Screening at the Austrian Cultural Forum in NY: Heidrun Holzfeind, Colonnade Park

COLONNADE PARK (54 min, 2011)

Oct 5, 7pm

ACFNY / Austrian Cultural Forum New York, 11 E 52nd St, New York, NY 10022

On occasion of Archtober 2016 – New York City’s Architecture and Design month – the ACFNY presents a special screening of Heidrun Holzfeind’s Colonnade Park. The film explores architect Mies van der Rohe’s high rise apartment buildings in Newark and the lives and stories of the people inhabiting it. The screening will be followed by a panel discussion with Austrian artist Heidrun Holzfeind, architecture historian Mariana Mogilevich and MoMA curator Barry Bergdoll.

The film portrays Mies van der Rohe’s Colonnade and Pavilion apartment buildings in Newark through conversations with its inhabitants. Built between 1954 and 1960, Mies’ three glass-and-steel towers and the Christopher Columbus Homes, a public housing project in between them, marked the beginning of urban renewal in Newark. Interviews with tenants about their experiences of living in the classic modernist buildings are juxtaposed with shots of their apartments and stunning views from their windows.

“An interesting thing about Heidrun Holzfeind’s work […] is the way it leads us to ask a different sort of question. That is, it manifests a notion of architecture not purely as image, not purely as volume, but as social space, as a molding and molded shell homologous to other social structures reactive with its users, its residents. Holzfeind’s work eludes the category of artifact because the unquantified social relations within and without replace the archeologist’s brush and magnifying glass. It is not buried and unearthed but always inhabited, always operative. It is not concerned with the question of modernism per se but rather with the inter-secting subjectivities produced in spite and because of modernism’s and modernization’s aggregations.” (Nico Vicario)


Heidrun Holzfeind is an artist and filmmaker who questions immanent architectural and social utopias of modernist residential buildings, exploring the borders between history and identity, individual histories and political narratives of the present. Her works have been exhibited and screened at numerous art institutions and film festivals, both nationally and internationally.

Mariana Mogilevich is a historian of architecture and urbanism whose research focuses on the design and politics of the public realm. She is Editor in Chief of Urban Omnibus and teaches at Pratt Institute’s School of Architecture.

Barry Bergdoll is curator in the Department of Architecture and Design at MoMA. In 2001 he co-curated the MoMA exhibition Mies in Berlin which was dedicated to an in-depth look at Mies’s early career. Bergdoll is also Meyer Schapiro Professor of art history in the Department of Art History and Archaeology at Columbia University.

Decolonize This Place, Artist Space NY

September 17 – December 17
Artists Space Books & Talks
55 Walker Street
New York
NY 10013

Organized by the collective MTL+ at the invitation of Common Practice New York, Decolonize This Place will convert Artists Space Books & Talks into a shared resource for art, research and organizing.

At the core of its process is a weekly program of public events, with collaborators from across the five boroughs anchoring assemblies, trainings, skillshares, readings, screenings, meals, and healing sessions. Confirmed participants include

Aida Youth Center—Palestine
AKA Exit
Al-Awda NY
Black Poets Speak Out
Bronx Not For Sale
Chinatown Arts Brigade
Common Practice New York
Direct Action Front for Palestine
El Salón
Global Ultra Luxury Faction (G.U.L.F.)
Insurgent Poets Society
Jive Poetic
Mahina Movement
NYC Stands for Standing Rock Organizing Committee
Queens Anti-Gentrification Network
Take Back The Bronx
Tidal: Occupy Theory, Occupy Strategy
Wing On Wo & Co.
Woman Writers Of Color

with further collaborators added through the duration of the project.

The program of outward- and inward-facing events will center five lines of political inquiry, namely: Indigenous Struggle, Black Liberation, Free Palestine, Global Wage Workers, and De-Gentrification. Different communities will be in dialogue through the space, establishing ties between groups that tend to converge around single issues. Moving beyond politics that rely upon loose definitions of commonality, Decolonize This Place seeks instead to mobilize complex differences to decenter whiteness and repatriate land.

Decolonize This Place will prioritize the presence and work of people of color and will be inclusive of queer, immigrant, and disabled participants—challenging the white supremacy that continues to characterize the economies and institutions of art.

