Aktuelles

Heimo Zobernig (*1958) erhält den mit CHF 150‘000.- höchstdotierten europäischen Kunstpreis der Roswitha Haftmann-Stiftung.

Foto Archiv HZ

Der Stiftungsrat der Roswitha Haftmann-Stiftung hat an seiner Sitzung Ende Oktober beschlossen, Heimo Zobernig für sein unbeirrtes, vielfältiges Schaffen und für sein stringentes Gesamtwerk mit dem Roswitha Haftmann-Preis auszuzeichnen. Der österreichische Künstler arbeitet in unterschiedlichen Medien wie Skulptur, Malerei, Video und Performance. Ausgehend von der geometrischen Abstraktion interpretiert er die Hauptthese der Minimal Art «You get what you see». Seine frühen, schwarzen Skulpturen wirken auf den ersten Blick wie schwere industriell gefertigte architektonische Elemente, bei genauem Hinsehen handelt es sich aber um handgearbeitete, lackierte Kartonskulpturen. Die reduzierte Formensprache setzt sich mit dem russischen Konstruktivismus, der niederländischen De Stijl-Bewegung, oder den Zürcher Konkreten auseinander. Er verwendet einfache Materialien wie Karton, Pressspan oder Styropor, die er zu dreidimensionalen, einfachen Objekten verarbeitet und in komplexen Rauminstallationen mit stark farbigen, abstrakten Gemälden in Beziehung bringt, in denen häufig Schriftzeichen und einzelne Wörter erscheinen. Die Gesamtaussage seiner Assemblagen ist jedoch nicht abstrakt. Zobernig begreift Kunst als ein Kommunikationssystem, das über sich hinausweist und in die Lebenswirklichkeit der Betrachter eindringt.Nach dem Studium 1977 bis 1980 an der Akademie der bildenden Künste Wien und 1980 bis 1983 an der Hochschule für angewandte Kunst Wien lehrte Zobernig an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg und der Städelschule in Frankfurt am Main. Seit 2000 hält er eine Professur für Bildhauerei an der Akademie der bildenden Künste Wien. Er gestaltete den österreichischen Pavillon auf der 56. Biennale von Venedig, die am 22. November ihre Tore schliesst.

STIFTUNG, PREIS UND VERGABE

Heimo Zobernig ist der sechzehnte Künstler, dem Europas höchstdotierter Kunstpreis zuteil wird. Die Preisverleihung findet am 12. Mai 2016 im Kunsthaus Zürich statt. Die Auszeichnung geht auf die Initiative der Galeristin Roswitha Haftmann (1924-1998) zurück. Seit 2001 vergibt ihre Stiftung den Preis an lebende Künstlerinnen und Künstler, deren Werk von überragender Bedeutung ist. Wer den Preis erhält, wird vom Stiftungsrat bestimmt. Ihm gehören die Direktoren des Kunstmuseums Bern, des Kunstmuseums Basel, des Museum Ludwig in Köln und des Kunsthaus Zürich an. Hinzu kommen Mitglieder, die vom Stiftungsrat berufen werden.

Weitere Informationen unter www.roswithahaftmann-stiftung.com.

Roswitha Haftmann Stiftung, c/o Kunsthaus Zürich

Winkelwiese 4, Postfach, CH 8024 Zürich, Tel. +41 (0)44 253 84 84,

Fax +41 (0)44 253 84 33, christa.meienberg@kunsthaus.ch

www.roswithahaftmann-stiftung.com

Presseanfragen:
Björn Quellenberg
bjoern.quellenberg@kunsthaus.ch

Florian Albrecht-Schoeck und Rebecca Wilton fotografieren Orte, die eher marginalen Zwecken dienen oder Veränderungen ausgesetzt sind. Es sind Transit-Orte, die zu »Nicht-Orten« geworden sind: Feuerwehreinfahrten und provisorische Parkplätze, aufgegebene Bahnhöfe, verlassene Kaufhäuser und vom Abriss bedrohte Dörfer. Welche Relevanz, Bedeutung und Rolle geben wir diesen Orten? Seit 2007 zeigen das Hessische Landesmuseum Darmstadt und die Schader-Stiftung Ausstellungen, in denen Gesellschaftswissenschaften und Kunst in einen Dialog treten.

Laufzeit: 16. Oktober 2015 bis 28. Februar 2016
Ort: Galerie der Schader-Stiftung, Goethestr. 1, 64285 Darmstadt

LaToya Ruby Frazier is a photographer and video artist who uses visual autobiographies to capture social inequality and historical change in the postindustrial age. Informed by documentary practices from the turn of the last century, Frazier explores identities of place, race, and family in work that is a hybrid of self-portraiture and social narrative. The crumbling landscape of Braddock, Pennsylvania, a once-thriving steel town, forms the backdrop of her images, which make manifest both the environmental and infrastructural decay caused by postindustrial decline and the lives of those who continue—largely by necessity—to live amongst it.

The Notion of Family, a series of unflinching black-and-white photographs, shows her mother, grandmother, and the artist herself in a Braddock unmoored by disinvestment and demographic decline. Frazier’s stark portraits underscore the connection between self and physical space and make visible the consequences of neglect and abandonment—unemployment, environmental health crises, and lack of access to services—for Braddock’s historically marginalized working-class African American community. In a photolithograph and silkscreen print series from 2011, entitled Campaign for Braddock Hospital (“Save Our Community Hospital”), Frazier sets up an ironic juxtaposition between upbeat consumer capitalism and the challenges of working people. Images of Braddock from a 2010 Levi Strauss campaign bearing the slogan “Ready to Work” are set in counterpoint to quotes from Braddock residents about the closure of the town’s only hospital—and its principal employer—that same year.

