche Möglichkeiten vermittelnder Qualität beschert. In Leslie Thorntons Arbeit zum Beispiel kollidiert der asketische Ansatz strukturalistischen Filmemachens mit der Intimität von Sprache, während Cecelia Condits absurde Singalongs (Lieder zum Mitsingen) einen makabren Kommentar zu unserer Konsumkultur liefern. Sue Tompkins’ Sprechkunst beruht zum Teil auf der musikalischen Erfahrung der Künstlerin und macht durch ihr einzigartiges Tempo, ihre idiosynkratische Syntax und präzise gesetzten Wiederholungen sowie ihren charakteristischen Tonfall deutlich, wie sehr Tompkins’ künstlerische und poetische Praxis musikalisch geprägt ist.

Programm

Cecelia Condit, Possibly in Michigan, 1983, 12 min

Leslie Thornton, X-TRACTS, 1975, 9 min

Imogen Stidworthy, Barrabackslarrabang, 2009–2010, 10 min

Stephen Prina, Vinyl II, 2000, 22 min

Sue Tompkins, Performance, 2016

Vorgestellt von Yuki Higashino, Gast: Sue Tompkins

Sue Tompkins lebt in Glasgow. Ausstellungen (Auswahl): The Gallery of Modern Art, Glasgow, Glasgow International (2014); Its chiming in Normaltown, Midway Contemporary Art, Minneapolis (2012). Performances (Auswahl): LETHERIN THROUGH THE GRILLE, White Columns, New York (2014); Schottischer Pavillon, Venedig-Biennale (2005).

Outwardly a Rectangular Plain Building,

Inside Is Composed of Large Black and White Squares

Mittwoch, 14. Dezember 2016, 19 Uhr

Aufgrund ihrer Eigenschaften, unser Leben zu umgeben, Zeit zu dokumentieren und selbst zu einem Bild zu werden, sowie ihrer Bemühungen, verschiedene Disziplinen zu verschmelzen, hat die Architektur bei Künstler_innen stets Faszination und Verblüffung hervorgerufen. In der Arbeit von Judith Hopf ist Architektur der Ort schierer Verzweiflung, wohingegen Aglaia Konrad sich liebevoll und ruhig einem Gebäude widmet. Geschichte, Theorie und Sprache der Architektur – sowie die Notationen ihrer erstarrten Musik – dienen als ergiebige Quellen und nützliche Modelle für die Produktion von Kunst. Womit sich Architektur über das einzelne Gebäude hinausgehend beschäftigt, ist auch für bildende Künstler_innen von Belang: rurale, urbane und klangliche Landschaften, Synchronizität und Diachronie, Lifestyle und Stilfragen, Flanieren im philosophischen Sinn sowie Dauerhaftigkeit. Die überaus facettenreichen Arbeiten von Tris Vonna-Michell lassen unzählige Lesarten zu. An diesem Abend wird der Fokus auf der Beziehung des Künstlers zu Architektur liegen: die Art und Weise, wie seine sprach- und fotografiebasierte Praxis architektonischen und urbanen Raum erfüllt.

Programm

Aglaia Konrad, Concrete & Samples II Blockhaus, 2009, 10 min

Florian Pumhösl, Programm, 2006, 8 min

Knowles Eddy Knowles, Agora, 2015, 11 min

Yuki Higashino, Poundbury Horror, 2013–2016, 21 min

Judith Hopf, Some End of Things: The Conception of Youth, 2011, 4 min

Tris Vonna-Michell, A Watermark: Capitol Complex, 2016, 7 min

Tris Vonna-Michell, Postscript III-V (Berlin), 2013, 9 min

Tris Vonna-Michell, Wasteful Illuminations (working title / work in progress)

Vorgestellt von Yuki Higashino, Gast: Tris Vonna-Michell

Tris Vonna-Michell lebt in Stockholm. Ausstellungen (Auswahl): Presentation House Gallery, Vancouver (2015); A story within a story, 8. Internationale Göteborg-Biennale für zeitgenössische Kunst (2015); VOX, Centre de l’image contemporaine, Montreal (2014); Turner Prize 2014, Tate Britain, London (2014).