The project will be grounded in the in-house production of posters, banners, t-shirts and other artworks, with a print station providing the means to make zines and publications. Artworks produced will be displayed in the gallery and strategically used in actions across New York, collapsing a feedback loop between exhibition and demonstration. Through this, 55 Walker Street will be coded as a site of continuous social and aesthetic production that feeds directly into movements across the city. A kitchen and greenhouse will root the project in a politics based on abundance, in an attempt to depart from an economic schema that emphasizes scarcity.

Through its three-month duration, Decolonize This Place will question how the alternative arts organization, pressured to justify ever-escalating real estate values, can re-interpret its traditional function as holdout within an art world increasingly quarried for ultra-luxury assets. At a time when so many neighborhoods see art crudely utilized to drive gentrification, what further models of community engagement can nonprofit institutions devise?

A launch and orientation party will open Decolonize This Place on Saturday, September 17th, from 6-9pm, with DJ sets and performances by traxsessions (Devin Kenny, Jesse Hlebo and guests). A website with further information, documentation and a calendar of daily activities will be launched on this date at

The first event of Decolonize This Place will be a 50th anniversary screening of Battle of Algiers (1966) on Sunday, September 18th, noon-9pm. Titled Casbah, it will feature the film on loop between noon-6pm with an original soundtrack by Razor Step. This will precede a potluck dinner and a conversation between Sohail Daulatzai and MTL at 6pm, centered around discussion of Daulatzai’s newly released book Fifty Years of „The Battle of Algiers“: Past as Prologue (University Of Minnesota Press, September 2016).

MTL+ is comprised of Nitasha Dhillon, Amin Husain, Yates McKee and Andrew Ross, with production support from Kyle Goen and Amy Wang

Common Practice New York is an advocacy group that fosters research and discussions about the role of small-scale arts organizations in New York City. The members of Common Practice New York are Anthology Film Archives, Artists Space, Bidoun, Blank Forms, Danspace Project, Electronic Arts Intermix (EAI), ISSUE Project Room, The Kitchen, Light Industry, Participant Inc, Primary Information, Printed Matter, Recess, SculptureCenter, Storefront for Art and Architecture, Triple Canopy, and White Columns

»Stranded at Schwimmen-zwei-Vögel« – Filmreihe kuratiert von Yuki Higashino

Filmreihe im mumok

Museumsplatz 1, A-1070 Wien

Im ersten Absatz seines wunderbar wahnsinnigen Meisterwerks Auf Schwimmen-zwei-Vögel schreibt Flann O’Brien: „Ein Anfang und ein Ende pro Buch waren etwas, das mir nicht behagte. Ein gutes Buch kann drei völlig verschiedene Anfänge haben, die nur im vorausschauenden Wissen ihres Verfassers zusammenhängen, und mindestens hundertmal so viele Schlüsse.“ Dieser Logik folgend, wird die von Yuki Higashino kuratierte Filmreihe Stranded at Schwimmen-zwei-Vögel an vier Abenden vier Themen präsentieren, wobei jeder Abend unabhängig von den anderen sein wird. Alle sind eigenständig und in sich abgeschlossen. Allerdings wird ihre Verschiedenheit nicht lange bestehen bleiben, da sie sich notwendigerweise denselben Raum teilen. Sie werden also miteinander interagieren und sich ineinander auflösen. Tiere in der Architektur und Politik in Reimen.

Yuki Higashino lebt in Wien. Er hat vor kurzem in Le BBB centre d’art, Toulouse ausgestellt, weiters in der Schneiderei, Wien (2016) sowie bei Mount Analogue, Stockholm und Skånes konstförening, Malmö (2014, jeweils mit Elisabeth Kihlström). Im November 2016 wird er eine gemeinsame Ausstellung mit Elisabeth Kihlström in der Gallery G99, House of Arts, Brno, präsentieren.