In more recent photographic work, Frazier documents Braddock from the skies in full-color aerial shots that record the extensive transformations of a community after years of economic collapse. Frazier’s uncompromising and moving work illustrates how contemporary photography can open conversations about American history, class structures, and social responsibility.

LaToya Ruby Frazier received a B.F.A. (2004) from Edinboro University of Pennsylvania and an M.F.A. (2007) from Syracuse University. She held artist residencies at the Lower Manhattan Culture Council (2009–2010) and the Whitney Museum of American Art Independent Study Program (2010–2011) and was the Guna S. Mundheim Fellow at the American Academy in Berlin (2013–2014) before assuming her current position as assistant professor in the Department of Photography at the School of the Art Institute of Chicago. Frazier’s work has appeared in numerous exhibitions, including solo shows at the Brooklyn Museum, the Institute of Contemporary Art, Boston, the Seattle Art Museum, and the Contemporary Arts Museum, Houston. The Notion of Family, Frazier’s first book, was published in 2014.

Leo Kandl, Menschen und Orte – Fotografien aus 40 Jahren
Otto Breicha-Preis für Fotokunst 2015
Rupertinum 31. Oktober 2015 – 28. Februar 2016
Das Museum der Moderne Salzburg widmet Leo Kandl, dem diesjährigen Träger des Otto Breicha-Preises für Fotokunst, eine umfassende Werkschau.
Leo Kandl (geb. 1944 in Mistelbach, lebt in Wien) schreibt seit über vierzig Jahren Bildgeschichte. Als stiller und feinsinniger Beobachter sucht er die unterschiedlichsten Orte der Welt auf, um von dort Bilder mitzubringen, die von seinen Begegnungen künden. In Straßen, Bars und Cafés, an Bahnhöfen und in Gaststätten porträtiert Kandl mit seiner Kamera die Gesellschaft und wird so zum Dokumentaristen seiner Umwelt. Er agiert dabei niemals als Voyeur, sondern stets mit einer hohen Sensibilität für die sozialen Beziehungen innerhalb der Milieus, in denen er sich bewegt. „Kandls fotografische Einblicke in eine Welt am Rande einer Großstadtgesellschaft und ihrer gestylten Lebensbilder gehören heute zu den Klassikern der österreichischen Fotogeschichte“, unterstreicht Sabine Breitwieser, Direktorin am Museum der Moderne Salzburg. Mit etwa hundert Exponaten, bestehend aus Sammlungsbeständen des Museums und neuen Arbeiten, hat Margit Zuckriegl, Vorsitzende der Jury und Kuratorin der Ausstellung, einen Überblick über Kandls Schaffen seit den 1980er Jahren zusammengestellt. Mit dem diesjährigen Otto-Breicha-Preis für Fotokunst und der Ausstellung Leo Kandl. Menschen und Orte – Fotografien aus 40 Jahren erfolgt eine umfassende Würdigung des Werkes von Leo Kandl durch das Museum der Moderne Salzburg.
Die Fotografien der Serie Weinhaus aus den 1980er Jahren erzählen von Menschen am Rande der Gesellschaft und formulieren ein berührendes Zeugnis eines Lebens im Halbdunkel der Weinstuben, Bahnhofsbuffets und Kaschemmen am Wiener Gürtel. In den 1990er Jahren befasste sich Kandl mit der Kultur individueller Kleidung als materialisierte Spur menschlicher Existenz. Seine „Sakko-Fotos“ belegen gleichzeitig Anwesenheit und Abwesenheit des Trägers. Passanten und Zufallsbegegnungen sind wiederkehrende Momente im Werk von Leo Kandl. Waren es zunächst anonyme Porträts, die er auf der Straße einfing, so führte er in späteren Jahren mittels Annoncen und Kontaktanzeigen bewusst Treffen herbei. Um 2000 begann er die Serie Free Portaits, die auf umfassenden Vorbereitungen und Verabredungen mit ihm zuvor unbekannten freiwilligen „Modellen“ basiert. Seit einem Studienaufenthalt 2003 im Iran interessiert sich Kandl für Stadtlandschaften und Peripherien. Es sind die Anonymität der Orte und die „Atmosphäre des Übersehenen“, welche ihn auch zu seinen Bildrecherchen in Moldawien und der Ukraine anregten. Darüber hinaus widmet er sich auch seiner Heimatstadt Wien. Unspektakuläre Straßenzüge, Wohnungsbauten aus den 1970er Jahren, ein Kiosk, eine Trafik – Kandl sieht in ihnen geometrische Bildkompositionen, unwillkürliche Architekturen des Zufalls.
Anlässlich der Preisverleihung erscheint eine Broschüre mit Texten von Sabine Breitwieser und Margit Zuckriegl.
Kuratorin: Margit Zuckriegl, Museum der Moderne Salzburg