A Curious Offspring Azoic in Nature

Mittwoch, 18. Januar 2017, 19 Uhr

Wollte man den Erfolg einer philosophischen Idee an ihrer Verankerung im allgemeinen Bewusstsein messen, wäre Marx’ Konzept des Warenfetischismus ein heißer Kandidat für den ersten Platz. Die Idee, dass Waren sich verhalten können, als besäßen sie ein eigenes Leben, oder dass sie uns dazu bringen, uns so zu verhalten, als hätten sie eines, ist in unserer Gedankenwelt so verwurzelt, dass sie schon beinahe zu einem Gemeinplatz geworden ist. Viele Aspekte unseres Alltagslebens und unserer Kultur werden so verständlich, vom Sammeln von alten Autos über HAL 9000 aus Kubricks2001: Odyssee im Weltraum bis hin zu dem „Uncanny Valley“-Problem hochentwickelter Roboter und digitaler Animation. In Arbeiten von Michael Eddy oder Elizabeth Price etwa werden kapitalistische Symbole wie Kreditkarten (Eddy) oder Luxusautos (Price) als beseelt präsentiert. Was wäre, wenn ein ökonomisches System – und damit der Austausch von Gütern und Kapital – einem Ökosystem ähneln würden? Für Künstler_innen bedeutet das eine Verwischung der Trennung von Lebensreflexion und Imitation artifizieller Systeme. Als empfindungsfähige Artefakte scheinen die digitalen Wesen in Ann Lislegaards Arbeiten unsere Welt bereits verlassen zu haben und ihr eigenes Universum zu bewohnen, einen fiktionalen Raum aus diversen Science-Fiction-Welten.

Programm

Jean Painlevé, La Pieuvre, 1927, 12 min

Elizabeth Price, West Hinder, 2012, 22 min

Michael Eddy, Infinite Cruelty, for nothing, 2016, 33 min

Ann Lislegaard, Time Machine, 2011, 13 min

Ann Lislegaard, Oracles, Owls… Some Animals Never Sleep, 2012–2014, 10 min

Ann Lislegaard, Dobaded Dobaded, 2014–2015, 5 min

Ann Lislegaard, Spinning and Weaving Ada, 2016, 3 min

Vorgestellt von Yuki Higashino, Gast: Ann Lislegaard

Ann Lislegaard lebt in New York und Kopenhagen. Ausstellungen (Auswahl): Paraspace, Tel Aviv Museum (2015); What if, MOCAD – Museum of Contemporary Art Detroit (2009); Science Fiction and Other Worlds, Astrup Fearnely Museum of Modern Art, Oslo (2007); Dänischer Pavillon, 51. Venedig-Biennale (2005).

Edmund Kuppel erhält den diesjährigen Käthe-Kollwitz-Preis der Akademie der Künste. Mit der Auszeichnung ehrt die Akademie einen Künstler, der mit seinem Werk Pionierarbeit zum Verhältnis von Fotografie und Skulptur geleistet hat. Sein umfangreiches Werk kreist um die Entstehungsprozesse, die technischen Bedingungen und die Wahrnehmung des Fotografierens.

Anlässlich der Preisverleihung zeigt die Akademie ausgewählte Arbeiten des Künstlers, die seit Anfang der 1970er Jahre entstanden sind. In der Ausstellung sind skulpturale Fotoarbeiten, Filme, Videos, individuelle Vorführgeräte und Installationen für Projektionen sowie Das Kabinett des Ferdinand von Blumenfeld zu entdecken. Erstmals zeigt Edmund Kuppel den Film Les marches du héros absurde (2016).

Zur Ausstellung erscheint ein Künstlerbuch.

Wednesday, September 28, 2016, 7pm

Hunter MFA Studios 

205 Hudson Street, second floor

Entrance on Canal Street

New York

www.hunter.cuny.edu

The Hunter College Department of Art and Art History is pleased to announce a public lecture by Dr. Omar Kholeif, Manilow Senior Curator at the Museum of Contemporary Art, Chicago, Wednesday, September 28, 2016, at 7pm at Hunter’s MFA Studios, 205 Hudson Street in Tribeca, in Manhattan.

In his talk, Dr. Kholeif, the Fall 2016 Foundation To-Life, Inc. Arthur and Carol Kaufman Goldberg Visiting Curator, reflects on image making in and around the Arab world. Using this context as a starting point, he pursues a broader discussion about how visual culture is shifting in what is arguably now a post-digital age: how was the euphoric language around endless springs co-opted and transformed into a fleeting form of soft power? How was the shape of images transformed through the digital distribution mechanisms of the internet? How did artists and cultural practitioners respond to this evolving, „revolutionary“ culture? Tracing a genealogy of image making, Kholeif proposes a speculative manifesto that considers the often emotional relationship between politics and the visual culture it produces.