Each Aspect of Life Is a Thing of Triad

Mittwoch, 5. Oktober 2016, 19 Uhr

Politik und Wirtschaft regieren unser Leben; beide Systeme und Strukturen werden in der Kunst beständig reflektiert, entweder direkt, wie in den religiösen Darstellungen von Mäzenen, oder indirekt, wie in der historischen Konzeptkunst mit seiner Übernahme einer White-Collar-Arbeitsästhetik. Künstler_innen können sich des jeweiligen Systems, innerhalb dessen sie arbeiten müssen, zu ihrem Vorteil bedienen und daraus eine eigene Produktionslogik entwickeln, die als intelligenter Gegenentwurf zu politischen und wirtschaftlichen Gegebenheiten funktioniert. Als Material mag Zeitgenössisches dienen, wie etwa in Martha Roslers sezierender Analyse einer Ausgabe der Vogue, oder Historisches, wie in der Auseinandersetzung mit dem Thatcherismus, die der Komiker Stewart Lee unternimmt. Am Ende stehen bestenfalls eine aufschlussreiche Weltsicht und eine Strategie, mit Welt und Leben zurechtzukommen, oder die simple Befriedigung, dem oft traurigen Zustand der Gesellschaft etwas abgerungen zu haben, nämlich Kunst. Die beiden an diesem Abend präsentierten Arbeiten von Michael Stevenson erinnern an Tapisserien: Fäden in unterschiedlichsten Farben werden in einem komplexen Prozess miteinander verknüpft und ergeben so ein Bild, in dem die verworrenen Verbindungen von Menschen, Orten und Ereignissen mit erstaunlicher Präzision verwoben sind.


Thirteen Black Cats, 1/56, 2015, 4 min

Stewart Lee, Jungle Canyon Rope Bridges Routine, aus: Carpet Remnant World, 2012, 15 min

Martha Rosler, Martha Rosler Reads “Vogue”, 1983, 26 min

Michael Stevenson, Introducción a la teoría de la probabilidad, 2008, 26 min

Michael Stevenson, On How Things Behave, 2010, 16 min

Vorgestellt von Yuki Higashino, Gast: Michael Stevenson

Michael Stevenson lebt in Berlin. Ausstellungen (Auswahl): VIEWING ROOM, Sculpture Center, New York (2015); Signs & Wonders, Kunsthal Charlottenborg, Kopenhagen (2015); Liverpool Biennial (2014); A Life of Crudity, Vulgarity, and Blindness, Portikus, Frankfurt/M. (2012).

They Call It Verse-Speaking

Mittwoch, 16. November 2016, 19 Uhr

Sprache ist musikalisch, und Musik ist eine Sprache. Dieses simple Diktum hat Dichter_innen und Komponist_innen von jeher inspiriert, aber ebenso bildende Künstler_innen, besonders seit der Faktor Zeit über Film, Performance und Text in die Kunst eingeführt wurde. Künstler_innen reizen die Grenzen von Worten aus, hinterfragen Sprechstrukturen, schreiben Lieder und erzählen Geschichten. Und gleichzeitig mit der Sprache als künstlerischer Spielwiese wurden die eigenen Körper ein wichtiges Ausdrucksmedium. Ob in Form von zartem Gesang oder gewagten Gedichten – Worte haben der Figur des /der Künstlers / Künstlerin beachtliche Möglichkeiten vermittelnder Qualität beschert. In Leslie Thorntons Arbeit zum Beispiel kollidiert der asketische Ansatz strukturalistischen Filmemachens mit der Intimität von Sprache, während Cecelia Condits absurde Singalongs (Lieder zum Mitsingen) einen makabren Kommentar zu unserer Konsumkultur liefern. Sue Tompkins’ Sprechkunst beruht zum Teil auf der musikalischen Erfahrung der Künstlerin und macht durch ihr einzigartiges Tempo, ihre idiosynkratische Syntax und präzise gesetzten Wiederholungen sowie ihren charakteristischen Tonfall deutlich, wie sehr Tompkins’ künstlerische und poetische Praxis musikalisch geprägt ist.


Cecelia Condit, Possibly in Michigan, 1983, 12 min

Leslie Thornton, X-TRACTS, 1975, 9 min

Imogen Stidworthy, Barrabackslarrabang, 2009–2010, 10 min

Stephen Prina, Vinyl II, 2000, 22 min

Sue Tompkins, Performance, 2016

Vorgestellt von Yuki Higashino, Gast: Sue Tompkins

Sue Tompkins lebt in Glasgow. Ausstellungen (Auswahl): The Gallery of Modern Art, Glasgow, Glasgow International (2014); Its chiming in Normaltown, Midway Contemporary Art, Minneapolis (2012). Performances (Auswahl): LETHERIN THROUGH THE GRILLE, White Columns, New York (2014); Schottischer Pavillon, Venedig-Biennale (2005).