Otto Breicha-Preis für Fotokunst 2015 – Begründung der Jury:
Seit über dreißig Jahren wird der Otto Breicha-Preis für Fotokunst vom Museum der Moderne Salzburg mit Beteiligung der Familie Breicha ausgerichtet. Die Jury, bestehend aus Christa Breicha, Philipp Otto Breicha, Matthias Herrmann (Otto Breicha-Preisträger 2013), Walter Moser (Albertina Wien) und Margit Zuckriegl (Museum der Moderne Salzburg), hat Leo Kandl einstimmig als diesjährigen Preisträger nominiert. Die Jury begründet ihre Wahl wie folgt:
Leo Kandl (geb. 1944) studierte an der Akademie der bildenden Künste in Wien, bevor er sich ab den 1970er Jahren der Fotografie widmete. Er gehört der ersten Generation der Autoren-Fotografen in Österreich an. Diese Generation etablierte eine klare Fotosprache im Sinne der straight photography und war in den damals neu entstandenen Fotogalerien und Fotoinstitutionen sehr aktiv. Leo Kandls Fotoserie Weinhaus (1979/1980) gehört heute zum klassischen Bildinventar der österreichischen Fotogeschichte. Sie ist repräsentativ für die Verknüpfung einer stringenten Bildkonzeption mit gesellschaftsrelevanten Themen. Das „genaue Hinsehen“ und die persönliche Involviertheit des Fotografen in seinen Recherchen ermöglichten Kandl ab den späten 1990er Jahren einen neuen künstlerischen Ansatz: Die Werkgruppe der Free Portraits (ab 2000) entstand als seismografische Bestandsaufnahme einer globalen Gesellschaft im Wandel. Kandls Straßenporträts kommen durch seine Kontaktaufnahme mit völlig unbekannten Menschen zustande. Sein Interesse für deren Situation und Selbstinszenierung brachte einen fotografischen Atlas von beachtlichem Umfang und großer Diversität hervor. Kandl reiht sich damit in eine in Österreich besonders starke und eigenwillige Szene der klassischen Fotografie nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs ein. Er eröffnete zugleich seinen individuellen Weg, ein aktuelles Bildmedium von der Tradition in eine zeitgemäße Bildsprache zu überführen.

www.museumdermoderne.at

Der tschechische Photograph Josef Koudelka wird mit dem Dr.-Erich-Salomon-Preis der Deutschen Gesellschaft für Photographie (DGPh) ausgezeichnet. Die Preisverleihung findet am 7. November 2015 im Museum Folkwang in Essen statt. Mit dem 1939 in Boskovice (heute Tschechien) geborenen Josef Koudelka ehrt die DGPh einen der weltweit profiliertesten und prägendsten Photographen der vergangenen Jahrzehnte.

Der seit 1971 alljährlich für „vorbildliche Anwendung der Photographie in der Publizistik“ vergebene Preis erinnert an Dr. Erich Salomon, den großen Photographen der Weimarer Republik, dem der moderne Bildjournalismus starke Anregungen verdankt.
Joseph Koudelka, innerhalb der Kollegenschaft wie der Kunstwelt gleichermaßen hoch geschätzt und geachtet, zählt ohne Zweifel zu den wenigen herausragenden Photographen, deren Bildgestaltung die zweite Hälfte des 20. Jahrhunderts entscheidend prägten. Während seiner Ausbildung zum Luftfahrtingenieur an der Universität Prag war Josef Koudelka in den 1960er Jahren zunächst als Reportagephotograph und anschließend als Theaterphotograph für ein Theatermagazin tätig. In seinen frühen Reportagen betrachtete er das Leben von Romafamilien in der ländlichen Tschechoslowakei, wobei ihm Bilder von zeitloser Gültigkeit gelangen. Seine schwarz-weiß Photos mit starken grafischen Kontrasten wurden in einer Perspektive der teilnahmsvollen Distanz geschaffen. Diese ermöglicht den Betrachtern, die häufig schicksalhaften Situationen emotional mitfühlend zu sehen oder sich auf die herausragende ästhetische Gestaltung zu konzentrieren. Die Verbindung dieser beiden Aspekte findet sich auch in Koudelkas photographischen Arbeiten der Folgejahre und ist die Grundlage für sein bedeutendes Oeuvre von schlichten, aber aussagekräftigen und wirkungsmächtigen Bildern. Seine Darstellungen beruhen stets auf seiner humanistischen Sichtweise, können jedoch durchaus humorvolle Aspekte aufweisen.
Als der Prager Frühling 1968 von den Truppen des Warschauer Paktes gewaltsam beendet wurde, lichtete Koudelka Szenen der Niederwerfung in grandioser Eindrücklichkeit ab. Diese Bildstrecke stellt den Konflikt zwischen verzweifelten Menschen, die ihre Bürgerrechte verteidigen wollen, und waffengestützten Staatsmächten bis heute gültig dar. Die Aufnahmen wurden zu Elliot Erwitt, dem seinerzeitigen Präsidenten der Photoagentur Magnum, geschmuggelt und zum Jahrestag der Invasion 1969 mit der Autorenschaft „P.P.“ (Photograph Prag) in der Sunday Times und dem Magazin Look veröffentlicht. Obwohl die Invasion ein Jahr zurücklag war die Reportage eine mediale Sensation, ihr Autor wurde „anonym“ mit der Robert Capa Gold Medal ausgezeichnet.
1970 blieb Koudelka bei einer Reportagereise nach Frankreich im Westen, erhielt Asyl als politischer Flüchtling und übersiedelte nach London, bevor er schließlich 1980 nach Paris zog, wo er – mittlerweile als französischer Staatsbürger – bis heute neben Prag lebt.
In den Jahrzehnten nach seiner Übersiedelung beschäftigte sich Josef Koudelka mit der fragilen Existenz von ethnischen oder gesellschaftlichen Gruppen in Europa, die von Auslöschung oder Vertreibung bedroht sind, reflektierte jedoch auch subtil seine eigene nomadische Lebensweise im Exil. „Exiles“ hießen auch Publikation und Ausstellung, die hieraus erwuchsen.
In den vergangenen Jahren benutzte Koudelka Panorama-Photographien, um seine Sicht auf die Versehrungen, die der Erde zugefügt wurden, abzubilden; Das können Industrielandschaften sein, archäologische Stätten oder auch der Grenzzaun zwischen Israel und Palästina.