Widely considered one of the world’s leading specialists of modern and contemporary art of the Middle East and North Africa as well as contemporary art and technology, Dr. Omar Kholeif is the Manilow Senior Curator at the Museum of Contemporary Art Chicago. His curatorial work has focused on the intersection of politics, narrative and geography, for an increasingly hyperlinked world. Prior to his appointment at MCA Chicago, Kholeif was Curator at the Whitechapel Gallery, London; Senior Curator at Cornerhouse and HOME, Manchester; Senior Editor of Ibraaz Publishing; Head of Art and Technology at SPACE, London; Curator at FACT, Liverpool; Artistic Director, Arab British Centre, London, and founding director of the UK’s Arab Film Festival. 

Kholeif has curated or co-curated over one hundred exhibitions, commissions, and special projects including the Cyprus Pavilion at the 56th Venice Biennale, the Abraaj Group Art Prize, the Liverpool Biennial, and „Focus: Middle East, North Africa and the Mediterranean“ at the Armory Show, New York. He is author or editor of over 20 books including You Are Here: Art After the Internet (2014), Moving Image (2015), The Rumors of the World: Re-thinking Trust in the Age of the Internet (2015), and Electronic Superhighway: From Experiments in Art and Technology to Art After the Internet (2016). His work has been published widely in a variety of venues, including The Guardian, Art Monthly, Wired, Mousse, frieze, and Camera Austria for which he writes a quarterly column. Kholeif is a Fellow of the Royal Society of Arts, a Churchill Fellow, and a member of AICA, the International Association of Art Critics.

The Foundation To-Life, Inc. Arthur and Carol Kaufman Goldberg Curatorial Workshops are designed to bring curators of international stature to the Hunter campus to work with students in the MA program in Art History and the MFA program in Studio Art for an extended period of time. During his residency at Hunter this semester, Dr. Kholeif will lead a seminar on the theme of „Expanding the Field of Exhibition Making,“ and meet with students individually and in small groups. The Foundation To-Life Curatorial Workshop program recognizes the curatorial interests and ambitions of Hunter students and the Hunter College Art Galleries‘ longstanding commitment to exhibitions whose themes, theses, and checklists have been developed and honed by our students. In the past few years, faculty-initiated, seminar-based exhibitions have included Critical Gestures/Contested Spaces: French Art and Politics in the 1960s and Boundless Reality: Traveler Artists‘ Landscapes of Latin America from the Patricia Phelps de Cisneros Collection (both 2016), Open Work in Latin America, New York & Beyond: Conceptualism Reconsidered 1967-1978 (2013), Peripheral Visions: Italian Photography in Context, 1950s-Present (2012), and Objects of Devotion and Desire: Medieval Relic to Contemporary Art (2011).

Margherita Spiluttini erhält den Österreichischen Staatspreis für künstlerische Fotografie. Die Auszeichnung, die seit 1991 in unregelmäßigen Abständen verliehen wird, ist mit 22.000 Euro dotiert und wird der gebürtigen Salzburgerin am 29. September im Bundeskanzleramt in Wien verliehen. Die Laudatio wird Otto Kapfinger halten. Bis dato letzter Preisträger war Peter Dressler im Jahr 2013.

“Margherita Spiluttini ist zurecht eine der renommiertesten Architekturfotografinnen Europas”, würdigte sie Kulturminister Thomas Drozda (SPÖ) gegenüber der APA. “Mit ihrer herausragenden Bildsprache schreibt Spiluttini Fotografiegeschichte. Die architektonischen und landschaftlichen Motive ihrer Fotografien demonstrieren eine behutsame Herangehensweise, Gebautes wird nicht in spektakulären Ansichten, sondern stets im Kontext der Umgebung gezeigt.”
Spiluttini wurde 1947 in Schwarzach im Pongau geboren und absolvierte eine Ausbildung als radiologisch-technische Assistentin, bevor sie sich 1981 als freischaffende Fotografin selbstständig machte. Sie hat sich in ihrem Schaffen intensiv mit Architektur auseinandergesetzt. Ihr Fotoarchiv befindet sich mittlerweile in der Sammlung des Architekturzentrums Wien. Zu den zahlreichen Auszeichnungen Spiluttinis gehören das Österreichische Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst sowie das Goldenen Verdienstzeichen des Landes Wien.