Outwardly a Rectangular Plain Building,

Inside Is Composed of Large Black and White Squares

Mittwoch, 14. Dezember 2016, 19 Uhr

Aufgrund ihrer Eigenschaften, unser Leben zu umgeben, Zeit zu dokumentieren und selbst zu einem Bild zu werden, sowie ihrer Bemühungen, verschiedene Disziplinen zu verschmelzen, hat die Architektur bei Künstler_innen stets Faszination und Verblüffung hervorgerufen. In der Arbeit von Judith Hopf ist Architektur der Ort schierer Verzweiflung, wohingegen Aglaia Konrad sich liebevoll und ruhig einem Gebäude widmet. Geschichte, Theorie und Sprache der Architektur – sowie die Notationen ihrer erstarrten Musik – dienen als ergiebige Quellen und nützliche Modelle für die Produktion von Kunst. Womit sich Architektur über das einzelne Gebäude hinausgehend beschäftigt, ist auch für bildende Künstler_innen von Belang: rurale, urbane und klangliche Landschaften, Synchronizität und Diachronie, Lifestyle und Stilfragen, Flanieren im philosophischen Sinn sowie Dauerhaftigkeit. Die überaus facettenreichen Arbeiten von Tris Vonna-Michell lassen unzählige Lesarten zu. An diesem Abend wird der Fokus auf der Beziehung des Künstlers zu Architektur liegen: die Art und Weise, wie seine sprach- und fotografiebasierte Praxis architektonischen und urbanen Raum erfüllt.


Aglaia Konrad, Concrete & Samples II Blockhaus, 2009, 10 min

Florian Pumhösl, Programm, 2006, 8 min

Knowles Eddy Knowles, Agora, 2015, 11 min

Yuki Higashino, Poundbury Horror, 2013–2016, 21 min

Judith Hopf, Some End of Things: The Conception of Youth, 2011, 4 min

Tris Vonna-Michell, A Watermark: Capitol Complex, 2016, 7 min

Tris Vonna-Michell, Postscript III-V (Berlin), 2013, 9 min

Tris Vonna-Michell, Wasteful Illuminations (working title / work in progress)

Vorgestellt von Yuki Higashino, Gast: Tris Vonna-Michell

Tris Vonna-Michell lebt in Stockholm. Ausstellungen (Auswahl): Presentation House Gallery, Vancouver (2015); A story within a story, 8. Internationale Göteborg-Biennale für zeitgenössische Kunst (2015); VOX, Centre de l’image contemporaine, Montreal (2014); Turner Prize 2014, Tate Britain, London (2014).

A Curious Offspring Azoic in Nature

Mittwoch, 18. Januar 2017, 19 Uhr

Wollte man den Erfolg einer philosophischen Idee an ihrer Verankerung im allgemeinen Bewusstsein messen, wäre Marx’ Konzept des Warenfetischismus ein heißer Kandidat für den ersten Platz. Die Idee, dass Waren sich verhalten können, als besäßen sie ein eigenes Leben, oder dass sie uns dazu bringen, uns so zu verhalten, als hätten sie eines, ist in unserer Gedankenwelt so verwurzelt, dass sie schon beinahe zu einem Gemeinplatz geworden ist. Viele Aspekte unseres Alltagslebens und unserer Kultur werden so verständlich, vom Sammeln von alten Autos über HAL 9000 aus Kubricks2001: Odyssee im Weltraum bis hin zu dem „Uncanny Valley“-Problem hochentwickelter Roboter und digitaler Animation. In Arbeiten von Michael Eddy oder Elizabeth Price etwa werden kapitalistische Symbole wie Kreditkarten (Eddy) oder Luxusautos (Price) als beseelt präsentiert. Was wäre, wenn ein ökonomisches System – und damit der Austausch von Gütern und Kapital – einem Ökosystem ähneln würden? Für Künstler_innen bedeutet das eine Verwischung der Trennung von Lebensreflexion und Imitation artifizieller Systeme. Als empfindungsfähige Artefakte scheinen die digitalen Wesen in Ann Lislegaards Arbeiten unsere Welt bereits verlassen zu haben und ihr eigenes Universum zu bewohnen, einen fiktionalen Raum aus diversen Science-Fiction-Welten.