Weitere Informationen zur DGPh unter www.dgph.de,
zu Josef Koudelka  unter www.magnumphotos.com.
Informationen zum Dr. Erich-Salomon-Preis unter www.dgph.de/preise/salomon

The Musée de l’Elysée and Parmigiani Fleurier are thrilled to announce that Slovak artist Martin Kollar was selected by an international jury of experts for his project „Provisional Arrangement.“ Martin Kollar receives CHF 80,000; half of this sum will go to the production of the project, and the other half to the publication of an accompanying book. He has to complete his work within one year. During this time, his progress will be followed by the Musée de l’Elysée. An exhibition of his project is planned at the museum in Lausanne in September 2016.

About the project: „Provisional Arrangement“
„I grew up during Communism with its key motto ‚With the Soviet Union for all Eternity.‘ Back then, we would add, laughing: ‚but not an hour longer.‘ This has been, until this day, one of the few experiences I’ve had with eternity.

Since then, my life has been filled with negotiating its many temporary situations and solutions. People of my generation have grown up; we are middle-aged now. Temporariness is slipping out of our hands; we are fighting against endless variations of disintegration and the void left behind the abandoned old dogmas. We find ourselves in a complex world without a sense of permanence and certainty. We surround ourselves with temporary friends, have temporary women, have a temporary tooth replacement, and prefer temporary residencies to permanent addresses. ‚Provisional Arrangement‘ is a project concerned with situations containing an element of uncertainty and mystery. This project will be a photographic record capturing the disintegration of permanence into temporary and provisional.“
–Martin Kollar

The Jury of the first edition of the Prix Elysée
Federica Angelucci, Director, Stevenson, Cape Town / Johannesburg
Martin Barnes, Senior Curator of Photographs, Victoria and Albert Museum, London
Elena Foster, Founder and CEO, Ivorypress, London / Madrid
Ramón Reverté, Editor-in-chief and Creative Director, Editorial RM, Barcelona / Mexico City
Tatyana Franck, Director, Musée de l’Elysée, Lausanne
Jean-Marc Jacot, CEO, Parmigiani Fleurier, Fleurier
Marina Vatchnadze, Sandoz Family Foundation, Manager of the cultural patronage

„The projects of the eight nominees were all of exceptional quality and we are very happy to have contributed to the advancement of their careers. We will now assist Martin Kollar in the preparation of an exhibition and a book“
–Tatyana Franck, Director, Musée de l’Elysée, Lausanne

„In ‚Provisional Arrangement‘ Martin Kollar reveals a deeply ironic yet delicate eye through images combining both a sense of rigor and surrealism. The series transcends the specific historical and geographical constraints to become a reflection on the human condition, its inherent transiency and its search for meaning.“
–Federica Angelucci, Director, Stevenson, Cape Town/Johannesburg

„The winner shows a magnificent potential for developing a coherent and serious work. He has done an interesting and a complex series, with an original and particular approach to the subjects chosen. He has already shaped in it his own voice, although assuming his mentors, their influences and certain important key parts of the history of contemporary photography. The Prix Elysee is the prize that any contemporary photographer would wish to win.“
–Elena Foster, Founder and CEO, Ivorypress, London/Madrid

About the Prix Elysée
Result of a partnership between the Musée de l’Elysée et Parmigiani Fleurier, the Prix Elysée offers financial help and curatorial guidance to artists with a passion for photography and books, so they can take a decisive step in their career. The second edition of the Prix Elysée will be launched in January 2016. For more information please visit www.prixelysee.ch.
Musée de l’Elysée
18, avenue de l’Elysée
1014 Lausanne- Switzerland

www.elysee.ch

Der mit 5.000 Euro dotierte Birgit-Jürgenssen-Preis wird heuer zum zwölften Mal im Gedenken an die ehemals an der Akademie lehrende Künstlerin Birgit Jürgenssen verliehen. Seit 2004 wird die Auszeichnung jährlich in einer Kooperation von Bundeskanzleramt, der Akademie der bildenden Künste Wien und Hubert Winter an eine Studentin oder einen Studenten der Kunstuniversität für Arbeiten im medialen Bereich, insbesondere der künstlerischen Fotografie sowie der Video- oder (digitalen) Medienkunst vergeben.

Die Jury, bestehend aus Carola Dertnig, Künstlerin und Professorin für performative Kunst; Vanessa Joan Müller, Dramaturgin der Kunsthalle Wien; Peter Noever, Designer und Ausstellungsmacher und Constanze Ruhm, Künstlerin und Professorin für Kunst und digitale Medien hat den Birgit-Jürgenssen-Preis 2015 einstimmig Daniela Grabosch zuerkannt. Juryvorsitz: Andrea B. Braidt, Vizerektorin der Akademie der bildenden Künste Wien für Kunst und Forschung.