(APA)

Bildanalytische Photographie 1968 – 1974, 2. Juli bis 25. September 2016, Kupferstich-Kabinetts, Staatliche Kunstsammlungen

Die Bildanalytische Photographie gilt als ein Hauptwerk konzeptueller Fotografie der 1960er und 1970er Jahre in Deutschland. Darin lotet Timm Rautert in 56 Bildkompositionen Bedingungen, Möglichkeiten und Grenzen der Fotografie aus und thematisiert Fragen künstlerischer Autorschaft, von Einzelbild und Serie, Glaubhaftigkeit und Manipulation.

Das Symposium beginnt am Freitag, den 16. September 2016, mit einem Abendvortrag von Prof. Dr. Peter Geimer über den Eigenwert der Fotografie im Zeitalter des Digitalen. Am Samstag, den 17. September 2016, werden in sechs Vorträgen verschiedene Aspekte der Bildanalytischen Photographie vorgestellt und diskutiert – vom Begriff der Grammatik einer Fotografie über die sozialen Gebrauchsweisen, den Stellenwert des Zyklus im Gesamtwerk Timm Rauterts bis hin zu zeitgenössischen künstlerischen Umgangsformen, die sich mit bildanalytischen Fragestellungen beschäftigen.

Eine Veranstaltung des Kupferstich-Kabinetts, Staatliche Kunstsammlungen Dresden im Hans-Nadler-Saal, Residenzschloss, Taschenberg 2, 01067 Dresden.

Um Anmeldung bis zum 5. September 2016 wird gebeten: kk@skd.museum

Die Teilnahme ist kostenlos.

Programm

Freitag, 16. September 2016

18.30 Uhr Peter Geimer (Berlin)

Was war Fotografie? Sieben Bilder, sieben Kommentare

Samstag, 17. September 2016

9.30 Uhr Einführung

10 Uhr Steffen Siegel (Essen)

Der Kontrakt des Fotografen. Timm Rauterts Fototheorie in Bildern

11 Uhr Kaffeepause

11.15 Uhr Falk Haberkorn (Leipzig)

Ohne Worte. Das unbegreifliche Bild

12 Uhr Christina Natlacen (Leipzig)

Die Fotografie Gebrauchsanweisung. Die Bildanalytische Photographie vor dem Hintergrund der sozialen Gebrauchsweisen der Fotografie

12.45 Uhr Mittagspause

13.45 Uhr Florian Ebner (Essen)

No photographing. Über Repräsentation und Anti-Repräsentation in Timm Rauterts frühem Werk

14.30 Uhr Bertram Kaschek (Dresden)

Die Fiktionalität des Faktischen. L’Ultimo Programma als bildanalytisches Spielfeld

15.15 Uhr Kaffee & Kuchen

15.45 Uhr Maren Lübbke-Tidow (Berlin)

Transformationen: Gegenwärtige bildanalytische Konzeptionen in der zeitgenössischen künstlerischen Fotografie

16.30 Uhr Fragen und Abschlussdiskussion

17 Uhr Ausstellungsrundgang mit Timm Rautert

Moderation: Linda Conze und Rebecca Wilton

18 Uhr Ende des Symposiums mit Weinempfang und Auflösung Richtung Museumsnacht

Referentinnen und Referenten

Florian Ebner ist Leiter der Fotografischen Sammlung des Museum Folkwang in Essen.

Peter Geimer ist Professor für Neuere und Neueste Kunstgeschichte an der Freien Universität Berlin und leitet dort das Forschungskolleg »BildEvidenz. Geschichte und Ästhetik«.

Falk Haberkorn ist Künstler und Autor.

Bertram Kaschek ist Kunsthistoriker und forscht derzeit als Stipendiat der Volkswagen-Stiftung zum fotografischen Werk Christian Borcherts am Dresdner Kupferstich-Kabinett.

Maren Lübbke-Tidow ist Autorin, Kuratorin und Dozentin. Von 2010 bis 2014 war sie Chefredakteurin der Zeitschrift Camera Austria International und Kuratorin des Hauses. Zahlreiche Ausstellungen und Publikationen.

Christina Natlacen ist Juniorprofessorin für Medien- und Kulturwissenschaft an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig.

Steffen Siegel ist Professor für Theorie und Geschichte der Fotografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen.

Storytellers, 5. 7. – 25 .9. 2016

Programme

Portfolio Reviews

Photographers lead and guide us through the subjects that drive them. They document, search and investigate. Photographers are investigators. They know their subjects like the backs of their hands. When they go out on the field, they meet, interact and explore. Photographers are explorers. Looking for new territories, they bear witness to the world’s vastness, interrogate history and question the medium. They are neither historians nor sociologists, but artists who construct a visual cosmology out of still or moving images, texts or sounds. They take us along on their stories. Photographers are storytellers. Examples include Laia Abril, who, in the first chapter of her chronicle of misogyny, focuses on abortion; João Pina, who spent over 10 years investigating Operation Condor and the disappearance of

60,000 political prisoners in six South American dictatorships; and Yan Morvan’s imposing encyclopaedia of battlefields.