Jean Painlevé, La Pieuvre, 1927, 12 min

Elizabeth Price, West Hinder, 2012, 22 min

Michael Eddy, Infinite Cruelty, for nothing, 2016, 33 min

Ann Lislegaard, Time Machine, 2011, 13 min

Ann Lislegaard, Oracles, Owls… Some Animals Never Sleep, 2012–2014, 10 min

Ann Lislegaard, Dobaded Dobaded, 2014–2015, 5 min

Ann Lislegaard, Spinning and Weaving Ada, 2016, 3 min

Vorgestellt von Yuki Higashino, Gast: Ann Lislegaard

Ann Lislegaard lebt in New York und Kopenhagen. Ausstellungen (Auswahl): Paraspace, Tel Aviv Museum (2015); What if, MOCAD – Museum of Contemporary Art Detroit (2009); Science Fiction and Other Worlds, Astrup Fearnely Museum of Modern Art, Oslo (2007); Dänischer Pavillon, 51. Venedig-Biennale (2005).

Ausstellung: Clemens von Wedemeyer – Orte unter Einfluss

Clemens von Wedemeyer (*1974) arbeitet als Künstler mit dem Medium Video und Film. Seine Werke bewegen sich zwischen Dokumentation und Spielfilm, Realität und Fiktion. In diesem Zwischenbereich spürt von Wedemeyer der Komplexität von Orten innerhalb ihrer zeitlichen und räumlichen Systeme nach. Die Vielschichtigkeit spiegelt sich in den Installationen und Fotografien, die die filmischen Arbeiten begleiten, ergänzen und erweitern. Sie eröffnen multiple Ebenen der Wahrnehmung. Dabei gilt von Wedemeyers Interesse ganz grundsätzlichen Fragen der Repräsentation, formuliert am Kino und seinen alternativen Formen, die er dehnt, verzerrt und sichtbar macht: der Kinoraum wird geöffnet, die Leinwand als Nahtstelle zwischen Zuschauer – und Bühnenraum transparent. So wird  man als Besucher auch Statist: Sind wir nur Betrachter oder könnten wir bereits Teil der Aufführung gewesen sein?

Käthe-Kollwitz-Preis 2016: Edmund Kuppel

Edmund Kuppel erhält den diesjährigen Käthe-Kollwitz-Preis der Akademie der Künste. Mit der Auszeichnung ehrt die Akademie einen Künstler, der mit seinem Werk Pionierarbeit zum Verhältnis von Fotografie und Skulptur geleistet hat. Sein umfangreiches Werk kreist um die Entstehungsprozesse, die technischen Bedingungen und die Wahrnehmung des Fotografierens.

Anlässlich der Preisverleihung zeigt die Akademie ausgewählte Arbeiten des Künstlers, die seit Anfang der 1970er Jahre entstanden sind. In der Ausstellung sind skulpturale Fotoarbeiten, Filme, Videos, individuelle Vorführgeräte und Installationen für Projektionen sowie Das Kabinett des Ferdinand von Blumenfeld zu entdecken. Erstmals zeigt Edmund Kuppel den Film Les marches du héros absurde (2016).

Zur Ausstellung erscheint ein Künstlerbuch.

Lecture with Omar Kholeif: „Whose Gaze Is It Anyway? Debating Revolutionary Politics After the Internet“

Wednesday, September 28, 2016, 7pm

Hunter MFA Studios 

205 Hudson Street, second floor

Entrance on Canal Street

New York

The Hunter College Department of Art and Art History is pleased to announce a public lecture by Dr. Omar Kholeif, Manilow Senior Curator at the Museum of Contemporary Art, Chicago, Wednesday, September 28, 2016, at 7pm at Hunter’s MFA Studios, 205 Hudson Street in Tribeca, in Manhattan.

In his talk, Dr. Kholeif, the Fall 2016 Foundation To-Life, Inc. Arthur and Carol Kaufman Goldberg Visiting Curator, reflects on image making in and around the Arab world. Using this context as a starting point, he pursues a broader discussion about how visual culture is shifting in what is arguably now a post-digital age: how was the euphoric language around endless springs co-opted and transformed into a fleeting form of soft power? How was the shape of images transformed through the digital distribution mechanisms of the internet? How did artists and cultural practitioners respond to this evolving, „revolutionary“ culture? Tracing a genealogy of image making, Kholeif proposes a speculative manifesto that considers the often emotional relationship between politics and the visual culture it produces.