Daniela Grabosch entrollt mit ihren Arbeiten zum Thema Wohnen ein ganzes Dispositiv – die Verbindungen zwischen den Elementen Privatsphäre, gesellschaftlicher Prägung und Überwachung all dessen, was man als eigene Entscheidung oder Gestaltungsleistung begreift. Ihre Analysen und Kreationen von Wohnungsplänen werden zu einem Display, einer Bühne, die das vermeintlich Private als immer schon Äußeres entdecken. Das gelingt, weil Grabosch nicht einfach etwas Bestehendes ausstellt, sondern ein regelrecht neues Wohnsystem ersinnt, das auch ein eigenes Wort-Sprach-System mit sich bringt – Wohneinheiten werden konstruiert, um dann doch nicht Obdach gebend einzuladen, sondern vielmehr Distanz und Verwirrung zu stiften. Nicht zuletzt hat diese Strategie von Grabosch, dem bestehenden, aber unsichtbaren Dispositiv ein neues gegenüber zu stellen – ein guter Trick, um des Jetzt, in dem man gerade lebt, gewahr zu werden, inklusive der Pläne, die andere für uns machen – die Jury überzeugt. (Jurybegründung: Carola Dertnig)

Daniela Grabosch, geboren 1986 in Köln, studiert derzeit an der Akademie der bildenden Künste Wien performative Kunst bei Carola Dertnig. Ihre Arbeiten bewegen sich zwischen performativer Kunst, Video, Skulptur und Installation.

https://www.akbild.ac.at/Portal/organisation/aktuelles/ausstellungen-vermittlung/birgit-juergenssen-preistraegerin-2015-daniela-grabosch

Die Deutsche Gesellschaft für Photographie (DGPh) zeichnet mit dem US-Amerikaner Trevor Paglen einen investigativ arbeitenden zeitgenössischen Photokünstler mit dem Kulturpreis aus. Als Grenzgänger zwischen Kunst und Politik zeigt er Strukturen und Systeme der Überwachung, politischen Einflussnahme und Gewaltausübung von Großmächten auf. Die Verleihung des Kulturpreises 2015 findet am 21. Juni im Frankfurter Kunstverein statt, der dem Künstler im Rahmen der Trienale „RAY Fotografieprojekte Frankfurt/RheinMain“ die monographische Ausstellung „Trevor Paglen: The Octopus“ widmet.

In seinen Photoprojekten setzt sich Trevor Paglen mit den Grenzen des Sichtbaren und Photographierbaren sowie denen von Wissen, Glauben, Erkenntnis und Wahrheit auseinander. Mit Projekten wie „Limit Telephotography“, „On Ghosts“ und „The Other Night Sky“ leistet er einen wichtigen Beitrag zur Geschichte des Verhältnisses von Photographie und Macht(ausübung) sowie zum humanistischen Einsatz des Mediums.

Paglens Arbeiten sind nicht nur politisch höchst relevant, wenn er durch seine Recherchen und Bilder z.B. geheime Militärbasen aufdeckt und die verborgenen Transportwege mutmaßlicher Terroristen in versteckte Foltergefängnisse nachzeichnet. Mit seinen häufig unscharfen oder abstrakten Photographien von Flugplätzen, Geheimgefängnissen oder Überwachungssatelliten stellt er zugleich die Evidenzleistungen des Mediums Photographie in Frage. Er zeigt, dass trotz langwieriger, detaillierter Recherchen und der Zusammenarbeit mit Journalisten, Aktivisten, Informatikern, Ingenieuren und Astronomen keine letztendlichen Gewissheiten zu erlangen sind. Was ist ein Beweis? Warum glauben wir Bildern und welcher Art von Bildern? Welche Indizien und Evidenzen brauchen wir, um politische und gesellschaftliche Konsequenzen aus zunehmend unkontrollierbaren „Sicherheitssystemen“ zu ziehen? In Paglens Bildern treffen neue technische Möglichkeiten der Astrophotographie und die Darstellung von Zusammenhängen mittels speziell angefertigter Softwarelösungen auf den zunehmenden Glaubwürdigkeitsverlust.

Trevor Paglen wurde 1974 in Maryland/USA geboren und absolvierte das Art Institute of Chicago bevor er an der University of California, Berkeley, 2008 in Geographie promovierte. Seine Arbeiten wurden unter anderem im Metropolitan Museum of Art in New York, der Tate Modern in London, der Wiener Sezession, dem Haus der Kunst in München oder zuletzt in Deutschland im Kunstmuseum Bonn gezeigt. Er ist Autor von fünf Büchern zu den Themen seiner Projekte und hält zahlreiche Vorträge. Für seine Projekte wurden ihm etliche Stipendien und Auszeichnungen zuerkannt. In Deutschland wird er durch die Galerie Thomas Zander in Köln vertreten.

http://www.dgph.de/presse_news/pressemitteilungen/der-beobachter-der-beobachter-trevor-paglen-erhaelt-den-dgph

The Hasselblad Foundation is pleased to announce that German artist Wolfgang Tillmans is the recipient of the 2015 Hasselblad Foundation International Award in Photography for the sum of SEK 1,000,000 (approximately EUR 110,000). The award ceremony takes place in Gothenburg on November 30, 2015. On December 1 an exhibition of Tillmans’s work will open at the Hasselblad Center, Sweden. On the same day, the Hasselblad Foundation will host a symposium with the award winner, and a new book by Tillmans will be released.