AN ARSENAL TO SUPPORT CREATION

As always, the 47th Rencontres d’Arles is an observatory of artistic practices. Our festival plays an active role in revealing trends and talents. Artists need financial support not just to stage their exhibitions, but beforehand, to help them fund the production of their projects. That is why new creations have a key place in the programme. From awards to residencies, the Rencontres d’Arles now has a veritable arsenal of financial aid for production. This year, we have strengthened it by creating a residency. The first recipient is photographer Stéphanie Solinas.

The Luma Rencontres Dummy Book Award, now entering its second year, identifies the most relevant dummy books when they are still in the planning stages and funds the winner’s publication. Yann Gross, its first recipient, is publishing „The Jungle Book“, a vast Amazonian epic. His project is continuing as an installation, „The Jungle Show“.

The Rencontres d’Arles has handed out the Discovery Award for over a decade. The idea is simple: five recognised figures from the art world nominate two artists each; parity has been the rule since 2015. We produce exhibitions for each of them and a jury of professionals votes for the winner, who receives

€5 000 to continue his or her work.

Lastly, the Photo Folio Reviews gives awards to five very young artists with promising projects. The festival produces a show of works by the winner. This year, it is an exhibition of photographs by Piero Martinello.

IN SEARCH OF THE OTHER PHOTOGRAPHY

Images are their words. Whether they produce or borrow them, it is not just the gesture that shapes the artists’ works, but the idea of activation. The artists appropriate anonymous images, take them out of the context in which they were produced, activate them in the field of art, share them with the public by offering a new interpretation and divert them from the purposes for which they were originally intended.

The contamination of the vernacular image is now widespread. An artist, Agnès Geoffray, and a photography historian, Julie Jones, teamed up to examine the practice. Their exhibition, „Where the Other Rests“, reveals the itineraries of images—shifts in nature, value and uses. The show pays tribute to a generation of artists who collect and awaken forgotten images borrowed from others.

The study of popular culture also offers a huge iconographic repertory—often, anonymous images whose initial purpose was primarily utilitarian: illustrating a magazine, publicising a film or documenting daily life. Today, collectors, artists, historians and institutions are increasingly interested in these low-quality images, this other photography. Examples include director Sébastien Lifshitz and the astonishing pictures of transvestites he collected over a 30-year period (the „Sincerely Queer“ exhibition); Thomas Mailaender and Marc Bruckert’s contrasting perspectives on the stupid and nasty archives of „Hara Kiri“; and the history of the Camarguais Western, from Joë Hamman holding up the train between Arles and Saintes-Maries-de-la-Mer (1910) to a galloping, singing Johnny Hallyday in „Pour Moi la Vie Va Commencer“ („D’où Viens-tu Johnny?“, 1963). We tell the story with the Musée de la Camargue.

AFRICA POP !

The festival looks kindly upon youth and new practices but is also receptive to the world and sets its sights on other places. This year, talented photographers and curators showcase an unexpected, surprising, funny, pop Africa at the 47th Rencontres. Aida Muluneh, the artistic director of Addis Foto Fest—the Addis Ababa photo festival—joins the Discovery Award nominating team and defends the work of Sarah Waiswa and Nader Adem. Through works by approximately 10 artists, Azu Nwagbogu, director of the LagosPhoto festival, looks into the Nollywood film studios’ influence on African photography. In Maud Sulter’s photomontages, however, African and European cutures collide. Lastly, Richard Minier, Thomas Mondo and Madé Taounza tell us the amazing story of Las Maravillas. The Malian music group becomes a wonderful pretext to revisit the swinging ambiance of 1960s Bamako immortalised by the great Malick Sidibé.

RIP

Despite the deaths of Lucien Clergue and Michel Tournier, who both founded the Rencontres d’Arles together with Jean-Maurice Rouquette, our festival is alive and well after 47 years. It is thriving because the same determination, the same passion and the same desire to stand up for photography and artists together drives the whole Rencontres d’Arles team.

Arles and the surrounding area will be photography’s standard-bearers again this summer.