Widely considered one of the world’s leading specialists of modern and contemporary art of the Middle East and North Africa as well as contemporary art and technology, Dr. Omar Kholeif is the Manilow Senior Curator at the Museum of Contemporary Art Chicago. His curatorial work has focused on the intersection of politics, narrative and geography, for an increasingly hyperlinked world. Prior to his appointment at MCA Chicago, Kholeif was Curator at the Whitechapel Gallery, London; Senior Curator at Cornerhouse and HOME, Manchester; Senior Editor of Ibraaz Publishing; Head of Art and Technology at SPACE, London; Curator at FACT, Liverpool; Artistic Director, Arab British Centre, London, and founding director of the UK’s Arab Film Festival. 

Kholeif has curated or co-curated over one hundred exhibitions, commissions, and special projects including the Cyprus Pavilion at the 56th Venice Biennale, the Abraaj Group Art Prize, the Liverpool Biennial, and „Focus: Middle East, North Africa and the Mediterranean“ at the Armory Show, New York. He is author or editor of over 20 books including You Are Here: Art After the Internet (2014), Moving Image (2015), The Rumors of the World: Re-thinking Trust in the Age of the Internet (2015), and Electronic Superhighway: From Experiments in Art and Technology to Art After the Internet (2016). His work has been published widely in a variety of venues, including The Guardian, Art Monthly, Wired, Mousse, frieze, and Camera Austria for which he writes a quarterly column. Kholeif is a Fellow of the Royal Society of Arts, a Churchill Fellow, and a member of AICA, the International Association of Art Critics.

The Foundation To-Life, Inc. Arthur and Carol Kaufman Goldberg Curatorial Workshops are designed to bring curators of international stature to the Hunter campus to work with students in the MA program in Art History and the MFA program in Studio Art for an extended period of time. During his residency at Hunter this semester, Dr. Kholeif will lead a seminar on the theme of „Expanding the Field of Exhibition Making,“ and meet with students individually and in small groups. The Foundation To-Life Curatorial Workshop program recognizes the curatorial interests and ambitions of Hunter students and the Hunter College Art Galleries‘ longstanding commitment to exhibitions whose themes, theses, and checklists have been developed and honed by our students. In the past few years, faculty-initiated, seminar-based exhibitions have included Critical Gestures/Contested Spaces: French Art and Politics in the 1960s and Boundless Reality: Traveler Artists‘ Landscapes of Latin America from the Patricia Phelps de Cisneros Collection (both 2016), Open Work in Latin America, New York & Beyond: Conceptualism Reconsidered 1967-1978 (2013), Peripheral Visions: Italian Photography in Context, 1950s-Present (2012), and Objects of Devotion and Desire: Medieval Relic to Contemporary Art (2011).

Margherita Spiluttini erhält Staatspreis für Fotografie

Margherita Spiluttini erhält den Österreichischen Staatspreis für künstlerische Fotografie. Die Auszeichnung, die seit 1991 in unregelmäßigen Abständen verliehen wird, ist mit 22.000 Euro dotiert und wird der gebürtigen Salzburgerin am 29. September im Bundeskanzleramt in Wien verliehen. Die Laudatio wird Otto Kapfinger halten. Bis dato letzter Preisträger war Peter Dressler im Jahr 2013.

“Margherita Spiluttini ist zurecht eine der renommiertesten Architekturfotografinnen Europas”, würdigte sie Kulturminister Thomas Drozda (SPÖ) gegenüber der APA. “Mit ihrer herausragenden Bildsprache schreibt Spiluttini Fotografiegeschichte. Die architektonischen und landschaftlichen Motive ihrer Fotografien demonstrieren eine behutsame Herangehensweise, Gebautes wird nicht in spektakulären Ansichten, sondern stets im Kontext der Umgebung gezeigt.”
Spiluttini wurde 1947 in Schwarzach im Pongau geboren und absolvierte eine Ausbildung als radiologisch-technische Assistentin, bevor sie sich 1981 als freischaffende Fotografin selbstständig machte. Sie hat sich in ihrem Schaffen intensiv mit Architektur auseinandergesetzt. Ihr Fotoarchiv befindet sich mittlerweile in der Sammlung des Architekturzentrums Wien. Zu den zahlreichen Auszeichnungen Spiluttinis gehören das Österreichische Ehrenkreuz für Wissenschaft und Kunst sowie das Goldenen Verdienstzeichen des Landes Wien.