The Foundation’s citation regarding the 2015 Award winner Wolfgang Tillmans: „Wolfgang Tillmans has established himself among the most original and innovative artists of his generation, constantly pushing the photographic medium in new directions. His practice has covered subjects of pressing political and social importance since the 1990s, reflecting both directly and indirectly on the power of the photographic image to engage critically with the world around us. Furthermore, Tillmans has transformed the understanding of photographic exhibition making through his daring and original installations, playing with scale, formats, framing and presentation to produce immersive experiences that have inspired subsequent generations of artists.“

This year’s award committee, which submitted its proposal to the Foundation’s board of directors, consisted of:

Simon Baker, chair, Curator of Photography, Tate Modern, London

Irina Chmyreva, Senior Curator, Project in Support for Photography in Russia, IRIS Foundation, Moscow

Katerina Gregos, independent curator and Artistic Director, Art Brussels, Brussels

Roberto Koch, Publisher, Contrasto Books, Rome and Milan

Roxana Marcoci, Senior Curator of Photography, the Museum of Modern Art, New York

www.hasselbladfoundation.org

Petra Gerschner ist die Siegerin des Europäischen Architekturfotografie-Preises architekturbild 2015, der mit insgesamt 6.000 Euro dotiert ist.

In der Bildserie „Gezi gegen Gentrifizierung“ von Petra Gerschner sahen die Juroren des architekturbild 2015 die verschiedenen Kriterien des international bekannten und einzigartigen Preises am besten umge-setzt. Neben der Interpretation des diesjährigen Themas „Nachbarschaft“ legte die Jury unter dem Vorsitz von Tom Geister, Assoziierter des Büros Sauerbruch Hutton, großen Wert auf die fotografische Qualität sowie den seriellen Zusammenhang der eingereichten Bilder. „Gerschner erzählt von einem dramatischen Ereignis, ohne das eigentliche Ereignis abzubilden. Dabei verfasst sie eine Kurzgeschichte in vier Bildern, die auch farblich und von der Art der Ausschnitte sehr gut als Serie funktioniert“, so die Juroren. Nachbarschaft wird hier bedroht. Dies ist als düstere Ahnung, als nervöse Spannung in die Bilder eingeschrieben.

Zusätzlich zu diesem ersten, mit 4.000 Euro dotierten Preis wurden zwei gleichwertige Preise vergeben. Sie sind mit einem Preisgeld von jeweils 1.000 Euro verbunden. Julia Baier schafft es mit einem sehr begrenzten Ausschnitt, dem Blick von einem Zimmer auf einen typischen Berliner Hinterhof, das ganze Thema „Mensch und Natur in der nachbarschaftlichen Enge der Stadt“ auszudrücken. Claudia Brust stellt in ihrer Serie ihre eigene Perspektive auf die Marseiller Unité d’habitation, die Le Corbusier erträumt hat, dar. Die gezielt gewählten Bildausschnitte verdeutlichen die Korrelation zwischen der vorhandenen Umgebung und den künstlich geschaffenen Dachelementen und machen dies zum Thema der Serie.

Aus den eingereichten Bildserien – in diesem Jahr waren es 264 aus 14 verschiedenen Ländern – wurden außerdem sieben Auszeichnungen ausgewählt. Sie gingen an Dirk Brömmel, Enver Hirsch, Stefan Jaeggi, Shimizu Ken, Ulrike Manestar, Stefan Rasinger und Herman van den Boom. Auch diese Autoren haben mit ihren beeindruckenden Bildserien zu kulturellen, gesellschaftlichen, politischen Ereignissen, aber auch zu städtebaulichen Entwicklungen mit der Kamera Stellung bezogen.

Die Bildserien von Frauke Bergemann, Kati Bruder, Peter Franck, Aras Gökten, Kai-Uwe Gundlach, Torsten Andreas Hoffmann, Matthias Jung, Tsang Ka Wai (EasonPage), Stefan Koch, Marc Latzel, Anna Lehmann-Brauns, Johannes Marburg, Eckhart Matthäus, Joel Micah Miller, Walter Oczlon, Philipp Ortmann, Bernd Seeland und Lutz Sternstein wurden von den Juroren mit einer Anerkennung bedacht.

Der Preis, der nur dem Namen nach europäisch ist, de facto allen Interessierten aus der ganzen Welt offen steht, wird dieses Mal seinem Namen mehr als gerecht. Denn ein Drittel aller prämierten Arbeiten stammt von Fotografen aus dem europäischen und außereuropäischen Ausland.

Diese 28 besten Bildserien werden beginnend mit der Preisverleihung vom 25. April bis zum 9. August im Deutschen Architekturmuseum in Frankfurt am Main gezeigt. Danach tourt die Ausstellung durch Deutschland und weitere, auch außereuropäische Länder.

www.architekturbild-ev.de

Boris Mikhailov erhält den Goslarer Kaiserring des Jahres 2015, einen der renommiertesten Kunstpreise der Gegenwart. Das gab Goslars Oberbürgermeister Dr. Oliver Junk heute beim traditionellen Neujahrsempfang in der Goslarer Kaiserpfalz bekannt. Der 76-jährige ukrainische Fotograf, der in Berlin und Charkow/Ukraine lebt, gilt heute international als einer der angesehensten Vertreter zeitgenössischer Fotografie. Boris Mikhailov wird den Kaiserring am 10. Oktober 2015 in Goslar entgegen nehmen.