(Sam Stourdzé, Director of the Recontres d’Arles)

Artists/Participants: Daniel Spoerri (CH/AU), Samy Briss (RO/FR), Olga Stefan (RO/USA/CH)/Miklos Klaus Rozsa (HU/CH)/Gabi Basalici (RO), Elianna Renner (CH/G), Myriam Lefkowitz (FR/USA), David Schwartz/ Katia Pascariu/ Ioana Florea/ Alice Marinescu (RO), Romulus Balazs (RO/FR), Simcha Jacobovici (IL/CA)

Curated by Olga Stefan/Itinerant Projects

June 27 – August 30, 2016, Iasi, Romania / Tranzit

Through oral histories and biographical material, the multi-site and multi-media contemporary art exhibition explores the impact on the destinies of survivors of the events of June 27-June 30, 1941 in Iasi, when about 13,000 Jews were killed by the Romanian authorities at the behest of Marshal Ion Antonescu, Romania’s fascist leader, in the largest pogrom in Europe. 

Coinciding with the 75th anniversary of this dark moment in Romanian history, one that has been largely ignored by Romanian society and manipulated politically, the project in Iasi considers the impact of war, violence and persecution on the destinies of victims and their descendants, the past generation’s interrupted biographies that parallel those of today, albeit in other geographical areas.

The exhibition will feature two parts: a historical one including a presentation of written material about the pogrom created by émigré writers who trace their roots to Iasi and who analyse this event through an autobiographical prism, and a contemporary art section that also features film screenings, discussions, and a theater play.

Like the historical section, the contemporary art projects produced especially for the exhibition are by artists whose fate brought them to Switzerland, Germany, Israel, and France yet they trace their roots to Iasi or other parts of Romania, from where their family were forced to flee war or repressive politics. The projects are stories of migrations, displacement, assimilation, memory and forgetting, while reflecting on the notions of home, identity and belonging. 

The exhibition and events take place in art and cultural spaces that during the pogrom were located very close to, or were actually themselves former sites of street massacres, inherently carrying this forgotten history that although invisible today, needs to be reclaimed, and thus inevitably questioning how a city remembers its past. 

Kursprogramm: 18. 6. – 27. 8. 2016

Tagung: 5./6. 8. 2016

Kursprogramm Festung Hohensalzburg, Mönchsberg 34, 5020 Salzburg
Tagung Künstlerhaus Salzburg, Hellbrunner Straße 3, 5020 Salzburg

„Globale Akademie?“ ist das Motto des Kursprogramms und der Tagung der Internationalen Sommerakademie. Bereits seit ihrer Gründung 1953 ist die Sommerakademie der Internationalität ihrer Lehrenden und Studierenden verpflichtet. Die Vorstellung jedoch davon, was die internationale bzw. globale Kunstwelt umfasst, hat sich seither sukzessive erweitert. Mittlerweile kommen die Studierenden aus mehr als 50 Ländern und die Lehrenden tatsächlich aus dem globalen Kunstbetrieb.

Kursprogramm
Wie kann Kunst aus verschiedenen Regionen der Welt sowohl lokal wirksam als auch global verstanden und vermittelt werden? Auf welchem kulturellen Wissen baut die Kunstproduktion, -rezeption und -vermittlung auf und wer kann was von wem lernen? Wie
kann man eine gemeinsame Sprache finden und wie funktionieren dabei die Übersetzungsprozesse? Damit befassen sich auf die eine oder andere Art und Weise die 22 Kurse, die eine große Vielfalt unterschiedlicher künstlerischer Themenstellungen abdecken. Sie reichen von aktueller Malereiforschung mit Varda Caivano, über Das Buch als gedruckter Raum mit Bernhard Cella, bis zu Steinbildhauerei mit Andreas Lolis oder dem Malereikurs Hommage vonTex Rubinowitz. Das Thema Globalisierung stellt sich dabei jeweils spezifisch. So untersucht feld72 im Kurs Public Space, wie in der Stadt Salzburg das Globale auf das Lokale und das Regionale trifft und wie das seinen Ausdruck in der Gestalt und den Ökonomien der Stadt findet. Alya Sebti fragt, wie KuratorInnen die großen Herausforderungen, die durch die Unübersichtlichkeit unzähliger neuer globaler Kunstszenen entsteht, meistern können, wie unter diesen Bedingungen recherchiert und die neuen Impulse in der eigenen Arbeit fruchtbar gemacht werden können.