Symposium im Rahmen der Ausstellung »Timm Rautert. Bildanalytische Photographie, 1968 – 1974«

Bildanalytische Photographie 1968 – 1974, 2. Juli bis 25. September 2016, Kupferstich-Kabinetts, Staatliche Kunstsammlungen

Die Bildanalytische Photographie gilt als ein Hauptwerk konzeptueller Fotografie der 1960er und 1970er Jahre in Deutschland. Darin lotet Timm Rautert in 56 Bildkompositionen Bedingungen, Möglichkeiten und Grenzen der Fotografie aus und thematisiert Fragen künstlerischer Autorschaft, von Einzelbild und Serie, Glaubhaftigkeit und Manipulation.

Das Symposium beginnt am Freitag, den 16. September 2016, mit einem Abendvortrag von Prof. Dr. Peter Geimer über den Eigenwert der Fotografie im Zeitalter des Digitalen. Am Samstag, den 17. September 2016, werden in sechs Vorträgen verschiedene Aspekte der Bildanalytischen Photographie vorgestellt und diskutiert – vom Begriff der Grammatik einer Fotografie über die sozialen Gebrauchsweisen, den Stellenwert des Zyklus im Gesamtwerk Timm Rauterts bis hin zu zeitgenössischen künstlerischen Umgangsformen, die sich mit bildanalytischen Fragestellungen beschäftigen.

Eine Veranstaltung des Kupferstich-Kabinetts, Staatliche Kunstsammlungen Dresden im Hans-Nadler-Saal, Residenzschloss, Taschenberg 2, 01067 Dresden.

Um Anmeldung bis zum 5. September 2016 wird gebeten:

Die Teilnahme ist kostenlos.



Freitag, 16. September 2016

18.30 Uhr Peter Geimer (Berlin)

Was war Fotografie? Sieben Bilder, sieben Kommentare

Samstag, 17. September 2016

9.30 Uhr Einführung

10 Uhr Steffen Siegel (Essen)

Der Kontrakt des Fotografen. Timm Rauterts Fototheorie in Bildern

11 Uhr Kaffeepause

11.15 Uhr Falk Haberkorn (Leipzig)

Ohne Worte. Das unbegreifliche Bild

12 Uhr Christina Natlacen (Leipzig)

Die Fotografie Gebrauchsanweisung. Die Bildanalytische Photographie vor dem Hintergrund der sozialen Gebrauchsweisen der Fotografie

12.45 Uhr Mittagspause

13.45 Uhr Florian Ebner (Essen)

No photographing. Über Repräsentation und Anti-Repräsentation in Timm Rauterts frühem Werk

14.30 Uhr Bertram Kaschek (Dresden)

Die Fiktionalität des Faktischen. L’Ultimo Programma als bildanalytisches Spielfeld

15.15 Uhr Kaffee & Kuchen

15.45 Uhr Maren Lübbke-Tidow (Berlin)

Transformationen: Gegenwärtige bildanalytische Konzeptionen in der zeitgenössischen künstlerischen Fotografie

16.30 Uhr Fragen und Abschlussdiskussion

17 Uhr Ausstellungsrundgang mit Timm Rautert

Moderation: Linda Conze und Rebecca Wilton

18 Uhr Ende des Symposiums mit Weinempfang und Auflösung Richtung Museumsnacht


Referentinnen und Referenten

Florian Ebner ist Leiter der Fotografischen Sammlung des Museum Folkwang in Essen.

Peter Geimer ist Professor für Neuere und Neueste Kunstgeschichte an der Freien Universität Berlin und leitet dort das Forschungskolleg »BildEvidenz. Geschichte und Ästhetik«.

Falk Haberkorn ist Künstler und Autor.

Bertram Kaschek ist Kunsthistoriker und forscht derzeit als Stipendiat der Volkswagen-Stiftung zum fotografischen Werk Christian Borcherts am Dresdner Kupferstich-Kabinett.

Maren Lübbke-Tidow ist Autorin, Kuratorin und Dozentin. Von 2010 bis 2014 war sie Chefredakteurin der Zeitschrift Camera Austria International und Kuratorin des Hauses. Zahlreiche Ausstellungen und Publikationen.

Christina Natlacen ist Juniorprofessorin für Medien- und Kulturwissenschaft an der Hochschule für Grafik und Buchkunst Leipzig.

Steffen Siegel ist Professor für Theorie und Geschichte der Fotografie an der Folkwang Universität der Künste in Essen.