In ihrer Begründung beschreibt die Kaiserring-Jury Boris Mikhailov als einen der zweifellos „wichtigsten Chronisten der sowjetischen und postsowjetischen Gesellschaft. International bekannt geworden ist der 1938 in der Ukraine geborene Fotograf durch seine aufwühlenden Bilder von Obdachlosen in seinem Geburtsort Charkow. Ausgebildet als Ingenieur beginnt Boris Mikhailov in den 1960er Jahren sich in seiner Freizeit mit der Fotografie zu beschäftigen, erprobt ihre technischen Möglichkeiten und experimentiert auf vielfältige Weise mit dem Bildmaterial, das er zu ungewöhnlichen und neuen Darstellungsformen führt: Bildüberlagerungen, Kolorierungen, Verfremdungen, humorvoll kritische Text- und Bild-Kombinationen aus eigenem und gefundenen Material dienen ihm dazu, den Alltag und die repressive Situation in der damaligen Sowjetunion zu dokumentieren und zu kommentieren. Vordergründig bedient er eine regimegetreue Ästhetik, gleichzeitig wird sie subversiv unterlaufen und ironisch gebrochen.“

Boris Mikhailov lebt und arbeitet in Charkow und Berlin. Nach Abschluss seines Studiums arbeitete Boris Mikhailov als Ingenieur in einer Fabrik für Raketenbau. Unzufrieden mit dieser Arbeit voller „Langeweile und Routine“ entschied er sich, einen Film über die Geschichte der Fabrik zu drehen, in der zuvor heimatlose Kinder lebten und arbeiteten. Parallel dazu begann er zu fotografieren und widmete der Fotografie fortan einen großen Teil seiner Freizeit. Er interessierte sich insbesondere für den normalen Bürger und sein Leben. Nach Schwierigkeiten mit dem KGB und dem Verlust seiner Arbeit standen vermehrt soziale- und regimekritische Themen im Focus seiner Fotografien. In einer seiner wichtigsten Fotoserien beschäftigt sich Mikhailov mit sozialen Problematiken und beschreibt anhand konkreter Beispiele den Zustand und die Veränderung der Gesellschaft durch die Auflösung der UdSSR. Ende der 80er Jahre begann er im Westen auszustellen und erfreute sich schnell großer Anerkennung in der internationalen Kunstgemeinde.

Mikhailov erhielt bis heute zahlreiche internationale Fotografiepreise. Daneben hatte er Einzelausstellungen in den wichtigsten Kunstinstitutionen Europas und der Vereinigten Staaten. Seine Arbeiten sind zu finden in den Sammlungen des Metropolitan Museums und des Museum of Modern Art in New York, der Tate Modern und des Victoria and Albert Museum in  London, des Stedeljik Museum in Amsterdam sowie im Centre Georges Pompidou in Paris, im Fotomuseum Winterthur, im Kunstmuseum Basel, in der Berlinischen Galerie, im Sprengel Museum in Hannover, in der Münchener Pinakothek, im Museum Ludwig in Köln und in der Albertina in Wien.

Der Goslarer Kaiserring ist einer der weltweit renommiertesten Preise für moderne Kunst. Er wird seit 1975 verliehen. Die ersten Preisträger waren Henry Moore, Max Ernst und Alexander Calder. Ihnen folgten Pioniere der Gegenwartskunst wie Joseph Beuys, Gerhard Richter, Nam June Paik, Christo, Cindy Sherman oder Jenny Holzer. Vor Boris Mikhailov erhielten in den letzten Jahren unter anderem Matthew Barney, Andreas Gursky, Bridget Riley, David Lynch, Olafur Eliasson und Wiebke Siem den Preis.

Weitere Informationen sowie Bildmaterial

Die Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung hat in Zusammenarbeit mit der Fotografischen Sammlung des Museum Folkwang eines von zwei Stipendien in Höhe von 10.000 Euro im Rahmen ihres Stipendienprogramms »Zeitgenössische Deutsche Fotografie« an die Künstlerin und HGB-Absolventin Peggy Buth vergeben.

Peggy Buth, geboren 1967 in Berlin, studierte ab 1994 Freie Kunst und Fotografie an der Hochschule für Grafik und Buchkunst in Leipzig und absolvierte 2002 ihr Diplom in der Klasse von Prof. Astrid Klein. In den vergangenen Jahren arbeitete sie viel auf dem Feld postkolonialer Fragestellungen. Ihr Werkzyklus »Desire of Representation«, der von einem ethnologischen Museum in Belgien ausgeht, erlangte viel internationale Aufmerksamkeit. Zurzeit ist sie auf einem »Artist in Residence-Programm« in New York vertreten. Anknüpfend an jüngste vorausgegangene Arbeiten zum urbanen Raum konnte sie die Jury mit ihrem Projektvorhaben »Vom Nutzen der Angst – Historisch-virtuelle Leerstellen im urbanen Raum« überzeugen. Darunter versteht sie »Leerstellen, die als Teil des kulturellen Gedächtnisses existieren, die aber aktuell als solche nicht mehr wahrnehmbar sind, weil sie zerstört, überbaut, ersetzt, gentrifiziert wurden.« In diesem Sinne wird die Künstlerin die Tradition der Stadtfotografie, zu der u.a. auch Michael Schmidts Berliner Brachen nach dem 2. Weltkrieg gehören, fortschreiben und sie mit konzeptuellen Mitteln in unsere Gegenwart überführen.