Tagung
Wie Kunst lernen und lehren in der globalisierten Welt?
Die staatlichen Akademien sind zunehmend global ausgerichtet, unzählige Atelierprogramme für Auslandsaufenthalte auf der ganzen Welt ermöglichen KünstlerInnen und KuratorInnen an spezifischen Orten Kontakte zu knüpfen und zu recherchieren. Der Fokus dieser Tagung liegt jedoch auf Modellen und Initiativen für unterschiedliche formelle und überwiegend informelle Kunstaus- und -weiterbildungsmöglichkeiten, wie z.B. Spring Sessions in Amman, ruangrupa inJakarta, Casas Tres Patios in Medellin, RAW in Dakar, Roaming Academy in Arnhem oder Open school East inLondon. Einige dieser Institutionen programmieren Ausstellungen, Vorträge, Residencies und darüber hinaus auch kürzere und längere Workshops, Kurse und andere Ausbildungsmodule, andere sind vorwiegend „Schulen“. Die hier getroffene Auswahl ist exemplarisch und versucht unterschiedliche Modelle, Methoden und Organisationsformen zu vergleichen. Gemeinsam ist ihnen die globale Perspektive auf der einen Seite und die lokale Verankerung auf der anderen sowie der Anspruch sich permanent zu erneuern und neue Modelle zu entwickeln und auszuprobieren.

Am Freitagabend geben zwei Vorträge einen Einblick in die Thematik der Tagung. Sam Thorne (Nottingham Contemporary) wird über den aktuellen Stand der Diskussion um innovative Modelle berichten. Regina Bittner (Bauhaus Akademie Dessau) wird über die Weltuniversität in Shantiniketan als wichtiges historisches Beispiel einer Kunstschule in Indien sprechen und dessen Beziehungen zum Bauhaus in Dessau thematisieren. Am Samstag folgen Präsentationen unterschiedlicher Institutionen und Initiativen.

Die Teilnahme an der Tagung ist kostenfrei. Eine Anmeldung bis zum 20. Juli 2016 erfolgt via Email an:office@summeracademy.at

Detaillierte Informationen finden Sie im Webauftritt der Sommerakademie unter: www.summeracademy.at

Trevor Paglen (b.1974, USA) has been awarded the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2016 at a special ceremony in The Photographers’ Gallery this evening, Thursday 2 June 2016. The £30,000 award was presented by BBC journalist and HARDtalk presenter Stephen Sackur. 

The Prize is awarded to a photographer of any nationality for their significant contribution to the medium of photography either through an exhibition or publication, in Europe between 1 October 2014 and 30 September 2015. 

Paglen won for his exhibition The Octopus at Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, Germany (20 June – 30 August 2015). Paglen’s project aims to represent complex topics like mass surveillance, data collection, classified satellite and drone activities and the systems of power connected to them. Paglen’s installation comprise images of restricted military and government areas, skylines showing the flight tracks of passing drones, sculptural elements and research assembled in collaboration with scientist, amateur astronomers and human rights activists. Through his work Paglen demonstrates that secrets cannot be hidden from view, but that their traces and structures are visible evidence in the landscape.

Trevor Paglen was chosen by jury members: David Drake, Director Ffotogallery, Cardiff; Alfredo Jaar, Artist; Wim van Sinderen, Senior Curator at The Hague Museum of Photography; Anne-Marie Beckmann, Director, Deutsche Börse Photography Foundation and Brett Rogers, Director, The Photographers’ Gallery as the non-voting chair.

The other shortlisted artists for the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2016, each awarded £3,000, are: Laura El-Tantawy (b. 1980, UK/Egypt) for her self-published photobook In the Shadow of the Pyramids (2015); Erik Kessels (b. 1966, The Netherlands) for his exhibition Unfinished Father at Fotografia Europea, Reggio Emilia, Italy (15 May – 31 July 2015) and Tobias Zielony (b. 1973, Germany) for The Citizen, exhibited as part of the German Pavilion presentation at the 56th Biennale of Arts, Venice, Italy (9 May – 22 November 2015).

The Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2016 is organised by The Photographers’ Gallery and is on display until 3 July 2016. It will be followed by a presentation at the Deutsche Börse headquarters in Frankfurt/Eschborn from 1 September – 31 October 2016.

Brett Rogers, non-voting Chair of the Jury and Director of The Photographers’ Gallery said, on behalf of the jury: The jury recognised Trevor Paglen’s project The Octopus for its significant contribution to current issues that deal with the disquieting impact of the unseen aspects of technology on our daily lives. They acknowledged the depth of research and variety of approaches he has developed to deal with subjects ranging from government and military surveillance to drone warfare.  He successfully transforms these invisible means of control into compelling aesthetic objects and photographs, often referencing modernist paintings. 