Das zweite Stipendium ging an den Künstler Arwed Messmer, Berlin. In der Presseinformation des Museum Folkwang hieß es: »Damit zeichnet die Jury in diesem Jahr unter den vielen hochkarätigen Einsendungen bewusst eine Künstlerin und einen Künstler aus, die nicht am Anfang ihrer Laufbahn stehen, sondern eine profilierte künstlerische Haltung aufweisen. So visuell unterschiedlich diese Arbeiten mit Orten und Bildkulturen ausfallen werden, was die beiden jedoch verbindet ist die Eigenständigkeit und Ernsthaftigkeit ihrer Ansätze. Diese Qualitäten sollen mit dem Stipendium für Zeitgenössische Deutsche Fotografie der Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung gefördert werden.«

Mitglieder der Jury waren:
Dr. Magdalena Kröner, freie Journalistin, Düsseldorf
Clare Strand, Künstlerin, Brighton
Dr. Walter Moser, Kurator, Albertina, Wien
Dr. Ingomar Lorch, Alfried Krupp von Bohlen und Halbach-Stiftung, Essen
sowie Florian Ebner, Leiter Fotografische Sammlung, Museum Folkwang, Essen.

Building further on the format of recent years, The Abraaj Group Art Prize now awards the 100,000 USD commission to one artist. Yto Barrada’s newly commissioned work, produced for The Abraaj Group Art Prize, will be part of an exhibition at Art Dubai, March 18–21, 2015. The exhibition will also feature previous works by the three shortlisted artists—Sarnath Banerjee, Setareh Shahbazi and Mounira Al Solh. The guest curator, Omar Kholeif, will be working closely with all the artists and has the responsibility of curating and producing the exhibition as well as an accompanying catalogue.

The Abraaj Group Art Prize affords the winner the opportunity of developing an ambitious project, while the accompanying exhibition remains a platform for recognising particularly notable artists from the Middle East, North Africa and South Asia (MENASA).

The Abraaj Group, a leading private equity manager investing in global growth markets, launched The Abraaj Group Art Prize in 2008 to foster and reward artistic development in the MENASA region. The Abraaj Group Art Collection now includes 26 major works; over the past seven years, The Abraaj Group has lent works to over 30 institutions worldwide and commissioned six publications.

The jury for The Abraaj Group Art Prize 2015 included Antonia Carver, Director, Art Dubai; Dana Farouki, Patron; Salwa Mikdadi, Art Historian and Curator; Jessica Morgan, Daskalopoulos Curator, International Art, Tate; and Nada Raza, The Abraaj Group Art Prize 2014 Guest Curator.

The Abraaj Group Art Prize 2015 Winner: Yto Barrada
Yto Barrada (Moroccan, b.1971, Paris) works in photography, film, sculpture, publication, prints and installations, and engages with the peculiar situation of her hometown Tangier (Morocco). Her work has been exhibited at Tate Modern (London), MoMA (New York), Renaissance Society (Chicago), Witte de With (Rotterdam), Haus der Kunst (Munich), and the 2007 and 2011 Venice Biennale. Barrada is also the founding director of the Cinémathèque de Tanger.

The Abraaj Group Art Prize 2015 Shortlisted Artists:
Sarnath Banerjee (b. 1972, Kolkata), working mainly in drawing and video, text and the medium of graphic novels has been exhibited at Centre Pompidou (Paris), MAXXI-National Museum of XXI Century Art (Rome), Mori Art Museum (Tokyo), The Museum Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Torino), IFA Gallery (Berlin) and Institute of Contemporary Arts (London), among others.

Setareh Shahbazi (b. 1978, Tehran) has participated in several group shows including When It Starts Dripping from the Ceiling, Kadist (Paris); Jostari dar Salighe va Ehsass, Asar Gallery (Tehran). Her solo exhibitions include shows at Gypsum Gallery (Cairo) and 98weeks Project Space (Beirut), among others. Shahbazi also creates artists’ books including Spectral Days (2011) and her award-winning catalogue Oh, no, no, … – The Crystal Series (2004).

Mounira Al Solh (b. 1978, Beirut)—a Rietveld Akademy and Rijksakademie postgraduate—has participated in group shows at the first Lebanese Pavillion in Venice, Home Works IV and VI, the 11th Istanbul Biennial, Manifesta 8, Tate Modern, SALT Istanbul, the New Museum, the 5th Marrakech Biennial and Art Dubai Projects. She has presented solo shows at Sfeir-Semler Gallery (Beirut); SMBA and rongwrong (Amsterdam); CCA (Glasgow) and Kunsthalle Lissabon, among others.

The Abraaj Group Art Prize 2015 Guest Curator:
Omar Kholeif is currently Curator at the Whitechapel Gallery (London), Senior Visiting Curator at Cornerhouse and HOME (Manchester) as well as Senior Editor of Ibraaz Publishing. Previously he headed up Art and Technology at SPACE (London) and was Curator at FACT, Foundation for Art and Creative Technology (Liverpool). Kholeif has also been Artistic Director at the Arab British Centre (London) and founding director of the UK’s Arab Film Festival.