Anne-Marie Beckmann, Director, Deutsche Börse Photography Foundation said: We congratulate the winner of the Deutsche Börse Photography Foundation Prize 2016, Trevor Paglen. It is our great pleasure to continue the long term-commitment to the Prize and our engagement in promoting contemporary photography with the newly established Deutsche Börse Photography Foundation. We are delighted to present one of the most renowned photography prizes under its new title.

4. 6. – 18. 9. 2016

blog.berlinbiennale.de

Die 9. Berlin Biennale könnte zeitgenössische Kunst involvieren. Die Prancing Elites könnten die offiziellen MarkenbotschafterInnen der 9. Berlin Biennale werden. Ein Pop-Album von bildenden KünstlerInnen könnte die Pressemitteilung ersetzen. Performancekunst könnte die Zukunft fortschrittlicher Innenarchitektur sein und Krankheitstage der PerformerInnen könnten vergütet werden. Die KW Institute for Contemporary Art könnten Quadratmeter mit der Mall of Berlin tauschen. Die 9. Berlin Biennale könnte die Gegenwart in Drag wiedergeben. Oder auch nicht. (DIS)

Kuratorisches Team ist das New Yorker Kollektiv DIS mit den Mitgliedern Lauren Boyle, Solomon Chase, Marco Roso und David Toro.

Die kulturellen Interventionen von DIS bespielen eine große Spannbreite unterschiedlicher Medien und Plattformen, von ortsspezifischen Museums- und Galerieausstellungen wie CO-WORKERS – Network as Artist (2015, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris), Ocean of Images: New Photography 2015 (The Museum of Modern Art, New York, US), DIS Image Studio (2013, The Suzanne Geiss Company, New York, US), ProBio im Rahmen von EXPO 1: New York (2013, MoMA PS1, New York, US) oder Dressing the Screen (2012, für den British Council, UCCA, Peking) bis hin zu fortlaufenden Online-Projekten. Unter diesen ist besonders DIS Magazine hervorzuheben, eine virtuelle Plattform, die sich mit Kunst, Mode, Musik und Kultur beschäftigt sowie neue kreative Praktiken gestaltet und unterstützt. Jüngste Projekte beinhalten DISimages, 2013, eine professionell arbeitende Bildagentur, die Künstlerinnen und Künstler anwirbt, Bilder für den privaten und kommerziellen Nutzen zu produzieren, sowie DISown, ein Einzelhandelsunternehmen mit dem Ziel, kreative Wirtschaftsbereiche zu erweitern. Durchgängig erforschen DIS in allen ihren Arbeiten die Spannungsfelder zwischen Populärkultur und institutioneller Kritik, indem sie ihre Projekte im Internet zur Verfügung stellen – dem öffentlichsten und demokratischsten aller Foren.

9. 6. – 19. 6. 2016, Łódź / Poland

www.fotofestiwal.com

This year’s anniversary edition of Fotofestiwal will begin on 9 June 2016 and last until 19 June 2016. The main theme of the fifteenth festival will be the experience intrinsically linked to photography from its very beginning – travel and the various forms of its recording and presentation.

The main theme, HIT THE ROAD: Photographers’ travel will comprise not only generic postcard photography, but also the forms that transcend it – conceptual, journalist and documentary photography.

We will take a look at the works of ROBERT RAUSCHENBERG, co-creator of pop-art, and at the photographs of DAVID “CHIM” SEYMOUR, one of the originators of the world famous Magnum Photos photo agency. The exhibitions under the Hit the Road scheme are curated by Alison Nordström, the artistic director of the Fotofestiwal and for many years, the curator of George Eastman House at Rochester, NY. The International Photography Festival in Łódź will also feature slideshows, over thirty exhibitions in the OFFROAD section (including photographs by Zdzisław Beksiński), portfolio review, Grand Prix exhibitions, photographic workshops and photowalks, as well as a large section devoted to photobooks (such as Photographic Publication of the Year and a presentation of books competing for the Aperture Foundation Photobook Awards). The festival also returns – in cooperation with Transatlantyk – to a film programme. We will present the freshest and the most interesting films on photographers and photography.

Fotofestiwal was born in 2001 as one of the first photography events in Poland. Since then, both photography and the ways of organising cultural events have changed. Fotofestiwal has always been up to date with these changes. It is intended as a space for various forms of photography and a forum for discussion on art and society, but also as a search for alternative methods of talking about photography and presenting it.